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Sant'Andrea
Autore	Jusepe de Ribera
Data	1631 circa
Tecnica	olio su tela
Dimensioni	123×95 cm
Ubicazione	Museo del Prado, Madrid

Sant'Andrea è un dipinto a olio su tela di Jusepe de Ribera realizzato circa nel 1631 e conservato nel Museo del Prado di Madrid in Spagna.

Storia

Provenienza

Il dipinto proviene dalla collezione reale della Casita del Príncipe del Monastero dell'Escorial (1700-1837).

Descrizione e stile

Raffigura l'apostolo Andrea che abbraccia la croce a forma di X del suo martirio. In mano porta un amo con un pesce, a ricordare la sua professione di pescatore. Il volto e il torso nudo del santo sono fortemente illuminati.

È un esempio del tenebrismo dei primi giorni di José de Ribera, con marcati contrasti tra le zone illuminate e quelle buie.

Questo dipinto presenta una figura isolata, Andrea Apostolo. La luce cade da sinistra, violenta. La figura è rappresentata con grande iperrealismo. Per questo tipo di pittura, Ribera copiava modelli dal vero, come gli stessi pescatori di Napoli.

Marià Fortuny i Marsal ha realizzato una copia parziale di quest'opera che si trova anche al Prado dopo essere stata acquisita nel 2014

Bibliografia

• Lafuente Ferrari, E., Historia de la pintura española, Biblioteca básica Salvat, Salvat Editores y Alianza Editorial, 1971.

Collegamenti esterni

• (ES) San Andrés, su museodelprado.es. URL consultato l'11 dicembre 2022.

Madonna che allatta il Bambino (Zurbarán)

Madonna che allatta il Bambino
Madonna del Latte
Autore	Francisco de Zurbarán
Data	1658
Tecnica	olio su tavola
Dimensioni	101×78 cm
Ubicazione	Museo Puškin delle belle arti, Mosca

La Madonna che allatta il Bambino o semplicemente Madonna del Latte è un dipinto a olio su tela di Francisco de Zurbarán realizzato nel 1658 e conservato nel Museo Puškin delle belle arti di Mosca in Russia.

Madonna Durán

Madonna Durán
Vergine Maria in rosso, Madonna col Bambino all'interno della nicchia, o Madonna in trono
Autore	Rogier van der Weyden
Data	1435-1438
Tecnica	olio su tavola
Dimensioni	100×52 cm
Ubicazione	Museo del Prado, Madrid

Madonna Durán (conosciuta anche come Vergine Maria in rosso, Madonna col Bambino all'interno della nicchia, o Madonna in trono) è un dipinto del del pittore fiamingo Rogier van der Weyden realizzato circa nel 1435-1438 e conservato nel Museo del Prado di Madrid in Spagna.

Storia

Il dipinto deriva dalla Madonna di Ince Hall di Jan van Eyck e fu molto imitato in seguito. Ora al Prado raffigura una Madonna col Bambino seduta e serena vestito con una lunga e fluente veste rossa foderata di filo color oro. Culla il Bambino Gesù che le siede in grembo, sfogliando giocosamente all'indietro un libro sacro o un manoscritto su cui si posano gli sguardi di entrambe le figure. Ma a differenza del precedente trattamento di van Eyck, van der Weyden non solo posiziona la sua Vergine col Bambino in un'abside o nicchia gotica come aveva le sue due prime madonne (la Dittico con la Madonna col Bambino e santa Caterina e Madonna col Bambino in una nicchia ma le colloca anche su un piedistallo sporgente, sottolineando così ulteriormente la loro impressione scultorea.

Cristo appare molto più antico che nella maggior parte dei dipinti contemporanei di questo tipo. È tutt'altro che un bambino ed è reso molto realistico e fisicamente. Viene mostrato come un bambino piccolo, senza la morbidezza delle solite raffigurazioni quattrocentesche della Madonna col Bambino. Il dipinto è caratterizzato dall'aspetto scultoreo che van der Weyden spesso prediligeva e per la sua somiglianza nella colorazione con la sua Deposizione e Trittico di Miraflores.

