Visualizza wikitesto di Storia della musica

{{torna a|Musica}}
{{Storia della musica}}

La '''musica''' è un'espressione artistica appartenente a tutte le [[Cultura|culture]]<ref>[http://www.treccani.it/enciclopedia/musica/ musica] nell'Enciclopedia Treccani</ref> del nostro pianeta. Fonti ne attestano l'esistenza almeno a partire da 55&nbsp;000 anni fa, con l'inizio del [[Paleolitico superiore]]. Alcuni studiosi ipotizzano la sua nascita in [[Africa]], quando le [[Homo|prime comunità umane]] conosciute iniziarono a espandersi sul globo.<ref>Wallin Nils Lennart, Steven Brown e Björn Merker, ''[http://books.google.com/books?id=vYQEakqM4I0C&printsec=frontcover The Origins of Music]'', Cambridge, MIT Press, 2001, ISBN 0-262-73143-6.</ref><ref>Bernie Krause, ''The Great Animal Orchestra: Finding the Origins of Music in the World's Wild Places'', Little Brown/Hachette, New York, 2012.</ref> La '''storia della musica''' è una branca della [[musicologia]] e della [[storia]] che studia lo sviluppo cronologico delle idee e delle convenzioni musicali appartenenti a [[Popolo|popoli]] differenti, con particolare riguardo alla [[Musica colta|musica d'arte]] di tradizione [[Civiltà occidentale|occidentale]], ed è pertanto materia diffusa, sia nelle [[università]] che nelle [[Conservatorio|scuole di musica]] di tutto il mondo.

== Periodizzazione ==
La suddivisione standard della musica si basa sulle epoche storiche, correnti artistiche e culturali parallele alla musica.
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== Musica preistorica ==
{{vedi anche|Musica preistorica}}
[[File:Flûte paléolithique (musée national de Slovénie, Ljubljana) (9420310527).jpg|thumb|Trovato in [[Slovenia]], il [[flauto di Divje Babe]] è a oggi considerato da alcuni il più antico strumento musicale conosciuto, risalente a oltre 40&nbsp;000 anni fa.]]
[[File:Mridangam transparent.png|thumb|Un ''[[mridangam]]'', tamburo dell'India]]

Il problema della determinazione dell'epoca che ha visto nascere le prime forme di espressione musicale è ovviamente connesso con la definizione che si sceglie di adottare per la parola musica. Mentre, infatti, per un sistema teorico di organizzazione dei suoni, collegato a precisi riferimenti estetici, dobbiamo attendere l'[[antica Grecia]]{{cn}}, per la prima comparsa di specifici elementi, come la produzione volontaria, anche tramite strumenti, di [[suono|suoni]] da parte dell'uomo, dobbiamo risalire al [[paleolitico]].

Nel 2008, in Germania, nel sito della grotta di Fels (Hohle Fels), lo staff dell'archeologo [[Nicholas Conard]] ha ritrovato un flauto ottenuto da un osso di avvoltoio, datato 40&nbsp;000 anni fa.

Alcune testimonianze in questo senso possono essere dedotte da numerosi ritrovamenti sia in osso che in pietra, interpretati come [[strumento musicale|strumenti musicali]]. Tali sono, ad esempio, gli [[zufolo|zufoli]] [[civiltà magdaleniana|magdaleniani]] di Roco de Mercamps o i litofoni<ref>{{Cita web|url=http://www.treccani.it/vocabolario/litofono/|titolo=Definizione di litofono}}</ref> [[Neolitico|neolitici]] scoperti nelle vicinanze di ''Dallato'' ([[Vietnam]]).

In mancanza di testimonianze dirette o mediate, alcune ipotesi sulla forma assunta dalla musica primitiva può essere dedotta anche dall'osservazione di popoli il cui sviluppo è simile allo sviluppo delle attuali culture preistoriche, come, ad esempio, gli [[indios brasiliani]], gli [[aborigeni australiani]] o alcune popolazioni [[africa]]ne.

Si può presumere che le primissime forme di musica siano nate soprattutto dal [[ritmo]]: per esempio, per imitare, battendo le mani o i piedi, il cuore che batte, il ritmo cadenzato dei piedi in corsa o del galoppo; o magari alterando, per gioco e per noia, le [[fonetica|fonazioni]] spontanee durante un lavoro faticoso e monotono, come, per esempio, il pestare il grano raccolto per farne farina o il chinarsi per raccogliere piante e semi. Per questi motivi, nonché per la relativa facilità di costruzione, è molto probabile che i primi [[strumenti musicali]] siano stati strumenti a [[percussioni|percussione]], e presumibilmente qualche variante del [[tamburo]].

Tra gli strumenti più antichi ritrovati troviamo infatti il tamburo a fessura, un cilindro cavo, provvisto di una fessura longitudinale lungo la superficie esterna, suonato percuotendolo con le bacchette sulla fessura stessa. Le versioni più antiche e primitive ritrovate consistono in un tronco cavo, privo di fessura ma appoggiato trasversalmente sopra una buca nel terreno, che probabilmente veniva suonato percuotendolo con i piedi.

== Musica dell'antichità ==
{{Vedi anche|Musica dell'antichità}}
La '''musica dell'antichità''', nella storia della musica, è quella musica che sostituì la [[musica preistorica]] nelle differenti civiltà della cosiddetta [[storia antica]]. Essa si riferisce ai vari sistemi musicali che furono sviluppati in varie regioni geografiche come [[Mesopotamia]], [[Antico Egitto|Egitto]], [[Persia]], [[India]] e [[Cina]], o in vasti bacini d'influenza culturale come quelli [[Antica Grecia|greco]] e [[Roma (città antica)|romano]], ed è designata dalla caratterizzazione dei fondamentali quali [[nota musicale|note]] e [[Scala musicale|scale]]. Potrebbe essere stata trasmessa attraverso metodi orali o scritti.

=== Musica nell'antico Egitto ===
{{vedi anche|Musica dell'antico Egitto}}
La civiltà egizia è tra le prime civiltà di cui si hanno testimonianze di espressione musicale. Qui la musica aveva un ruolo molto importante: la leggenda vuole che sia stato il dio [[Thot]] a donarla agli uomini; essa era soprattutto legata a [[Hator]], considerata la dea della gioia, della musica e della danza.

Tra gli [[strumento musicale|strumenti]] utilizzati dagli Egizi, troviamo i [[crotalo (strumento musicale)|crotali]], il [[sistro]], legato ad [[Hathor]], la [[tromba]], utilizzata in guerra e sacra ad [[Osiride]], i tamburi, il [[liuto]] ed il [[flauto]], sacro ad [[Amon]]. Altro strumento musicale assai presente e caratteristico della civiltà egizia è l'[[arpa]] dotata spesso di un'ampia cassa armonica. Nell'antico Egitto, la musica aveva funzioni religiose, veniva infatti utilizzata nelle cerimonie sacre, era presente durante riti di fecondazione, nella celebrazione di funzioni funebri, e ancora in occasione di divertimento e svago.

Inizialmente, nel periodo più antico, venivano usati principalmente strumenti a percussione, come bacchette e batacchi. La comparsa di strumenti più sofisticati dovette attendere più a lungo. I primi ad essere costruiti dopo le percussioni furono gli [[fiati|strumenti a fiato]] ([[flauto]]) e [[cordofoni|a corde]] ([[lira (strumento musicale)|lira]] e [[Cetra (strumento musicale antico)|cetra]]), di cui esistono testimonianze greche, egizie e mesopotamiche anteriori all'[[XI secolo a.C.]] Queste civiltà conoscevano già i principali intervalli fra i suoni (quinte, [[Quarta (musica)|quarte]], [[Ottava (musica)|ottave]]), usate come base per alcuni sistemi di [[scala musicale|scale]]. Da uno studio dell'etnomusicologo tedesco [[Curt Sachs|Sachs]] sull'accordatura delle arpe, è emerso che gli Egizi utilizzavano sia una [[scala pentatonica]] discendente che una [[Scala eptatonica|scala eptafonica]].

