Robert Rauschenberg

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Robert Rauschenberg
Premio Premio Imperiale 1998

Robert Rauschenberg (pseudonimo di Milton Ernest Rauschenberg) (Port Arthur, 22 ottobre 1925Captiva Island, 12 maggio 2008) è stato un fotografo e pittore statunitense, che fu vicino alla pop art senza però mai aderirvi realmente, innescando invece una inedita corrispondenza con l'espressionismo astratto.

Biografia[modifica | modifica wikitesto]

Rauschenberg nacque come Milton Ernest Rauschenberg a Port Arthur, in Texas, figlio di Dora Carolina (nata Matson) e Ernest R. Rauschenberg. Suo padre era di discendenza tedesca e indiana Cherokee e sua madre di discendenza anglosassone. I suoi genitori erano cristiani fondamentalisti. Rauschenberg era afflitto da dislessia.

A 16 anni Rauschenberg venne ammesso all'università del Texas dove cominciò a studiare farmacia. Venne chiamato alle armi nella marina militare degli Stati Uniti nel 1943. Con sede in California, fece servizio come tecnico all'ospedale psichiatrico fino al suo congedo nel 1945.

Rauschenberg studiò all'istituto d'arte della città del Kansas e all'Académie Julian a Parigi, in Francia, dove incontrò la pittrice Susan Weil. Nel 1948 Rauschenberg e Weil decisero di frequentare il Black Mountain College nel North Carolina.

Josef Albers, un fondatore della Bauhaus, diventò l'istruttore di pittura di Rauschenberg al Black Mountain. I corsi preliminari di Albers fanno affidamento su rigide discipline che non permettevano nessuna “sperimentazione non influenzata”.

Dal 1949 al 1952 Rauschenberg studiò con Vaclav Vytlacil e Morris Kantor all'Art Students League di New York, dove incontrò i colleghi artisti Knox Martin e Cy Twombly.

Rauschenberg sposò Susan Weil nel 1950. Il loro unico figlio, Christopher, nacque il 16 luglio 1951. Divorziarono nel 1953. Secondo una storia orale del 1987 del compositore Morton Feldman, dopo la fine del suo matrimonio, Rauschenberg ebbe una relazione romantica con i colleghi artisti Cy Twombly e Jasper Johns. Un articolo di Jonathan D. Katz afferma che la relazione di Rauschenberg con Twombly cominciò durante il suo matrimonio con Susan Weil.

Rauschenberg morì il 12 maggio 2008, sulla Captiva Island, in Florida. Morì di arresto cardiaco dopo una decisione personale di staccare il respiratore. Rauschenberg è sopravvissuto al suo partner di 25 anni, l'artista Darryl Pottorf, il suo assistente performe. Rauschenberg è anche sopravvissuto a suo figlio, il fotografo Christopher Rauschenberg, e sua sorella, Janet Begneaud.

Contributo artistico[modifica | modifica wikitesto]

L'approccio di Rauschenberg qualche volta veniva chiamato “Neo Dadaista”, un'etichetta che condivise con il pittore Jasper Johns.[1] Rauschenberg veniva citato quando diceva che voleva lavorare “nel vuoto tra arte e vita”, suggerendo che contestava la distinzione tra oggetti d'arte e oggetti quotidiani, rievocativo delle questioni innalzate dalla Fontana, dal pioniere Dada Marcel Duchamp. Allo stesso tempo, i dipinti di Johns di numeri, bandiere e piacere stavano riprendendo il messaggio di Duchamp del ruolo di osservatore nel creare il significato dell'arte.

Alternativamente, nel 1961, Rauschenberg fece un passo in ciò che poteva essere considerata la direzione opposta dal sostenere il ruolo di creatore nel creare il significato dell'arte. Rauschenberg fu invitato a partecipare a una mostra alla galleria Iris Clert, dove alcuni artisti erano chiamati a creare e mostrare un ritratto del proprietario, Iris Clert. La presentazione di Rauschenberg consisteva in un telegramma inviato alla galleria dichiarando “Questo è il ritratto di Iris Clert se io dico così”.