Il dipinto fu acquistato nel 1899 dal palazzo dell'Infante Don Luis di Boadilla del Monte da Pedro Fernández Durán, da cui adottò il nome con cui è conosciuto. Nel 1930 fu lasciato in eredità da questo collezionista al Museo del Prado, dove è conservato oggi.

Descrizione

Maria è raffigurata con una lunga veste rossa con cappuccio e copricapo bianco, con il Bambino Gesù in una camicia bianca seduto in grembo. Sfoglia incuriosito e accartoccia le pagine di un libro appollaiato sulle ginocchia di sua madre. Il libro è posto proprio al centro del pannello, a simboleggiare la centralità della Parola divina nella fede cristiana. Secondo il Prado, il libro stesso rappresenta un'allusione alle "Sacre Scritture che annunciano la missione redentrice di Cristo". Un angelo in abito grigio scuro si libra sopra la testa di Maria, tenendo una corona tempestata di perle destinata a lei al momento della sua assunzione a Maria Regina. La lunga veste di Maria volteggia nello spazio pittorico, oscurando il suo trono e cadendo infine al sostegno dei suoi piedi. Sono incorniciati da una nicchia o un'abside scolpita con trafori gotici simili a quelli trovati nella Deposizione di van der Weyden. Gli archi curvi della nicchia riecheggiano le linee della sua figura mentre si piega protettivamente sul bambino. Queste linee curve e i colori caldi conferiscono all'opera il suo senso di armonia interna.

Particolare raffigurante il Bambino irrequieto che sfoglia le pergamene del libro sacro

L'analisi storico-artistica tra l'inizio e la metà del XX secolo ha posto poca enfasi sull'età avanzata di Cristo per un'opera "Vergine con bambino" di questo periodo. Né sottolineava il significato del manoscritto o il modo rude in cui Cristo sembra sfogliarlo energicamente. Più recentemente, storici dell'arte come Alfred Acres hanno messo in dubbio il significato della libertà di movimento e della rappresentazione naturalistica del bambino in un'opera così deliberatamente elegante e equilibrata, specialmente nel lavoro di un pittore così consapevole di sé e compositivo come van der Weyden. Acres ritiene che il libro sia centrale per la comprensione del dipinto e ne rileva la perfetta centralità nel pannello; è il fulcro degli sguardi e delle mani di entrambe le figure, e Cristo apparentemente sta sfogliando all'indietro attraverso le pagine, verso l'inizio. Mentre la mano destra di Cristo tiene un certo numero di pergamene accartocciate insieme e non vi presta attenzione, la sua mano sinistra più attenta sta per aprire l'angolo inferiore sinistro della pagina aperta. Se si presume ragionevolmente che il libro tenuto aperto in grembo a Mary sia rivolto verso di lei, sembra che il bambino stia sfogliando le pagine all'indietro. Sebbene i libri sacri fossero spesso inclusi nelle raffigurazioni settentrionali della Vergine del XV secolo, erano solitamente associati all'idea della Vergine come rappresentazione di apprendimento o saggezza; in nessun'altra pittura contemporanea sono travolti con tale energia inquieta, per non parlare di essere travolti da un capo all'altro Acri suggerisce che il Bambino Cristo stia tornando indietro verso Genesi: 3 che descrive la caduta dell'uomo, citando altre tre opere in cui van der Weyden articola in modo simile il tema della redenzione, tra cui la tavola della Madonna in piedi nel Kunsthistorisches Museum dove la Madonna è affiancata dalle figure di Adamo ed Eva.