=== Musica nel Vicino Oriente ===
{{vedi anche|Musica della Mesopotamia}}
Tra gli scavi della città [[Sumeri|sumera]] di [[Ur]], e più precisamente nel [[cimitero reale di Ur|cimitero reale]], furono rinvenute alcune [[Arpe e lire di Ur|lire e arpe]], mentre un'[[iconografia]] musicale con cui è riccamente decorata l'architettura della prima [[Mesopotamia]] storica, lasciano intendere che per questa civiltà la musica fosse molto importante, soprattutto nelle forme rituali tipiche. Esemplari di [[bassorilievo|bassorilievi]] del [[Museo del Louvre|Louvre]], provenienti da [[Lagash]], mostrano ad esempio la presenza di strumenti [[cordofoni]] simili all'[[arpa]].

Fra i testi [[Urriti]] ritrovati ad [[Ugarit]] vi sono i più antichi esempi di stesura musicale, risalenti al 1400 a.C. circa.<ref>Ricostruzione di Marcelle Duchesne-Guillemin dell'inno che può essere ascoltata su [http://128.97.6.202/urkeshpublic/music.htm Urkesh webpage], benché vi siano almeno altre quattro "diverse interpretazioni della notazione, ciascuna delle quali porta a risultati completamente differenti". West 1994, 161. In aggiunta a West e Duchesne-Guillemin (1975, 1977, 1980, & 1984), le interpretazioni alternative comprendono Anne Draffkorn Kilmer (1965, 1971, 1974, 1976, & 1984), David Wulstan (1968), e Raoul Vitale (1982).</ref> In questi frammenti sono stati trovati i nomi di quattro compositori, Tapšiẖuni<ref>{{Cita web|url=https://www.vanillamagazine.it/la-canzone-piu-antica-del-mondo-e-l-inno-a-nikkal-del-1-400-a-c-1/|titolo=La canzone più antica del mondo: l'inno a Nikkal}}</ref>, Puẖiya(na), Urẖiya e Ammiya.<ref>West 1994, 171.</ref>

Nei testi sacri dell'[[ebraismo]] si accenna per la prima volta alla musica<ref>In un riferimento che sembra alludere a un'epoca attorno al 3200 - 3300 a.C.</ref> quando si parla di [[Iubal]], figlio di [[Lamech (discendente di Caino)|Lamech]] e di Ada, del quale viene detto che:

{{quote biblico|... fu il padre di tutti quelli che suonano la cetra [in [[Lingua ebraica|ebraico]], ''[[kinnor]]''] e il [[flauto]] [in ebraico, ''ugab''].|Genesi|4,21}}

=== Musica nell'antica Grecia ===
{{Vedi anche|Musica nell'antica Grecia}}
Presso l'[[Grecia antica|antica Grecia]] la musica (μουσική, musikè, "arte delle muse") occupava un ruolo di grande rilievo, sia nella vita sociale che nella religione. Per i greci la musica era un'[[arte]] che comprendeva, oltre alla musica stessa, anche la [[poesia]], la [[danza]], la [[medicina]] e le [[magia|pratiche magiche]]. L'importanza della musica nel mondo greco è testimoniata da numerosi [[mito|miti]] che la riguardano. Uno è quello di [[Orfeo]], il suo inventore, che riuscì a convincere gli dei dell'[[Ade (regno)|Ade]] a restituire alla luce la scomparsa [[Ninfa (mitologia)|ninfa]] [[Euridice (ninfa)|Euridice]].

Durante il periodo arcaico, dalle origini al [[VI secolo a.C.]], la musica era praticata solamente da professionisti: gli [[aedo|aedi]] e i [[rapsodo|rapsodi]]. Questi declamavano i miti accompagnandosi con uno [[strumento musicale]] tramandando oralmente la musica. In seguito, durante il periodo classico, dal VI al [[IV secolo a.C.]], la musica entrò a far parte del sistema educativo venendo così divulgata. A questo periodo risalgono pochissime fonti di grafia musicale che erano esclusivo patrimonio dei professionisti, in quanto la musica veniva, come abbiamo già accennato, tramandata oralmente. Sempre nel periodo classico si sviluppò la [[tragedia]]. I soggetti della tragedia erano presi dai miti letterari e consistevano in dialoghi tra due o tre personaggi alternati da [[musica corale|canti corali]]. Gli attori erano tutti uomini, indossavano [[maschera teatrale|maschere]] e recitavano con l'accompagnamento della musica. L'impianto architettonico del [[teatro (architettura)|teatro]] era costituito da una gradinata a semicerchio che ospitava il pubblico, di fronte al quale era presente un palco sul quale si esibivano gli attori, mentre tra la gradinata e il palco era presente un'orchestra insieme ad un [[coro (musica)|coro]].

I greci usavano diversi strumenti. I più comuni erano la [[Lira (strumento musicale)|lira]] o [[Cetra (strumento musicale antico)|cetra]] e l{{'}}''[[aulos]]''. La lira era uno strumento le cui corde venivano pizzicate tramite un [[plettro]], uno strumento sacro al dio [[Apollo]]. L'aulos, invece, era uno [[strumento a fiato]], o aerofono ad [[ancia]], sacro al dio [[Dioniso]]. Presso gli elleni erano in uso anche strumenti a percussione tra cui i [[tamburo|tamburi]] e i [[cimbali (strumento musicale)|cimbali]], meglio noti come [[piatto (musica)|piatti]].

I greci accostarono la musica alla [[matematica]] e al movimento degli astri. [[Pitagora]], accostando la musica al movimento dei [[pianeti]], comprese che anch'essa era governata da precise leggi [[matematica|matematiche]]. Portò la sua intuizione sul [[monocordo]] e scoprì che se una corda produceva un suono di una certa altezza, per ottenere un suono all'[[Ottava (musica)|ottava]] superiore bisognava far vibrare metà della corda; per ottenere la quinta bastava far vibrare i due terzi della corda, e via di seguito.

Alla base del sistema musicale greco c'era il [[tetracordo]] formato da quattro [[suono|suoni]] discendenti compresi in un intervallo di quarta giusta. I due suoni estremi erano fissi, invece i due intermedi erano mobili. I tetracordi si distinguevano in [[tetracordo|diatonico]], [[tetracordo|cromatico]] e [[tetracordo|enarmonico]]. L'unione di due tetracordi formava un modo che poteva essere [[modo musicale|dorico]], [[modo musicale|frigio]] o [[modo musicale|lidio]]. A seconda del tipo di unione i modi potevano essere a loro volta congiunti o disgiunti. Se ad un modo dorico disgiunto si aggiungeva un tetracordo congiunto all'acuto, un altro tetracordo congiunto al grave e sotto quest'ultimo una [[nota musicale|nota]] si otteneva il sistema ''tèleion'', ovvero perfetto, dell'estensione di due ottave. Il [[ritmo]] musicale si basava su quello poetico. Nella [[poesia]] greca la [[metrica]] scaturiva dalla durata delle sillabe: brevi o lunghe, lo stesso valeva in musica. La breve equivale all'odierna croma e la lunga all'odierna semiminima. Il ritmo si aveva dall'unione di due o più note o sillabe, ordinate in schemi ritmici chiamati piedi. In poesia la combinazione di vari piedi formava il [[verso]] e la combinazione di più versi formava la [[strofa]].