Dall'autunno del 1952 alla primavera del 1953 Rauschenberg viaggiò attraverso l'Europa e il Nord Africa con il suo collega artista e compagno Cy Twombly. In Marocco, creò collage e cassette fuori dal trash. Li riportò in Italia e li esibì nelle gallerie a Roma e Firenze. Molti vennero venduti; quelli non venduti li gettò nel fiume Arno.[2] Dal suo soggiorno, 38 collage sopravvissero.[3] In un famoso citato incidente del 1953, Rauschenberg eliminò un disegno di de Kooning, che ottenne dal suo collage per l'espresso obiettivo di eliminarlo come una dichiarazione artistica. Il risultato è intitolato “Erased de Kooning Drawing”.[4][5]

Dal 1962, i dipinti di Rauschenberg stavano iniziando a incorporare non solo oggetti trovati ma anche immagini trovate – fotografie trasferite sulla tela tramite il processo di serigrafia. Precedentemente usata solo in applicazioni commerciali, la serigrafia permetteva a Rauschenberg di indirizzare la multipla riproducibilità di immagini, e il conseguente appiattimento di esperienza che implica. In questo rispetto, il suo lavoro è contemporaneo con quello di Andy Warhol, e sia Rauschenberg che Johns sono frequentemente citati come importanti precursori della Pop Art americana.

Nel 1966, Billy Kluever e Rauschenberg lanciarono ufficialmente “Esperimenti in Arte e Tecnologia”(E.A.T.), un'organizzazione non-profit stabilita per promuovere collaborazioni fra artisti e ingegneri.[6]

Nel 1969, la NASA invitò Rauschenberg ad assistere al lancio di Apollo 11. In risposta a questo evento storico, Rauschenberg creò il suo “Stoned Moon Series” di litografie. Questo includeva la combinazione di diagrammi a altre immagini dagli archivi della NASA con fotografie da vari organi di stampa, così come il proprio lavoro.[7][8]

A partire dal 2003 lavorò dalla sua casa e studio a Captiva, Florida. Il suo primo progetto sull'isola Captiva era una serigrafia lunga 16,5 metri chiamata “Current” (1970), fatta con giornali dai primi due mesi dell'anno, seguita da “Cardboards” (1970-71) e “Early Egyptians” (1973-74), l'ultimo del quale è una serie di rilievi di muro e sculture costruite da scatole usate. Stampò anche su tessuti usando la sua tecnica solvent – transfer per fare l”Hoarfrosts” (1974-76) e “Spreads” (1975-82), e nel “Jammers” (1975-76), creò una serie di pareti di seta colorata e varietà di pavimento di metalli riflettenti, come acciaio e alluminio. In aggiunta, per tutti gli anni '90, Rauschenberg continuò a utilizzare nuovi materiali mentre stava ancora lavorando con più tecniche rudimentali, come il fresco umido, come nella serie “Arcadian Retreat” (1996), e il trasferimento di immagini per mano, come negli “Anagrams” (1995-2000). Come parte del suo impegno con le ultime innovazioni tecnologiche, cominciò a fare stampe digitali Iris e usare tinte vegetali biodegradabili nei suoi processi di trasferimento, sottolineando il suo impegno per la cura dell'ambiente.[9]

White paintings, Black paintings, Red paintings[modifica | modifica wikitesto]

Nel 1951 Rauschenberg creò i suoi “White paintings”, nella tradizione del dipinto monocromatico, il quale scopo era ridurre il dipinto alla sua natura più essenziale, e conseguentemente indurlo alla possibilità di pura esperienza.[10] I “White paintings” erano esposti alla Stable Gallery di Eleanor Ward a New York durante l'ottobre 1953. Appaiono prima per essere essenzialmente neri, tela bianca. Comunque, un commentatore disse che “...piuttosto che pensare a loro come riduzioni distruttive, può essere più produttivo vederle come fece John Cage, come schermi ipersensibili – ciò che Cage suggestivamente descriveva come “aeroporti delle luci, ombre e particolari”. Di fronte a loro, le più piccole modifiche nella luce e atmosfera possono essere registrate sulla loro superficie.[11] Lo stesso Rauschenberg disse che erano affetti dalle condizioni ambientali, “così puoi almeno dire quante persone ci sono nella stanza”. I “Black Paintings” del 1951 come i White Paintings erano eseguiti su pannelli multipli e erano opere di un singolo colore. Qui Rauschenberg incorporò parti di giornale nel dipinto lavorando il foglio nella pittura così che qualche volta il giornale potesse essere visto e in altri posti non potesse esserlo. Dal 1953-1954 Rauschenberg si è mosso dai dipinti monocromatici delle serie di White Painting e Black Painting, alle serie di Red Painting. Questi dipinti erano creati con diversi tipi di applicazioni di pittura rossa, e con l'aggiunta di materiali come legno, unghie, carta di giornale e altri materiali alle tele creavano superfici del dipinto complesse, e erano precursori delle famose serie “Combines” di Rauschenberg.[10]