Particolare che mostra l'angelo alato scuro in bilico sotto la nicchia che regge la corona sopra la testa di Maria

La storico d'arte Lorne Campbell ritiene che il dipinto sia stato influenzato dalla Madonna col Bambino di Francoforte di Robert Campin sia per l'ideale di bellezza femminile che presenta sia per il suo uso elegante di lunghi drappeggi piegati. Campbell osserva che entrambe le opere sono composte da forti linee diagonali, con le figure principali spinte al centro in primo piano, in modo quasi trompe-l'œil. La Madonna Durán è spesso paragonata al Trittico di Miraflores di van der Weyden, sia per la colorazione dell'abito di Maria, sia per un aspetto scultoreo simile ai rilievi mostrati nel trittico precedente. Inoltre, il disegno della testa di Maria è sorprendentemente simile a quello della Madonna gentile e idealizzata nel suo Dittico Froimont (dopo il 1460), ora al Musée des Beaux-Arts. A causa di queste forti somiglianze, l'attribuzione a van der Weyden non è messa in dubbio, anche se è noto che l'opera è stata spesso copiata in Spagna dopo essere stata trasferita lì nel XVI secolo.

La sovraverniciatura nera dietro la Vergine è stata probabilmente aggiunta su richiesta di un venditore successivo del XVIII secolo, molto probabilmente nel tentativo di modellare il pezzo come un'opera di genere e minimizzare il suo tema religioso. La ricerca aiutata dai raggi X è stata inconcludente e non ha trovato dettagli o disegni perduti sotto gli spessi strati di vernice.

Dispositivi illusori

Van der Weyden raffigurava spesso figure realistiche e voluminose ambientate in spazi scultorei poco profondi, in cui sembravano anguste e più grandi della scala. Lo spazio occupato dalle figure è indefinito e localizzato in modo ambiguo. Maria e il bambino sono sorretti da una mensola sporgente , la cui tridimensionalità dà l'impressione disorientante che le figure facciano parte di un rilievo in un'opera d'arte molto più ampia. Ciò conferisce all'opera una prospettiva vertiginosa e dislocata; il suo senso unico dello spazio e della collocazione.

Il dipinto è un primo esempio dell'abitudine di van der Weyden di rendere le sue figure con l'aspetto di sculture policrome, un effetto qui accentuato dallo sfondo neutro. La tendenza di Van der Weyden a offuscare il confine tra scultura e pittura in modo illusionistico può essere vista in modo più efficace nella sua Deposizione. Lo storico dell'arte Robert Nosow nota l'aspetto architettonico della cornice gotica e il modo in cui le linee della Vergine e del bambino le fanno sembrare come se le statue prendessero vita. La storica dell'arte Shirley Neilsen Blum scrive che i falsi elementi scultorei "costringono lo spettatore a confrontarsi continuamente con la presenza apparentemente reale di due media, scultura e pittura. Rogier sfida la logica e quindi migliora la qualità magica dell'immagine. Divinità è sottolineato perché ha trasceso la definizione dei media".

Bibliografia

• Acres, Alfred. "Rogier van der Weyden's Painted Texts". Artibus et Historiae, Volume 21, No. 41, 2000. 75–109
• Blum, Shirley Neilsen. "Symbolic Invention in the Art of Rogier van der Weyden". Journal of Art History, Volume 46, Issue 1–4, 1977
• Campbell, Lorne and Van der Stock, Jan. (ed.) Rogier van der Weyden: 1400–1464. Master of Passions. Leuven: Davidsfonds, 2009. ISBN 978-90-8526-105-6
• Lorne Campbell. Van der Weyden. London: Chaucer Press, 2004. ISBN 1-904449-24-7
• Hand, John Oliver; Metzger, Catherine; Spronk, Ron. Prayers and Portraits: Unfolding the Netherlandish Diptych. Yale University Press, 2006. ISBN 0-300-12155-5
• Koch, Robert A. "Copies of Rogier van der Weyden's Madonna in Red". Record of the Art Museum, Princeton University, volume 26, issue 2, 1967. 46–58
• Nosow, Robert. Ritual Meanings in the Fifteenth-Century Motet. Cambridge University Press, 2012. ISBN 0-521-19347-8
• Panofsky, Irwin. Early Netherlandish Painting: v. 1. Westview Press, 1971 (new edition). ISBN 978-0-06-430002-5

Collegamenti esterni

• (ES) La Virgen con el Niño, llamada la Madonna Durán, su museodelprado.es. URL consultato l'8 febbraio 2022.
• (ES) Madonna Durán, su kokita-eri-historiadelarte.blogspot.com. URL consultato l'8 febbraio 2022.