Alla musica i greci attribuirono anche una funzione educativa, in quanto la ritenevano un'arte in grado di arricchire l'animo delle persone. Secondo [[Platone]] la musica doveva servire per arricchire l'animo umano, così come la [[ginnastica]] serviva per irrobustire il fisico. Questo discorso si amplia con la dottrina dell'[[ethos]] per la quale ogni modo ha un suo specifico temperamento che può incidere positivamente o negativamente sull'animo delle persone. Per Platone i modi di specie [[Modo dorico|dorica]] o [[Modo frigio|frigia]] incidono positivamente, invece quelli di specie [[Modo lidio|lidia]] possono turbare l'equilibrio razionale. [[Aristotele]] accettò la classificazione dell'ethos, ma ritenne che tutti i modi potevano andare a beneficio dell'animo. Fino a questo momento la teoria musicale era conosciuta esclusivamente dal punto di vista matematico. In seguito [[Aristosseno]] di [[Taranto]] comprese l'importanza dell'udito nella percezione dei suoni.

=== Musica nell'antica Cina ===
{{vedi anche|Musica cinese}}

La musica cinese era già decisamente evoluta durante la [[dinastia Zhou]] ([[1122|1122 a.C.]]-[[256 a.C.]]), con un ruolo importante nei cerimoniali. Anche presso questa cultura la musica aveva una profonda valenza educativa e filosofica. Documenti attestanti la composizione musicale in Cina sembrano risalire al VI - VII secolo a.C.<ref>{{en}}[http://www.silkqin.com/02qnpu/01yl.htm You Lan]</ref>

=== La musica nella Roma antica sotto l'influsso del modello greco ===
{{vedi anche|Musica nella civiltà romana}}
[[File:Apollo Saurocton Louvre.jpg|thumb|upright=0.8|''Apollo sauroctonus'', copia romana, [[Louvre]]]]
Nel [[periodo ellenistico]] si assistette ad una sostanziale crisi di quelli che sono stati i fondamenti della ''Musikè'' greca, accompagnata dalla crisi del [[tragedia|genere tragico]]. Ci si imbatte in vere e proprie performance di attori che mettono in scena, dal loro bagaglio, pezzi di repertorio.

Il primo è segnato dalla modesta presenza, a Roma, della musica di origini [[Etruschi|etrusche]] o italiche, abbinata anche a spettacoli indigeni quali l'[[atellana]] e il [[fescennino]]. Risale a questa prima fase la diffusione di strumenti di metallo di impiego militare: la [[buccina]] di forma circolare, il [[Lituo (antichità)|lituus]] a canneggio diritto con il padiglione ripiegato all'indietro, la tuba di [[bronzo]] a canna diritta. I tempi successivi furono caratterizzati dal fatto che i romani conquistarono la Grecia e portarono a Roma, in grande quantità, [[musicista|musicisti]], [[intellettuale|intellettuali]], [[artista|artisti]] e [[filosofia|filosofi]] greci. L'intero sistema culturale romano fu condizionato da quello greco, anche dal punto di vista musicale, ma con sostanziali differenze. Dal punto di vista drammatico ci saranno tragedie e commedie modellate su quelle greche, ma con la differenza che verranno chiamate diversamente: ''coturnae'' quelle greche, perché gli attori greci stavano in ''coturni'' (calzari), mentre monodici e corali di carattere rituale erano considerati essenziali nelle solennità pubbliche quali i rioni, nelle feste religiose, nei giochi, infine, le [[pallio (abito)|palliate]], quelle romane, perché i romani indossavano un abito, il [[pallio (abito)|pallio]].

La musica romana ereditò dal mondo greco il sistema musicale, gli usi, le forme e la teoria. Rispetto alla semplice raffinatezza della musica greca, eseguita con pochi strumenti per accompagnare il canto, la musica dei romani fu indubbiamente più vivace, mescolata con elementi di origine italica, ed eseguita con grandi complessi in cui doveva esserci la massiccia la presenza di [[strumenti a fiato]]: la [[tibia (strumento musicale)|tibia]], la buccina, il lituus, la tuba. Si faceva anche uso dell'[[organo idraulico]] e di numerosi (e rumorosi) [[strumenti a percussione]]. Si può pertanto desumere che la musica a Roma fosse assai popolare e che accompagnasse sempre molti spettacoli tra cui la [[pantomima]] e gli spettacoli dei [[gladiatore|gladiatori]]. Mentre per i greci la musica era una componente fondamentale dell'educazione, i romani ne avevano un'opinione molto inferiore, associandola a feste e divertimenti piuttosto che alla formazione del ''[[Virtus (storia romana)|vir]]''.

== Il canto del cristianesimo in Occidente e la musica sacra ==
{{Vedi anche|Canto cristiano}}
La diffusione del [[cristianesimo]], e quindi del [[canto cristiano]], ebbe un ruolo decisivo nella storia della musica occidentale. La [[musica corale]] ha origine dal canto cristiano dei primi secoli. Nelle sacre scritture si legge che il canto fosse una pratica comune anche nei riti della [[religione ebraica]]: lo stesso [[Gesù Cristo|Cristo]], insieme ai suoi discepoli viene ritratto come un [[cantore]]:
{{Citazione|E dopo aver cantato l'inno, uscirono verso il monte degli Ulivi.|Marco, 14, 22-26}}
Si può fare un parallelo tra la funzione della musica nei riti delle prime comunità cristiane e la funzione dell'arte decorativa, sintetica e stilizzata, degli inizi della vita ufficiale del cristianesimo dopo il 313 d.C. In entrambi i casi gli argomenti di fede sono l'argomento di espressioni artistiche non verbali che potevano essere facilmente ricordate anche da una congregazione non letterata e di umili origini.

Questo modo di ''cantare le idee'' continuerà nei secoli a contribuire alla partecipazione del fedele all'azione sacra, anche dopo che la [[lingua latina]] aveva da tempo cessato di essere comprensibile. Col tempo alla funzione [[ieratico|ieratica]], associata al salmodiare del celebrante, [[didascalia|didascalica]] e partecipativa della musica, si aggiunse anche una funzione decorativa tesa a solennizzare gli eventi religiosi attraverso le caratteristiche e il volume sonoro, al quale è possibile ascrivere parte del successo di uno strumento quale l'[[Organo (strumento musicale)|organo]], la cui sonorità profonda induce nell'ascoltatore una sensazione di presagio.<ref>l'effetto degli ultrasuoni prodotti dall'organo è documentato anche da alcuni studi scientifici.</ref>

== La monodia liturgica cristiana ==
Poiché la [[notazione musicale]] emergerà solo nel corso del XII secolo, il canto cristiano dei primi secoli ci è completamente ignoto, e ciò che se ne sa, deriva in gran parte da supposizioni. La sua presumibile derivazione dal rito ebraico fa presumere che la [[liturgia]] dei primi secoli fosse fondata sull'intonazione di forme melodiche tradizionali costruite attraverso variazioni molto piccole<ref>Di ampiezza inferiore ad un semitono e perciò dette microtoni.</ref> e in cui il ritmo era derivato dal ritmo verbale della liturgia (questo procedimento è anche detto [[cantillazione]]). Inoltre si può supporre che la condizione di clandestinità in cui la religione cristiana era praticata favorisse il sorgere di molte varianti del rito e quindi dell'accompagnamento musicale di riferimento.