Combines[modifica | modifica wikitesto]

Rauschenberg raccoglieva il trash e trovava oggetti che lo interessavano sulle strade di New York City e le portava al suo studio dove potevano diventare parte integrante del suo lavoro. Reclamò che lui “voleva qualcos' altro di ciò che poteva fare da solo e voleva utilizzare la sorpresa e la collettività e la generosità di trovare sorprese. E se non era una sorpresa all'inizio, per il momento in cui l'avrei raggiunta, lo sarebbe stata. Così l'oggetto in sé era cambiato dal suo contesto e quindi diventava una cosa nuova.” [5]

Il commento di Rauschenberg riguardante il vuoto fra arte e vita può essere visto come un'affermazione che fornisce il punto di partenza per una comprensione dei suoi contributi come artista. In particolare la sua serie di opere che chiamava Combines servivano come esempi nei quali i confini delineati fra arte e scultura venivano rotti così che entrambi fossero presenti in una singola opera d'arte. Tecnicamente “Combines” si riferisce al lavoro di Rauschenberg dal 1954 al 1962, ma l'artista aveva cominciato a fare collage di carta di giornale e materiali fotografici nel suo lavoro e l'impeto di combinare sia i materiali da pittura che gli oggetti di tutti i giorni come l'abbigliamento, rottami urbani e gli animali tassidermici come in “Monogram” [12] continuò per tutta la sua vita artistica.

Le sue parti transitorie che condussero alla creazione di Combines furono “Charlene” (1954) e “Collection” (1954) dove combinò tecniche di collage e cominciò a incorporare oggetti come sciarpe, nastri comici e parti di fasulli cornicioni architettonici. Considerato uno dei primi dei Combines, “Bed” (1955) fu creato sgocciolando la pittura rossa attraverso un piumino. Il piumino più tardi veniva disteso e mostrato come un'opera d'arte. Alcuni critici secondo “The Daily Telegraph” consideravano l'opera come un simbolo per la violenza e lo stupro.[13]

I critici originariamente vedevano le Combines in termini di aspetti formali dell'arte, forma, colore, struttura e la composizione e disposizione di questi. Questa visione degli anni '60 è cambiata nel tempo così che più recentemente i critici e gli storici d'arte vedono le Combines come portatrici di messaggi codificati difficili da decifrare perché non c'è un ordine apparente alla presentazione degli oggetti. “Canyon” (1959) presenta un'aquila pelata farcita che disegnava l'ira del governo a causa del “Bald and Golden Eagle Protection Act” del 1940, ma la capra di Angora farcita con la pittura sul muso nel suo “Monogram” (1955-1959) era senza controversia.[14]

Spettacolo e danza[modifica | modifica wikitesto]

Dai primi anni '50 al 2007 Rauschenberg disegnò per la danza. Cominciò a disegnare serie di costumi per Merce Cunningham, Paul Taylor, e Trisha Brown e per le proprie produzioni. Negli anni '60 era coinvolto nei radicali esperimenti di danza teatrale alla Judson Memorial Church al Greenwich Village ed era vicino agli esperimentalisti connessi a Cunningham come Carolyn Brown, Viola Farber, e Steve Paxton; ha addirittura coreografato se stesso. La connessione a tempo pieno di Rauschenberg alla compagnia di Cunningham finì con il suo tour mondiale nel 1964.[15] Nel 1977 Rauschenberg, Cunningham e Cage si ricongiunsero come collaboratori per la prima volta in 13 anni, quando la Merce Cunningham Dance Company, New York, inscenò Travelogue (1977), per la quale Rauschenberg contribuì con i costumi e i disegni del set.[9]

Commissioni[modifica | modifica wikitesto]

Nel 1965, quando la rivista Life gli commissionò di visualizzare un Inferno moderno, non esitò a sfogare la sua rabbia verso la guerra del Vietnam e una un'intera gamma di orrori, includendo la violenza razziale, neo-nazismo, assassini politici e disastri ecologici. Il 30 dicembre 1979 il Miami Herald stampò 650,000 Rauschenberg come copertina della sua rivista della domenica, Tropic. In sostanza una litografia originale, mostrava immagini della Florida del sud. L' artista segnò 150 di questi.