Il dipinto proviene dal presbiterio dalla chiesa di Santa Maria di Tobed, a navata unica e abside rettilinea con tre cappelle, per la quale la bottega di Serra realizzò due pale d'altare. Di quella centrale, dedicata alla testa del tempio, è sopravvissuta solo questa tavola. I lati erano dedicati alla Maddalena e a san Giovanni Battista. Della prima rimane solo la traversa con la panca corrispondente, anch'essa di proprietà del Prado dal 1965. Del San Giovanni Battista, il Prado ha da quello stesso anno una traversa con la panca (le tre sono le uniche opere del pittore che ha la pinacoteca), un altro lato, incompleto, è distribuito tra il Museo Diocesano di Barcellona e una collezione privata, mentre il pannello centrale è nel Museo Maricel di Sitges.

Carmen Lacarra attribuì le tre pale d'altare al pittore Jaume Serra, che era allora all'inizio della sua carriera, mentre la bottega di famiglia era ancora diretta dal fratello Francesc, attribuzione che è stata tradizionalmente accettata, anche se nel 1986 José Gudiol e Santiago Alcolea Blanch ha sollevato al suo posto la paternità di Ramón Destorrents.

Descrizione

Il dipinto mostra la Madonna del Latte o Madonna che allatta con Gesù Bambino. Appare anche il donatore, che dà anche importanza storica all'opera in quanto si tratta di Enrico di Trastámara, figlio illegittimo del re Alfonso XI di Castiglia, futuro Enrico II di Castiglia e primo re di quella dinastia, che il pittore rappresentò insieme alla moglie, Giovanna Manuele, il loro figlio, il futuro Giovanni I di Castiglia e una figlia.

Enrico e sua moglie commissionarono i tre pannelli alla bottega di Serra durante il loro soggiorno in Aragona. Enrico di Trastámara, come suo figlio, è ritratto come re di Castiglia, anche se al momento dell'opera non lo era ancora (la sua proclamazione era nel 1366 ed effettivamente lo era solo nel 1369, dopo aver ucciso accoltellando il fratellastro Pietro I di Castiglia.

Con la sua inclusione nel Prado, diventa il più antico ritratto reale nella collezione del museo.

Bibliografia

• Silva Maroto, Pilar (2013). Donación Várez Fisa. Madrid: Museo Nacional del Prado. pp. 16-19. ISBN 978-84-8480-2808.

Collegamenti esterni

• (ES) Virgen de Tobed con los donantes Enrique II de Castilla, su mujer, Juana Manuel, y dos de sus hijos, Juan y Juana?, su museodelprado.es. URL consultato il 18 gennaio 2022.

Descrizione

Gesù Bambino è posizionato nella parte centrale del dipinto, a destra di lui c'è un angelo alato che regge una canestra di pani di cui il bambino distribuisce ai pellegrini, uno dei quali si presume sia il canonico Justino de Neve. Maria dietro al Bambino si presenta seduta e osservare il figlio. In alto si nota la presenza sopra Maria di volti di puti.

Notevole è la luce domina il volto e parte dei personaggi raffigurati.

Collegamenti esterni

• (EN) The Infant Jesus Distributing Bread to Pilgrims, su wga.hu. URL consultato il 14 gennaio 2022.
• (HU) A kis Jézus kenyeret oszt a zarándokoknak, su szepmuveszeti.hu. URL consultato il 14 gennaio 2022.