La situazione cambiò nel 380, quando l'[[editto di Tessalonica]] impose la religione Cristiana quale unica religione dell'impero. A partire dal [[V secolo]], il cristianesimo iniziò a darsi una impianto che imponeva l'unificazione della [[liturgia]] e, quindi, anche della musica che ne faceva parte integrante.

Si può ipotizzare che una forma iniziale di musica liturgica fosse [[monodia|monodica]]<ref>Ossia affidata ad un solista, dalla parola greca il cui significato è "una voce sola".</ref> e basata su variazioni d'intonazione attorno ad una nota fondamentale, detta corda di recita, variazione che era dettata dalla [[prosodia]] o [[enfasi]] delle parole del testo sacro, nello stile musicale detto sillabico. A questo stile, che dominava la maggior parte della messa, si sovrappose con il tempo un secondo stile, riservato inizialmente ai momenti di maggiore enfasi quali l'[[offertorio]], in cui un solista intonava il testo facendo variare liberamente l'intonazione all'interno di una stessa sillaba in uno stile detto [[melisma]]tico.

La trasmissione della musica avveniva a questo punto per tradizione orale, e attraverso scuole di canto, la cui presenza presso i maggiori centri di culto è attestata fino dal IV secolo. Oltre alla scuola di provenienza, è probabile che anche l'improvvisazione e l'abilità del singolo cantore determinassero in larga parte la musica d'uso [[Liturgia delle ore|liturgico]].

== Il canto gregoriano ==
{{vedi anche|Canto gregoriano}}
Agli inizi del [[VI secolo]], esistevano in Occidente diverse aree liturgiche europee, ognuna con un proprio rito consolidato. Tra i principali, ricordiamo il [[rito romano|rito vetero-romano]], il [[rito ambrosiano]] a [[Milano]], il [[rito mozarabico|rito visigotico-mozarabico]] in [[Spagna]], il rito celtico nelle isole britanniche, il [[rito gallicano]] in [[Francia]], il [[rito patriarchino|rito aquileiese]] nell'Italia orientale, il rito [[Benevento|beneventano]] nell'Italia meridionale. La tradizione vuole che alla fine di questo secolo, sotto il papato di [[Papa Gregorio I|Gregorio I]] ([[590]]-[[604]]) sia stata avviata definitivamente l'unificazione dei riti e della musica dai quali dipende.

In realtà si ha motivo di credere che l'unificazione di tali riti avvenne quasi due secoli più tardi, ad opera di [[Carlo Magno]] sotto l'impulso dell'unificazione politica che condusse alla nascita del [[Sacro Romano Impero]]. L'attribuzione a papa [[Papa Gregorio I|Gregorio I]] sarebbe stata introdotta per superare le resistenze al cambiamento dei diversi ambienti [[Clero|ecclesiastici]], costretti a rinunciare alle proprie tradizioni.

Il prodotto dell'unificazione di due dei riti principali quello vetero-romano e quello gallicano fu codificato nel cosiddetto [[antifona]]rio [[Canto gregoriano|gregoriano]], che conteneva tutti i canti ammessi nella liturgia unificata. Questa unificazione classificò i brani di musica sacra in uso secondo un sistema di modi, ispirati - almeno nei nomi - ai [[modo musicale|modi]] della tradizione greca: dorico, ipodorico, frigio, ipofrigio, lidio, ipolidio, [[Modo misolidio|misolidio]], ipomisolidio.

== La scrittura neumatica ==
{{vedi anche|Notazione sangallese|Notazione metense|Notazione quadrata}}
[[File:Porrectus.JPG|thumb|Neuma plurisonico]]
La riforma gregoriana introdusse, nelle scuole di canto delle origini, lo studio dei testi al posto della trasmissione orale, sacrificando diverse particolarità regionali, alcune delle quali, specialmente quelle di derivazione [[Lingua mozarabica|mozarabica]], particolarmente ricche, all'intonazione [[musica tonale|microtonale]], particolarità che esisteva ancora nel rito vetero-romano, ed al ruolo dell'improvvisazione. Allo stesso tempo si creò la necessità di "annotare" i testi scritti in modo da aiutare i cantori ad eseguire musiche sempre nello stesso modo, attraverso una linea melodica che indicava la direzione, ascensionale o discensionale. Quest'esigenza fece nascere segni particolari, i cosiddetti [[neuma|neumi]], pare nati dai gesti del direttore del coro, che, annotati tra le righe dei codici, rappresentavano l'andamento della melodia, come già detto, ma lasciando liberi intonazione e [[ritmo]]. La [[Neuma|scrittura neumatica]] divenne così la prima forma di "notazione" - dalla quale ebbe origine la "nota" musicale moderna.

== Gli inizi della polifonia ==
[[File:Concert by Lorenzo Costa.jpg|thumb|[[Lorenzo Costa]]: Il concerto]]

<!--Ercole_de%27_Roberti_003.jpg, Quadro di Ercole de Roberti????-->La riforma gregoriana non impedì che, nel corso degli anni, le melodie monodiche di base fossero arricchite tramite amplificazioni sia in senso orizzontale, aggiungendo ornamenti alla linea melodica, che in senso verticale, aggiungendo altre voci al canto del celebrante.

L'amplificazione orizzontale prese la forma di interpolazione di testi e [[Melisma|melismi]] nella melodia gregoriana, detti [[Tropo (liturgia)|tropi]], o di composizioni originali a partire da particolari momenti della liturgia, in genere l'Alleluja, dette [[sequenza (liturgia)|sequenze]].

L'amplificazione verticale, che costituiva l'inizio della [[polifonia]], dal greco: molte voci, prese dapprima la forma di un raddoppio o diafonia della voce monodica o vox principalis, con una seconda voce, detta vox organalis, ad andamento parallelo e a distanza fissa, in genere una quarta o una quinta, secondo un procedimento poi definito, ad ''[[organum]] parallelo''. La ''[[organum|vox organalis]],'' o ''duplum,'' inizialmente posta al di sotto della ''[[organum|vox principalis]]'', sarebbe divenuta più acuta negli sviluppi che seguirono. Il trattato ''[[Musica enchiriadis|Musica Enchiriadis]]'' risalente alla metà del [[IX secolo]], dà conto dell{{'}}''organum parallelo'' e di alcune sue variazioni che contemplano eccezioni del moto parallelo delle voci.

Il discostarsi dalla regola del moto parallelo delle voci, era destinato a produrre tecniche polifoniche più complesse: infatti, attorno al 1100 venne sviluppata la tecnica del [[discanto]], dove alle voci, che conservavano sempre distanze considerate consonanti, cioè quarta, quinta, ottava e unisono, veniva consentito un movimento più libero, movimento che alternava un moto parallelo ad un moto contrario.

Nello stesso periodo, emerge una tecnica detta [[eterofonia]], probabilmente derivata dal canto popolare, che consentiva al duplum di eseguire [[Melisma|melismi]] mentre la vox principalis intona, con valori di durata assai prolungati, la melodia originale. Questa pratica è documentata in alcuni codici italiani del [[XII secolo|XII]] e [[XIII secolo]], ad esempio nel trattato dell'Organum Vaticano, e da documenti coevi provenienti dalla chiesa di San Marziale a [[Limoges]] nel sud della Francia. A questo stile sarà attribuito il nome di ''[[organum]]'' ''[[melisma]]tico''.

Non furono queste le uniche alterazioni alla prescrizione monodica gregoriana: nello stesso periodo e nei luoghi dell'organum melismatico si trovano esempi dell'uso del [[bordone (musica)|bordone]], ossia un'unica nota bassa che viene prolungata anche per tutta la composizione, composizioni multitestuali dette ''[[Tropo (liturgia)|tropi]] simultanei'' in cui le voci cantano testi diversi, anticipando quello che più tardi sarà il [[mottetto]] e perfino accenni di composizione a tre voci.