Nel 1983, vince un Grammy Award per il suo design dell'album dei Talking Heads' “Speaking in Tongues”.[16] Nel 1986 venne commissionato a Rauschenberg dalla BMW di dipingere un pieno calibro BMW 635 Csi per il sesto installamento del famoso BMW Art Car Project. Il contributo di Rauschenberg era prima includere le ruote nel progetto, così come incorporare opere d'arte precedenti nel design. Nel 1998, il Vaticano commissionò (e più tardi rifiutò) [9] un'opera di Rauschenberg basata sull'Apocalisse per commemorare Pio di Pietrelcina, il discusso prete Francescano che morì nel 1968 e che è venerato per aver avuto la stigma e l'aura santa, alla chiesa del pellegrinaggio Padre Pio di Renzo Piano a Foggia, in Italia.[17]

Mostre[modifica | modifica wikitesto]

Nel 1951 Rauschenberg ebbe la sua prima mostra solitaria alla galleria Betty Parsons [18] e nel 1954 ebbe una seconda mostra solitaria alla galleria Charles Egan. Nel 1955, alla galleria Charles Egan,[19] Rauschenberg mostrò “Bed” (1955), una delle sue prime e certamente più famose Combines.[20]

Rauschenberg ebbe la sua prima retrospettiva di carriera, organizzata dal Jewish Museum, a New York, nel 1963, e nel 1964 fu il primo artista americano a vincere il Gran Premio alla Biennale di Venezia (Mark Tobey e James Whistler avevano precedentemente vinto il Painting Prize). Dopo quella volta, godette di un raro grado di supporto istituzionale. Una retrospettiva organizzata dalla Collezione Nazionale delle Belle Arti (ora il Smithsonian American Art Museum), a Washington D.C., viaggiò per tutti gli Stati Uniti nel 1976 e 1978.[9] Una retrospettiva al Solomon R. Guggenheim Museum, New York (1977), viaggiò a Houston, Cologne, e Bilbao (nel 1999). Recenti mostre vennero presentate al Metropolitan Museum of Art, a New York (2005; viaggiò al Museo di Arte Contemporanea, a Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Parigi, e Moderna Museet, Stoccolma, nel 2007); alla Collezione Peggy Guggenheim, Venezia (2009; viaggiò al Tinguely Museum, Basel, Guggenheim Museum Bilbao, e Villa e Collezione Panza, Varese, nel 20109; e Botanical Vaudeville alla Inverleith House, al Royal Botanic Garden di Edimburgo (2011).[21]

Una mostra memoriale delle fotografie di Rauschenberg aprì il 22 ottobre 2008, (in occasione di quello che sarebbe stato il suo 83esimo compleanno) al Guggenheim Museum.[22]

Ulteriori mostre includono: 5 decenni di incisione, Leslie Sacks Contemporary (2012); Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londra (2013); Robert Rauschenberg: Hoarfrost Editions, Gemini G.E.L. at Joni Moisant Weyl (2104); Robert Rauschenberg: The Fulton Street Studio, 1953–54, Craig F. Starr Associates (2014); Collecting and Connecting, Nasher Museum of Art alla Duke University (2014); A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (2014); Robert Rauschenberg: Works on Metal, Gagosian Gallery, Beverly Hills (2014).; Robert Rauschenberg, de Sarthe Gallery, Hong Kong (2016) [23] Robert Rauschenberg, de Sarthe Gallery, Hong Kong (2016)

Il 4 giugno 2004 la Galleria delle Belle Arti al Florida Southwestern State College venne rinominata la Bob Rauschenberg Gallery, celebrando un'amicizia di lunga durata con l'artista. La galleria ha ospitato molte mostre di Rauschenberg dal 1980.[24] The gallery has been host to many of Rauschenberg's exhibitions since 1980.[25]

Eredità[modifica | modifica wikitesto]