San Girolamo penitente (Maestro di La Seu d'Urgell)

San Girolamo penitente
Autore	Maestro di La Seu d'Urgell
Data	1495 circa
Tecnica	olio su tavola con rilievi a pastiglia dorati
Dimensioni	225,5×131,5 cm
Ubicazione	Museo nazionale d'arte della Catalogna, Barcellona

'San Girolamo penitente è un dipinto del Maestro di La Seu d'Urgell realizzato circa nel 1495 e conservato nel Museo nazionale d'arte della Catalogna di Barcellona in Spagna. Provengono dalle porte dell'organo della cattedrale Seo de Urgel (Alto Urgel)

Descrizione

Tra tutti i frammenti che costituivano l'insieme decorativo delle porte dell'organo della cattedrale Seo de Urgel, spicca per qualità e originalità la scena della Presentazione di Gesù al Tempio.

Rappresenta un tema popolare nell'iconografia del tempo e serve per evidenziare il ruolo importante che la provvidenza assegna alla Chiesa nella sua missione redentrice. Tutto il programma iconografico, infatti, ruota attorno al tema della Chiesa come comunità di credenti.

Collegamenti esterni

• (ES) Saint Jerome Penitent, su museunacional.cat. URL consultato il 14 gennaio 2022.

Bibliografia

• DDAA. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Florencia: Mnac y SCALA GROUP S.p.A, 2009. ISBN 978-84-8043-198-9.

Storia

La storia del dipinto prima della sua apparizione nel 2004 in una casa d'aste di Madrid è sconosciuta. Attualmente l'opera è in una collezione privata.

Descrizione

Il dipinto raffigura San Bonaventura da Bagnoregio santo francescano detto “Dottore Serafico” per la sua grande fama di teologo. In vita divenne Generale dell'Ordine Francescano, vescovo e cardinale, e dopo la sua morte e canonizzazione fu proclamato Dottore della Chiesa da papa Sisto V nel 1588. Questi molteplici aspetti del santo sono rappresentati nel dipinto contemporaneamente. L'intera composizione dell'opera è dominata dalla figura di San Bonaventura, posta in posizione prominente al centro del dipinto, con il volto illuminato e le braccia semiestese in direzioni opposte, e circondato da angeli che occupano i quattro angoli della tela tracciando un ellisse intorno ad esso. La figura di San Bonaventura potrebbe essere stata ispirata, in parte, da quella di San Isidro nel dipinto distrutto di Juan Carreño de Miranda il Miracolo della fontana, cui aspetto è noto da una stampa di Juan Bernabé Palomino e da due disegni preparatori dell'artista. La somiglianza non si limita alla posizione della figura del santo: simili sono anche la loro frontalità e solennità, il loro sguardo smarrito e ispirato, e la bella colorazione di entrambe le opere, che nel caso della tela di Carreño era dominata dalle nuvole luminose che occupava più della metà della superficie del dipinto. La composizione è equilibrata, anche se commossa e animata dal resto dei personaggi dell'opera.

Vari elementi significativi della sua vita circondan Il cappello cardinalizio è ai suoi piedi, tenuto da un angelo, mentre un altro gli offre, mentre un altro gli offre il pastorale, simbolo della sua dignità di vescovo. Gli altri due angeli in fondo alla tela reggono rispettivamente una sua opera e la croce e una disciplina. Nella consolle di destra si possono vedere la penna e il calamaio per scrivere e vari oggetti legati alle sue opere, oltre alla mitria episcopale, la cuffia e il manipolo.

San Bonaventura, in atteggiamento di pensare per scrivere, con lo sguardo perso per effetto dell'ispirazione che sembra discendere su di lui sotto forma di raggi di luce dorata, si trova su un sontuoso e colorato tappeto, secondo un dispositivo estetico utilizzato anche da altri pittori della scuola di Madrid. Il momento in cui sta scrivendo il suo libro Memorie di san Francesco è stato scelto per rappresentarlo. Si dice che mentre lo stava scrivendo, fu visitato da San Tommaso d'Aquino, che nel dipinto di Pedro Ruiz appare dietro San Bonaventura, entrò in scena e rimase sorpreso alla vista della scrittura di San Bonaventura.