Bisogna infine ricordare che in [[Inghilterra]] nacque un tipo di polifonia molto diversa da quella del continente europeo, che ammetteva, enfatizzandoli, gli intervalli di terza e sesta, considerati dissonanti sul continente. Questa tendenza, espressa in composizioni a due o [[gymel]] e tre voci o [[falso bordone]], avrebbe in seguito influenzato la musica [[Fiandra|fiamminga]] poi diffusosi in tutta l'Europa, diventando la base della musica occidentale che si basa sulle triadi e gli intervalli di terza.

== Guido d'Arezzo ==
{{Vedi anche|Musica medievale}}
[[File:Statue of Guido of Arezzo.jpg|thumb|[[Statua a Guido d'Arezzo]]]]

La scrittura [[neuma]]tica lasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori.

Fu nell'opera di [[Guido Monaco|Guido d'Arezzo]] (992 ca.-1050 ca.) che si affermò il primo sistema di grafia ''diastematica'', una stesura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido d'Arezzo chiamava il suo sistema ''tetragramma'' perché inseriva dei segni, che sarebbero poi diventati le moderne note, in una griglia costituita spesso da quattro righe parallele.

Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la grafia delle durate era ottenuta proporzionalmente<ref>La durata di una nota era indicata in proporzione alle altre.</ref>. Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido d'Arezzo assegnò nomi corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di un [[Ut queant laxis|inno]] dedicato a [[San Giovanni Battista]] come memorandum per gli allievi:

{{Citazione|Affinché possano cantare<br />con voci libere<br />le meraviglie delle tue azioni<br />i tuoi servi,<br />cancella il peccato<br />del loro labbro contaminato,<br />o san Giovanni|[[Ut queant laxis|Inno a San Giovanni]]|'''[[Ut (nota)|Ut]]''' queant laxis<br />'''[[Re (nota)|Re]]'''sonare fibris<br />'''[[Mi (nota)|Mi]]'''ra gestorum<br />'''[[Fa (nota)|Fa]]'''muli tuorum<br />'''[[Sol (nota)|Sol]]'''ve polluti<br />'''[[La (nota)|La]]'''bii reatum<br />'''[[Si (nota)|S]]'''ancte '''[[Si (nota)|I]]'''ohannes|lingua=la}}

La vera innovazione di Guido d'Arezzo fu che le prime sillabe dell'Inno, non servirono solo per dare un nome alle note ma, anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica.
	
A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome di [[solmisazione]]. Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee, assumendo il nome di [[pentagramma (musica)|pentagramma]], e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

== La musica popolare antica e i trovatori ==
[[File:BernardDeVentadour.jpg|thumb|Il trovatore [[Bernard de Ventadorn]]]]
Dal punto di vista della sua conservazione la musica fu doppiamente svantaggiata. Da una parte soffrì, fino all'invenzione del torchio a stampa, della sorte comune a tutto il materiale che doveva essere tramandato in forma scritta, cioè della rarità del materiale, dei mezzi e delle capacità di tramandarlo. A ciò si aggiunse la mancanza di una notazione che permettesse di scrivere la musica in maniera univoca, cui si giungerà compiutamente solo attorno al [[1500]].

A queste circostanze pratiche, si aggiungevano pregiudizi di carattere culturale, risalenti addirittura alla concezione Greca, che individuavano nella pratica musicale una parte nobile, collegata alla parola, e una artigianale, collegata al suono strumentale. La seconda veniva relegata in secondo piano e, nella sua funzione di servizio, lasciata ai musici professionisti, sempre di origine non nobile: questo equivaleva a dire che la musica popolare era affidata esclusivamente alla trasmissione orale, per cui per noi è completamente perduta. Le poche melodie giunte sino a noi, lo hanno fatto spesso intrufolandosi in composizioni considerate degne di essere tramandate, spesso in parti della messa: è questo il caso della melodia detta, ''[[L'homme armé]]'' e, successivamente, della melodia detta, ''[[Follia (tema musicale)|La Follia]]''. Solo in epoca moderna la musica popolare inizierà ad essere considerata degna di essere tramandata.

Si sa comunque che nel Medioevo si produceva molta musica di carattere non sacro: talvolta per celebrare i potenti, che assumevano regolarmente musicisti, soprattutto [[trombettisti]] per accompagnare le cerimonie ufficiali, per accompagnare spettacoli teatrali, [[sacra rappresentazione|sacre rappresentazioni]] o la recitazione di poesie o semplicemente per ballare. Pare che nel Medioevo esistesse una vera e propria passione per il ballo, attestata fra l'altro dai numerosi editti che proibivano la danza nei cimiteri.

È certo che la recitazione delle poesie fosse spesso, se non sempre, accompagnata dalla musica: quasi certamente gran parte venivano infatti cantate piuttosto che recitate.<ref>Questo era ad esempio il caso delle composizioni del [[Petrarca]].</ref> Una famosa raccolta profana, i [[Carmina Burana]], ha tramandato i soli testi dei canti dei [[Chierico|chierici]] vaganti attorno al [[XIII secolo]].

Un'altra importante testimonianza, profana anche se non propriamente popolare, è costituita dalle composizioni dei [[trovatore|trovatori]], dei [[troviero|trovieri]] e dei [[Minnesang]]er, cantori e poeti vaganti, le cui prime testimonianze datano attorno all'[[XI secolo]]. Di provenienza linguistica diversa, [[lingua d'oc]] o occitano per i trovatori, [[lingua d'oïl]] per i trovieri, tedesco per i minnesanger o [[menestrello|menestrelli]], essi erano accomunati dall'argomento delle loro canzoni, l'[[amor cortese]] e dalla loro frequentazione, appunto delle corti, dove era stata elaborata questa forma ritualizzata d'amore. La diffusione delle composizioni trobadoriche, accompagnò anche la diffusione dell'idea che l'educazione musicale, rigorosamente non professionale, dovesse far parte dell'educazione di un nobile. Come per il resto delle composizioni popolari però, anche la parte musicale delle composizioni trobadoriche è andata quasi completamente perduta.

== Ars Antiqua ==
{{Vedi anche|Ars antiqua}}
[[File:Cathédrale Notre-Dame de Paris - 21.jpg|thumb|La facciata occidentale di Notre-Dame]]

Nel [[1150]] si sviluppa a [[Parigi]] attorno alla [[Cattedrale di Notre Dame]] una grande scuola [[Contrappunto|contrappuntistica]] europea, di ispirazione [[pitagora|pitagorica]], detta appunto [[scuola di Notre Dame]], o anche [[Ars Antiqua]], in contrapposizione all'[[Ars nova]], che sarà un altro grande movimento polifonico che nascerà nel [[XIV secolo]] e in contrapposizione all'Ars Antiqua, la cui parabola terminò, con la scuola di Notre Dame, nel [[1320]].

Dal punto di vista della notazione musicale, la [[Scuola di Notre Dame]] introdusse la tecnica di indicare precisamente l'altezza delle note, che nell'opera di Guido d'Arezzo era ancora intesa in maniera relativa, in modo simile a quello che avviene nella composizione musicale moderna, e la prima idea di divisione delle durate: ogni nota poteva essere divisa in tre note di durata inferiore.

Dalla scuola di Notre Dame ci vengono i nomi di [[Léonin|magister Leoninus]] (Leonin) e [[Pérotin|magister Perotinus]] (Perotin), i primi autori di [[musica sacra]], modernamente intesi, della storia della musica occidentale.