Già nel 1984, Rauschenberg annunciò il suo Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) con le Nazioni Unite. Questo sarebbe culminato in un tour di sette anni in dieci paesi per incoraggiare “la pace e la comprensione nel mondo”, attraverso Messico, Cile, Venezuela, Pechino, Tibet, Giappone, Cuba, Unione Sovietica, Berlino e Malesia, nelle quali lasciò un pezzo di arte e fu influenzato dalle culture che visitava. I dipinti, spesso su superfici riflettenti, così come i disegni, fotografie, assemblaggi e altri multimedia venivano prodotti ispirati da questi ambienti e queste erano considerate alcune delle sue opere più forti. L'avventura ROCI, supportata dalla Galleria d'Arte Nazionale di Washington D.C., venne in mostra nel 1991.

Nel 1990, Rauschenberg creò la Fondazione Robert Rauschenberg (RRF) per promuovere la conoscenza delle cause di cui si curava, come la pace nel mondo, l'ambiente e le questioni umanitarie. Egli istituì anche Change, Inc., per conferire donazioni di più di 1,000 $ ad artisti visibili basati sul bisogno finanziario. La volontà di Rauschenberg, archiviata nel Probate Court il 9 ottobre 2008, nominò la sua fondazione di beneficenza come il maggiore beneficiario, insieme a Darryl Pottorf, Christopher Rauschenberg, Begneaud, suo nipote Byron Richard Begneaud, e Susan Weil Kirschenbaum. Gli importi da dare ai beneficiari non erano nominati, ma l'eredità “vale milioni”, disse Pottorf, che è anche esecutore dell'eredità.[26]

La RRF oggi possiede molte opere di Rauschenberg di ogni periodo della sua carriera. Nel 2011, la fondazione, in collaborazione con la Galleria Gagosian, presentò “La collezione privata di Robert Rauschenberg”, selezioni dalla collezione d'arte personale di Rauschenberg.[27] Anche nel 2011, la fondazione lanciò il suo progetto stampa “Artista come attivista” e invitò Shepard Fairey a focalizzarsi su una questione della sua scelta. L'opera pubblicata era in vendita per aumentare i fondi per la Coalizione per i Senzatetto.[28] La residenza artisti RRF si tiene nell'ultima proprietà dell'artista a Captiva Island, in Florida. La fondazione mantiene anche la 19esima Street Project Space a New York.

Nel 2000 Rauschenberg fu onorato con il premio di eccellenza per i contributi artistici dell'amfAR alla lotta contro l'AIDS.[29]

Mercato dell'arte[modifica | modifica wikitesto]

Robert Rauschenberg ebbe la sua prima mostra solitaria nel 1951, alla galleria Betty Parsons a New York.[30] Più tardi, solo dopo molto incoraggiamento da sua moglie, Ileana Sonnabend, fece finalmente organizzare a Leo Castelli una mostra solitaria per Rauschenberg nei tardi anni '50.[31] L'eredità di Rauschenberg fu prima maneggiata a lungo dalla Pace Gallery, e nel maggio 2010,[32] si spostò alla Gagosian Gallery, una concessione che aveva precedentemente esibito l'opera dell'artista nel 1986. Nel 2010 lo Studio Painting (1960-61), una delle “Combines” di Rauschenberg, originariamente stimata da 6 a 9 milioni di dollari, fu portata dalla collezione di Michael Crichton per 11 milioni di dollari alla Christie's, a New York.[33]

Lobbismo per i diritti di rivendita degli artisti[modifica | modifica wikitesto]

Nei primi anni '70, Rauschenberg tentò di influenzare senza successo il Congresso U.S. per passare un conto che avrebbe compensato gli artisti quando il loro lavoro veniva rivenduto. L' artista più tardi supportò un conto di stato in California che fece diventare legge, il California Resale Royalty Act del 1976.[34] Rauschenberg si occupò della sua lotta per i diritti di rivendita degli artisti dopo che il barone dei taxi vendette parte della sua collezione d'arte ad un'asta del 1973, includendo il dipinto di Rauschenberg del 1958 “Thaw” che aveva originariamente venduto a Scull per 900 $ ma portò a 85,000 $ ad un'asta al Sotheby Parke Bernet a New York.[35]

Note[modifica | modifica wikitesto]