Bibliografia

• (FR) Pierre Coste et al., La Cathédrale Saint-Sauveur d'Aix-en-Provence, Aix-en-Provence, Édisud, 2008 (1re éd. 1982).

Collegamenti esterni

• (FR) Nicolas Froment. Triptyque du Buisson ardent (1475-76), su rivagedeboheme.fr. URL consultato il 1º gennaio 2022.
• (FR) Le Triptyque du Buisson ardent, su cineclubdecaen.com. URL consultato il 1º gennaio 2022.

L'iconografia della Messa di san Gregorio è uno dei temi più visitati nella pittura europea del XV secolo. In realtà si tratta di un episodio della vita di papa Gregorio Magno basato su fonti apocrife, una storia leggendaria apparsa nel XIV secolo, che raccontava la crisi di fede subita dal pontefice mentre celebrava la messa: un dubbio personale sulla presenza di Cristo e della sua transustanziazione nel rito del sacrificio eucaristico. Sorprende, ma in questo caso, l'assenza di riferimenti architettonici, comuni a tutte le immagini dell'epoca, destinati ad inquadrare spazialmente la scena, con il chiaro intento di evocare l'ambientazione solenne della Basilica di Santa Croce in Gerusalemme, spazio sacro dove, secondo la tradizione, avvenne la miracolosa apparizione del Cristo Addolorato a papa Gregorio mentre stava celebrando la messa. Era anche molto comune ritrovare questo tipo di iconografia in ambito funerario, come supporto visivo alla dottrina della redenzione delle anime, salvezza alla quale aspirava l'immagine - vera effigie - del donatore ritratto da Diego de a Cruz.

Il dipinto proviene, forse, dal Monastero reale di Nostra Signora di Fresdelval (Burgos) ed è un deposito della Generalitat de Catalunya (Torello dazione) dall'anno 1994.

Descrizione

L'opera rivela una dipendenza dai modelli e dalle formule compositive di Rogier van der Weyden, con la tendenza ad accentuare l'efficacia drammatica della cosiddetta imago pietatis (o immagine di pietà), alla quale la caratterizzazione contribuisce molto efficacemente, espressione quasi languida. Sul altare si può vedere il Cristo con la corona di spine e le braccia di Cristo che ricordano la sua passione. Nella parte anteriore sono le figure di San Gregorio al centro e di due assistenti, mentre sul lato destro della tavola sono Sant'Andrea e una dama come donatrice.

Bibliografia

• (EN) Andrew M. Beresford, Lesley K. Twomey, Christ, Mary, and the Saints Reading Religious Subjects in Medieval and Renaissance Spain, Brill, 2018.

Collegamenti esterni

• (ES) Misa de san Gregorio, su museunacional.cat. URL consultato il 30 dicembre 2021.
• (ES) Monestirs PuntcatSegui MNAC - Missa de Sant Gregori, su flickr.com. URL consultato il 30 dicembre 2021.

San Michele Arcangelo (Blasco de Grañén)

San Michele Arcangelo
Autore	Blasco de Grañén
Data	1435-1445
Tecnica	olio oro su tavola
Dimensioni	183,7×80,2 cm
Ubicazione	Museo nazionale d'arte della Catalogna, Barcellona

San Michele Arcangelo è un dipinto del pittore aragonese Blasco de Grañén realizzato circa nel 1435-1445 e conservato nel Museo nazionale d'arte della Catalogna di Barcellona in Spagna.

Storia

Il dipinto fu oggetto di una donazione al museo nazionale d'arte della Catalogna da parte di "Doña Pilar Rabal Rabal in memoria del marito Pedro Fontana Almeda. Barcellona, ​​13.10.1976". Non si hanno notizie ulteriori sulla sua provenienza, ma in base alle sue dimensioni il dipinto potrebbe essere il panello centrale di una pala d'altare o trittico.

Descrizione

Nonostante la presenza di elementi valenciani in questa tavola di Blasco de Grañén, la sua pittura riflette anche una certa conoscenza della produzione pittorica dei Lleidans Jaume Ferrer I, Jaume Ferrer II o Pere Teixidor. Raffigura l'Arcangelo Michele in piedi con le sue ali; trafigge con la spada i demoni.