== Il Trecento: l'Ars Nova ==
{{Vedi anche|Ars nova}}

[[File:Machaut 1.jpg|thumb|[[Guillaume de Machaut]] riceve dalla Natura tre dei suoi figli: Senso, Retorica e Musica]]
Il [[XIV secolo]] fu il secolo in cui iniziò in tutta Europa un rafforzamento del movimento di laicizzazione della cultura, che iniziò a distanziarsi dai condizionamenti ecclesiastici e ad acquistare una sua dimensione autonoma. Questo fenomeno si manifestò in tutti gli aspetti della produzione artistica: in [[letteratura]] si ebbe la compresenza di un'opera [[Teologia|teologica]] del mondo, la [[Divina Commedia]], e, della commedia umana di [[Giovanni Boccaccio|Boccaccio]], egualmente accettate e apprezzate. In [[pittura]] si passa da figure più semplici alla dimensione fisica dell'uomo; in [[architettura]], accanto ai luoghi ecclesiastici, si vede una maggior diffusione del palazzo nobiliare e della nuova ricca borghesia, con un progressivo sviluppo della città e delle abitazioni aristocratiche. Anche la musica acquisì una sua autonoma dimensione. L'ars antiqua si chiude nel 1320, data a cui risalgono due trattati: ''Musica Pratica'' di [[Johannes de Muris]] e ''Ars nova musicae'' di [[Philippe de Vitry]], che iniziarono il periodo cosiddetto dell'[[Ars nova]].

Questa scuola sviluppò ulteriormente il concetto di [[notazione mensurale]], aggiungendo altre durate a quelle usate fino ad allora, ed estendendo l'applicabilità della divisione binaria dei valori; inoltre accentuò gli aspetti musicali delle composizioni, moltiplicando le voci dei cantori ed introducendo ad esempio la forma politestuale del [[mottetto]], rispetto agli aspetti testuali. Queste innovazioni la posero ben presto in polemica con gli esponenti dell'[[Ars antiqua]], polemica che assunse toni così violenti da dover essere sedata da un intervento regale.

Il punto di vista arsnovistico infine prevalse, e i suoi insegnamenti furono alla base delle ulteriori innovazioni musicali che avrebbero avuto luogo nel secolo successivo nelle [[Contea delle Fiandre|Fiandre]].

Nell'ambito della musica popolare, gli anni trenta e quaranta videro la diffusione di un nuovo genere musicale, la ''[[chanson]] parigina'', un canto sillabico a più voci generalmente omoritmico, ossia le voci cantano simultaneamente note della stessa durata. Questo genere subì molti mutamenti ed evoluzioni; infatti, nella seconda metà del XV secolo una forma, puramente strumentale, derivata da questa, detta ''canzone da sonar'', divenne l'antenata delle forme strumentali che saranno successivamente sviluppate nel periodo barocco.

== Il Quattrocento ==
[[File:Guillaume Dufay.jpg|thumb|Guilaume Dufay]]
I rivolgimenti economici e sociali del [[XV secolo]], soprattutto la [[guerra dei cent'anni]] e lo sviluppo dei traffici nel nord Europa, ridussero l'influenza politico/culturale della [[Francia]] dando impulso allo sviluppo delle arti in generale e della musica in particolare nelle regioni della Fiandra e della [[Borgogna]]. La scuola che si sviluppò, finanziata nelle scuole delle cattedrali dalla borghesia benestante, prese il nome di [[scuola franco fiamminga]] innovando notevolmente le preesistenti forme della liturgie della [[messa]], del [[mottetto]] e della [[chanson]]. Ponendo, sia le consonanze per terze, ancora oggi familiari all'orecchio occidentale, che la forma imitativa del [[canone (musica)|canone]] alla base delle loro procedure compositive, i fiamminghi, tra i quali ricordiamo il fondatore [[Guillaume Dufay]] e il grande [[Josquin Des Prez|Josquin Desprez]], rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'[[Ars nova]] e dall'[[Ars antiqua]]. Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'[[armonia]].

La monumentale complessità cui pervennero le composizioni fiamminghe<ref>Si ricorda il [[mottetto]] "Deo Gratias" di [[Johannes Ockeghem]], a 36 voci a parti reali - cioè senza alcun raddoppio di una o più linee melodiche, sia all'unisono che all'ottava.</ref>, le regole da essi codificate e la minuta tassonomia con la quale classificarono le forme da essi frequentate, soprattutto il canone, finirono per inaridire e considerare artificiose le composizioni dell'ultimo periodo fiammingo: a questo punto (tra il [[XVI secolo|XVI]] e il [[XVII secolo]]), gli insegnamenti dei fiamminghi erano stati assimilati dagli altri musicisti europei ed erano divenuti parte integrante della polifonia.

La produzione musicale italiana di questo secolo non è ben documentata. Si sa che vi fu un'espansione della musica d'uso, nelle corti e in genere nelle occasioni profane, la cui parte musicale, affidata come di consueto alla tradizione orale, fu quasi interamente perduta. Di questo periodo si ricordano i [[canti carnascialeschi]] o canti di Carnevale, nati a Firenze nell'epoca di [[Lorenzo il Magnifico]]. Si tratta di canti popolareschi a più voci: una vera e propria polifonia in cui tutte le voci posseggono lo stesso ritmo, tecnicamente definita come [[polifonia]] [[Omoritmia|omoritmica]].

Si affermarono inoltre diverse forme quasi [[monodia|monodiche]], o comunque con polifonie omoritmiche molto più semplici di quelle fiamminghe, in cui il testo prevaleva sull'intreccio musicale. Tra queste era popolare la forma detta ''[[frottola]]''. Da [[Napoli]] proveniva la [[villanella]], che inizialmente si chiamò infatti villanella alla napoletana, una forma a tre voci, inizialmente in dialetto napoletano, che diventò una forma internazionale, come il [[madrigale]]. Fu una forma dal carattere fortemente popolare, caratterizzata dalla presenza di quinte parallele, quasi a sottolineare la distanza dalla tradizione colta dello stesso periodo.

== Il Cinquecento ==
{{vedi anche|Musica rinascimentale|Scuola veneziana|Scuola romana (musica)}} 
[[File:Giovanni Pierluigi da Palestrina.jpg|thumb|[[Giovanni Pierluigi da Palestrina]]]]

Nel [[XVI secolo]] si verificò di uno degli eventi più importanti per la diffusione della musica: la nascita dell'editoria musicale. Nel [[1501]] a [[Venezia]] venne per la prima volta pubblicato, ad opera di [[Ottaviano Petrucci]], l'[[Harmonice Musices Odhecaton]], un intero volume di musica a stampa. Petrucci utilizzò dei caratteri mobili: uno stampatore romano, [[Andrea Antico da Montona|Andrea Antico]], utilizzò pochi anni dopo un procedimento di tipo [[xilografia|xilografico]] per ottenere lo stesso risultato.

Un'altra importante diramazione della chanson parigina fu in Italia la composizione musicale del [[madrigale]], nato ad opera del francese [[Philippe Verdelot]] e del fiammingo [[Jacques Arcadelt]]. Era una forma cantata a più voci, in cui il significato del testo comunicava il carattere espressivo alla musica; in essa si cimentarono i principali musicisti dell'epoca, tanto italiani, [[Giovanni Pierluigi da Palestrina|Palestrina]], [[Claudio Monteverdi|Monteverdi]], [[Carlo Gesualdo]], quanto stranieri, [[Orlando di Lasso]], [[Adrian Willaert]], ed altri appartenenti alla sesta generazione fiamminga.