  1. ^ Roberta Smith, Art in Review, New York Times, 10 febbraio 1995. URL consultato il 20 marzo 2009.
  2. ^ John Richardson (September 1997), Rauschenberg’s Epic Vision Vanity Fair.
  3. ^ Holland Cotter (June 28, 2012), Robert Rauschenberg: ‘North African Collages and Scatole Personali, c. 1952’ New York Times.
  4. ^ Explore Modern Art | Multimedia | Interactive Features | Robert Rauschenberg's Erased de Kooning Drawing, SFMOMA. URL consultato il 20 marzo 2011.
  5. ^ a b Robert Rauschenberg Dead at 82, Blouinartinfo
  6. ^ Kristine Stiles & Peter Selz, Theories and Documents of Contemporary Art: A Sourcebook of Artists' Writings (Second Edition, Revised and Expanded by Kristine Stiles) University of California Press 2012, p. 453
  7. ^ Birmingham Museum of Art, Birmingham Museum of Art : guide to the collection, [Birmingham, Ala], Birmingham Museum of Art, 2010, pp. 235, ISBN 978-1-904832-77-5.
  8. ^ Signs of the Times: Robert Rauschenberg’s America, Madison Museum of Contemporary Art. URL consultato il 27 gennaio 2012.
  9. ^ a b c d Robert Rauschenberg Guggenheim Collection.
  10. ^ a b Pop art - Rauschenberg - Untitled (Red Painting), Guggenheim Collection. URL consultato il 20 marzo 2011.
  11. ^ John Cage, Silence, Middletown, CT, Wesleyan University Press, 1961, pp. 102.
  12. ^ Robert Rauschenberg - Monogram, Lukechueh.com. URL consultato il 20 marzo 2011.
  13. ^ The Daily Telegraph
  14. ^ The New York Times, MArt’s Sale Value? Zero. The Tax Bill? $29 Million, A Catch-22 of Art and Taxes, Starring a Stuffed Eagle by Cohen, Patricia, July 22, 2012.
  15. ^ Alastair Macaulay (May 14, 2008), Rauschenberg and Dance, Partners for Life New York Times
  16. ^ Richard Lacayo (May 15, 2008), Robert Rauschenberg: The Wild and Crazy Guy Time.
  17. ^ John Richardson (September 1997), Rauschenberg’s Epic Vision Vanity Fair.
  18. ^ The New York Times, May 14, 1951,
  19. ^ Stuart Preston, New York Times, December 19, 1954
  20. ^ Willem de Kooning, Gallery - The Charles Egan Gallery, The Art Story. URL consultato il 20 marzo 2011.
  21. ^ Robert Rauschenberg Gagosian Gallery.
  22. ^ Art Daily, Guggenheim Museum Honors Late Artist Robert Rauschenberg With Photographic Tribute, retrieved December 16, 2008
  23. ^ mutualart
  24. ^ http://www.rauschenberggallery.com/gallery-information/
  25. ^ http://www.rauschenberggallery.com/rauschenberg-at-edison/
  26. ^ Rauschenberg will names charitable causes, family
  27. ^ The Private Collection of Robert Rauschenberg, November 3 - December 23, 2011 Gagosian Gallery.
  28. ^ Cristina Ruiz (28 March 2012), Rauschenberg’s foundation could outspend Warhol’s The Art Newspaper.
  29. ^ Award of Excellence for Artistic Contributions to the Fight Against AIDS amfAR, The Foundation for AIDS Research.
  30. ^ Michael McNay (13 May 2008), Obituary: Robert Rauschenberg The Guardian
  31. ^ Andrew Russeth (June 7, 2010), Ten Juicy Tales from the New Leo Castelli Biography, Blouartinfo
  32. ^ Carol Vogel (September 29, 2010), Pace Gallery to Represent de Kooning Estate New York Times
  33. ^ Carol Vogel (May 12, 2010), At Christie's, a $28.6 Million Bid Sets a Record for Johns New York Times.
  34. ^ Jori Finkel (February 6, 2014), Jori Finkel: Lessons of California’s droit de suite debacle The Art Newspaper.
  35. ^ Patricia Cohen (November 1, 2011), Artists File Lawsuits, Seeking Royalties New York Times.

Voci correlate[modifica | modifica wikitesto]

Altri progetti[modifica | modifica wikitesto]

Collegamenti esterni[modifica | modifica wikitesto]

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