Bibliografia

• VV AA, 2009. Museu Nacional d'Art de Catalunya. Florencia: Mnac i SCALA GROUP S.p.A. ISBN 978-84-8043-198-9.

Collegamenti esterni

• (ES) San Miguel Arcángel, su museunacional.cat. URL consultato il 20 agosto 2021.
• (EN) San Michele Arcangelo (Blasco de Grañén), su arte-paisaje.blogspot.com. URL consultato il 20 agosto 2021.

Calvario
Autore	Jusepe de Ribera
Data	1618 circa
Tecnica	olio su tela
Dimensioni	336×230 cm
Ubicazione	Collegiata di Nostra Signora Assunta, Osuna

Il Calvario è un dipinto del pittore spagnolo Jusepe de Ribera realizzato circa nel 1618 e conservato alla Collegiata di Nostra Signora Assunta di Osuna in Spagna. Fu una delle sue prime opere all'interno della sua produzione pittorica. Appartiene alla scuola spagnola del XVII secolo. Secondo Gabriele Finaldi, direttore della National Gallery, l'opera è il più grande e ambizioso dipinto del pittore dei primi anni del 1610.

Storia

Josepe de Ribera dipinse Il Calvario intorno al 1618, a Napoli, dove era arrivato nel 1616, da Roma. Fu commissionato dall'allora viceré di Napoli (1616-1620) Pedro Téllez-Girón, III duca di Osuna. Prima del 1627, è noto che Catalina Enríquez de Ribera, vedova del duca di Osuna, portò dall'Italia alla Collegiata di Osuna cinque dipinti di Ribera, da collocare per l'altare maggiore, che all'epoca non aveva una pala. Nel 1721, in occasione dell'inizio dei lavori di ristrutturazione della testata della chiesa, la tela fu trasferita all'interno della Collegiata. Quando un anno dopo fu completata la nuova pala dell'altare maggiore, la tela fu trasferita nella Cappella di Santa Ana, dopo aver controllato che la tabella non si adattava alla pala d'altare realizzata. Dopo aver attraversato anche la cappella di Ánimas, è stato finalmente installato in modo permanente nella cappella della Virgen de la Antigua, dove rimane tutt'oggi.

Secondo le affermazioni del romantico viaggiatore inglese Richard Ford, durante la guerra d'indipendenza spagnola, il dipinto fu maltrattato come bersaglio dei fucilieri francesi.

Nel 1851 i duchi di Osuna persero il patrocinio della Collegiata e tutti i suoi beni mobili e immobili passarono all'Arcivescovado di Siviglia, che ne affidò la tutela all'Ente d'Arte di Osuna.

Descrizione

Crocifissione di Michelangelo per Vittoria Colonna

Crocifissione di Guido Reni

Quest'opera è una delle prime importanti opere di Ribera, che offre una composizione chiaramente barocca e risorse pittoriche che mostrano formule oscure e naturalistiche di grande qualità.

Rappresenta il momento prima della morte di Cristo, che si manifesta nel corpo contorto, il volto che esala l'ultimo respiro e guarda il cielo. Gli altri personaggi che compaiono nella composizione da destra a sinistra sono Maria Maddalena, inginocchiata che abbraccia la croce, san Giovanni Evangelista, Maria madre di Cristo, che dirige il suo sguardo all'infinito e un'altra donna di cui si percepisce solo una parte, del suo volto che potrebbe essere Maria di Cleofa. Sullo sfondo, appena percettibile, in quanto nascosta nell'oscurità, c'è una sagoma che può essere identificata con un'altra donna.

Collegamenti esterni

• (ES) Calvario, su artehistoria.com. URL consultato il 23 agosto 2021.
• (ES) El Calvario, su historia-arte.com. URL consultato il 23 agosto 2021.

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• Dipinti su sant'Andrea
• Dipinti di Jusepe de Ribera
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