L'avvento della Riforma [[Protestantesimo|Luterana]] e la reazione cattolica controriformista, culminata nel [[Concilio di Trento]] (1545-1563) ebbero un profondo influsso sulla musica sacra. Nel mondo tedesco, la traduzione in tedesco dei canti liturgici e la loro messa in musica spesso su melodie profane, creò la tradizione del [[corale]] protestante. Nel mondo cattolico, si creò un movimento di ritorno alle origini del gregoriano, che si distanziava dall'eccessiva complessità introdotta dalla scuola fiamminga nel secolo precedente, e proibiva ogni messa di derivazione musicale profana, richiamando i compositori al rispetto dell'intelligibilità del testo. Particolarmente sensibile a questi dettami fu il musicista italiano [[Giovanni Pierluigi da Palestrina]] (1525-1594), che, come compositore o maestro di diverse cappelle romane,<ref>Tra cui, per un breve periodo, anche la [[Cappella Sistina]].</ref> lasciò un corpus di oltre 100 messe, 375 mottetti e più di 300 altre composizioni che costituirono in pratica la rifondazione della musica sacra cattolica, stabilendo un canone stilistico che sarebbe stato per secoli a venire il riferimento per la musica liturgica.

Allo stesso tempo, negli ambienti umanistici si sviluppava una polemica tra i proponenti delle forme polifoniche e i proponenti delle forme monodiche, dove questi ultimi vestivano i panni degli innovatori. Fondamentale fu il circolo fiorentino della [[Camerata de' Bardi]], che, verso la fine del secolo, produsse ben due versioni, tra loro in concorrenza, di un dramma musicale, l{{'}}''[[Euridice]]'', dove veniva impiegata una tecnica nuova, detta del ''[[recitar cantando]],'' dalla quale nel [[XVII secolo]] il genio di [[Claudio Monteverdi]] avrebbe fatto nascere il [[opera lirica|melodramma]].

Il trattato ''De Institutioni Harmonica'' ([[1558]]) di [[Gioseffo Zarlino]], uno dei conservatori e difensori della polifonia nella polemica sopra accennata, definisce in modo completo ed esauriente le leggi dell'armonia e quindi della polifonia.

== Il Seicento e il Settecento: Il Barocco e il Classicismo ==
{{Vedi anche|Musica barocca|Classicismo (musica)}}
[[File:Claudio Monteverdi.jpg|thumb|252x252px|[[Claudio Monteverdi]] ritratto da [[Bernardo Strozzi]].]]
Il [[Barocco|periodo barocco]] copre il periodo tra il [[XVII secolo|XVII]] e il [[XVIII secolo]], in particolare dal 1600 al 1750. Lo stesso termine ''barocco'' deriva dal termine dispregiativo utilizzato per indicare una pietra di forma irregolare, vocabolo coniato nel secolo successivo. Le sue finalità erano quelle di meravigliare e stupire. Storicamente, la musica aveva quasi sempre previsto la presenza di elementi vocali, eventualmente con parti elaborate per strumenti musicali, mentre il Barocco prevedeva una prevalenza nell'utilizzo di strumenti, prevalenza che si sviluppò inizialmente all'interno delle chiese [[venezia]]ne, sfruttando le possibilità acustiche della chiesa di San Marco. Si cominciò a scrivere per uno strumento musicale, sfruttando le capacità dello strumento stesso: questo tipo di scrittura prese il nome di ''musica idiomatica''. Nei palazzi aristocratici si formò così la figura del ''virtuoso,'' figura che in seguito arriverà anche nei palazzi vescovili.

La musica occidentale si sviluppò con straordinaria rapidità attraverso i secoli successivi, anche perfezionando il suo [[sistema tonale]]. La tonalità è un sistema musicale basato su scale maggiori e minori. Su ogni grado della scala si può costruire un accordo; gli accordi possono essere di posa (1°-6°), poco movimento (2°-4°), o movimento (5°-7°) e possono essere anche consonanti o dissonanti. Una pietra miliare è costituita dalle composizioni di [[Johann Sebastian Bach]] del ''[[Il clavicembalo ben temperato|Clavicembalo ben temperato]]''<ref>I° libro del 1722, II° libro del 1744, e raccolta di 48 [[Preludio|Preludi]] e [[Fuga (musica)|Fughe]] in tutte le tonalità.</ref>, opera che mette in pratica il cosiddetto sistema dei ''buoni temperamenti.''

=== Tipologie d'opera dell'epoca barocca ===
Alcune tipologie di opera dell'epoca barocca sono:

'''''[[Suite (musica)|Suite]]''''': considerata una successione di danze stilizzate composte solo per essere ascoltate: l'[[allemanda]] ha origine tedesca, la [[Giga (danza popolare)|giga]] ha origini irlandesi, la [[Corrente (danza)|corrente]] ha origine italiana/francese, infine la [[Sarabanda (danza)|sarabanda]] di origine spagnola: questa successione di danze fu inventata da Froberger.

'''''[[Sonata]]'':''' brano strumentale simile al madrigale.

'''''Forma libera''''': le sezioni del madrigale diventano quelle della sonata: passa dall'essere un unico brano a essere formato da più tempi. Lento-veloce-L-V chiesa; V-L-V-L camera.

'''''[[Melodramma]]''''': nel 1570 in casa [[Jacopo Nardi|Jacopo Bardi]], successivamente in casa [[Jacopo Corsi]], alcuni artisti si riuniscono e decidono di far rivivere la [[tragedia greca]] basandosi sulla convinzione che fosse interamente cantata in un canto monodico accompagnato. Nel 1598 si arriva alla realizzazione della [[Dafne (opera)|Dafne]], musicata da [[Jacopo Peri]] e Corsi, della quale resta oggi solo qualche frammento. Nel 1600 viene composta, da Peri e [[Giulio Caccini]], per il matrimonio di [[Maria de' Medici]] e [[Enrico IV di Francia]], l'[[Euridice (Peri)|Euridice]], con testi di [[Ottavio Rinuccini]]. Nello stesso anno l'opera di [[Emilio de' Cavalieri]], [[Rappresentatione di Anima, et di Corpo|Rappresentatione di anima et corpo]], dotata dello stesso impianto di un melodramma, ma non è definibile come tale, dato che i melodrammi devono essere di argomento profano e questo non lo era. L'Euridice viene notata dal duca [[Gonzaga di Mantova]] che commissiona un melodramma al suo musicista [[Claudio Monteverdi|Monteverdi]], che compone nel 1607 l'[[Orfeo]]. I primi melodrammi vengono eseguiti in [[recitar cantando]], una forma di canto monodico accompagnato: da lì nascono il [[recitativo]] e l'[[Aria (musica)|aria]]. Gli argomenti dei primi melodrammi sono di argomento [[Mitologia|mitologico]] per giustificare l'inverosimiglianza del dialogo cantato. Viene molto utilizzato il mito di Orfeo e Euridice perché si esprime la [[magia]] e la bellezza del canto di Orfeo capace di muovere gli affetti. Il finale veniva spesso cambiato perché i melodrammi dovevano avere un lieto fine, cosa che non caratterizzava questo mito.

Nel [[Barocco|periodo barocco]] si istituirono alcune scuole per musicisti come associazioni laiche. In Italia nascono i primi conservatori, nati in realtà come [[Orfanotrofio|orfanotrofi]]: a [[Venezia]] venivano chiamati ospedali, in cui agli orfani veniva fatta studiare la musica. In Italia [[Antonio Vivaldi]] operò molto negli orfanotrofi, come insegnante e direttore di orchestra. Innovando dal profondo la musica dell'epoca, Vivaldi diede più evidenza alla struttura formale e ritmica del [[Concerto (composizione musicale)|concerto]], cercando ripetutamente contrasti armonici e inventando temi e melodie inconsuete. Il suo talento consisteva nel comporre una musica non accademica, chiara ed espressiva, tale da poter essere apprezzata dal grande pubblico e non solo da una minoranza di specialisti. Vivaldi è considerato uno dei maestri della scuola barocca italiana, basata sui forti contrasti sonori e sulle armonie semplici e suggestive. Altro importante esponente della musica strumentale italiana di questo periodo è [[Domenico Scarlatti]],  pioniere di tecniche tastieristiche nuove per i suoi tempi, come [[arpeggi]], note ribattute in agilità, incroci delle mani, [[Ottava spezzata|ottave spezzate]] e percosse, doppie note. Dal punto di vista dello stile, le sue sonate sono caratterizzate da una rapidissima mobilità espressiva e da una grande inventiva armonica, con l'impiego di accordi spesso sorprendenti. La scuola pianistica russa ha tenuto in grande considerazione la musica del Scarlatti per le sue grandi qualità didattiche ed artistiche. Alla fine del Cinquecento un prete fiorentino, S. [[Filippo Neri]], crea piccole assemblee dove i fedeli possono pregare e discutere insieme di argomenti religiosi. Queste assemblee ebbero molto successo. Vennero emulati ovunque. Durante queste assemblee i partecipanti discutevano e pregavano cantando delle [[Lauda (musica)|laudi polifoniche]]. Con la morte di S. Filippo Neri, l'utenza diventò di un ceto sociale più alto. Si cominciano a cantare i Madrigali, e piano piano si trasformano in oratori. Le principali differenze tra melodramma e oratorio sono: l'oratorio è privo di azione scenica, prevalgono la sacralità, le fondamentalità del coro, la presenza del narratore (''historicus''), mentre nel melodramma vi è un'azione scenica, l'argomento è profano, non ce n'è il coro né il narratore. Mentre fino al [[XVI secolo]] prevalevano gli [[strumenti a fiato]] in quanto più idonei ad eseguire la musica polifonica; nel ‘600 prevalsero gli archi anche perché con questo tipo di strumento puoi produrre più effetti e dinamiche. Fino a quel momento non esisteva il concetto di pubblico, dato che le opere venivano eseguite solo nelle corti. Nel 1637, con l'apertura del primo teatro pubblico a Venezia, la popolazione sarà quella che paga e comincerà a condizionare le scelte musicali. Durante la prima metà del Seicento, nella scuola veneziana, [[Girolamo Frescobaldi]] scrisse per [[Organo (strumento musicale)|organo]] e [[clavicembalo]] una musica polifonica dove inserisce il virtuosismo, dando anche indicazioni all'esecutore. Le forme dei brani che scrive sono: [[canzona]], [[ricercare]], [[toccata]] e [[Capriccio (musica)|capriccio]]. Accanto a quelle di [[Johann Sebastian Bach|Bach]], sono di fondamentale importanza le composizioni del tedesco [[Georg Philipp Telemann]], che esce dagli schemi della scuola tedesca del tempo. Vi è inoltre la grande presenza di [[Wolfgang Amadeus Mozart]]. Senza dubbio è uno dei più grandiː grazie a lui l'evoluzione della musica può poggiare su delle grandi fondamenta che si estendendono in tutti i campi, nella [[sinfonia]], nell'[[opera]], nella [[musica da camera]], nelle [[Serenata|serenate]], e rappresenta di fatto il legame, possiamo dire, tra la musica del settecento<ref>Le sinfonie calme e serene, che rispecchiano alla perfezione gli schemi musicali di [[Franz Joseph Haydn|Haydn]].</ref> e quella romantica del XIX secolo.

== L'Ottocento ==
{{Vedi anche|Musica romantica|Musica tardo-romantica|Storia della sinfonia}}
[[File:Beethovensmall.jpg|thumb|252x252px|[[Ludwig van Beethoven]].]]
Tra il 1750 ed il 1850 la [[musica classica]] occidentale si espresse in forme sempre più ricche ed elaborate, sia in campo strumentale, nel quale uno straordinario sviluppo ebbe la forma della [[sinfonia]], che in campo [[opera lirica|operistico]], sfruttando sempre più diffusamente le possibilità espressive fornite dal sistema armonico e tonale costruito nei secoli precedenti.

All'inizio del secolo giganteggia la figura di [[Ludwig van Beethoven]] (1770-1827), testimone dell'eredità di Mozart e dei compositori classici coevi, per arrivare a trasfigurare le forme musicali canoniche, soprattutto la [[sinfonia]], la [[sonata]], il [[concerto (composizione musicale)|concerto]] ed il [[quartetto d'archi]], creando al contempo il concetto di [[musica assoluta]], cioè svincolata dalle funzioni sociali cui era stata fino ad allora subordinata. Con Beethoven si assiste alla nascita della figura del compositore/artista, contrapposta a quella, in precedenza prevalente, del musicista/artigiano. Le nove [[sinfonie di Beethoven]] ebbero tale risonanza da promuovere la forma della sinfonia come la regina tra le forme musicali, al punto che molti dei musicisti venuti dopo di lui temevano di misurarsi con essa. Ciò nonostante, compositori come [[Johannes Brahms]], [[Anton Bruckner]] e [[Gustav Mahler]] l'affrontarono con risultati così notevoli da far parlare di "''Stagione del grande sinfonismo tedesco''".

In Beethoven si trovano le prime manifestazioni del [[romanticismo]] musicale, molti protagonisti del quale furono di area germanica e austriaca, come [[Carl Maria von Weber|Weber]], [[Franz Schubert|Schubert]], [[Felix Mendelssohn|Mendelssohn]] e [[Robert Schumann|Schumann]]. In Francia operavano invece [[Hector Berlioz|Berlioz]] e il polacco [[Fryderyk Chopin|Chopin]]. Emerge in questo periodo anche la figura del musicista virtuoso, che ha in [[Franz Liszt]] e [[Niccolò Paganini]] i due esempi più famosi e celebrati.

L'[[XIX secolo|Ottocento]] è anche il secolo della grande stagione [[opera lirica|operistica]] italiana, che ha come protagonisti [[Gioachino Rossini]] (1792-1868), [[Vincenzo Bellini]] (1801-1835), [[Gaetano Donizetti]] (1797-1848), [[Giuseppe Verdi]] (1813-1901) e, a cavallo del secolo seguente, [[Giacomo Puccini]] (1858-1924). La tradizione operistica italiana continua ad esaltare il ruolo del [[canto]] che, sciolto dall'eloquenza dell'opera settecentesca diviene momento lirico, pura espressione dell'anima. Nel corso del secolo tuttavia essa assorbe progressivamente aspetti dell'opera francese, da sempre attenta all'aspetto visivo e a partire dalla seconda metà del secolo legata all'estetica del [[Naturalismo (letteratura)|naturalismo]]. Quanto all'orchestra, da semplice [[accompagnamento]] del canto si evolve fino a diventare, nelle ultime opere di Verdi e successivamente in Puccini, un'[[orchestra sinfonica]].

Alla fine del secolo la ricerca di nuove forme e di nuove sonorità porta alla crisi del sistema tonale, espressa nel famoso preludio del ''[[Tristano e Isotta (opera)|Tristano e Isotta]]'' di [[Richard Wagner]] del [[1865]], che contiene passaggi armonicamente enigmatici, non interpretabili alla luce delle regole in vigore in quegli anni.

== Il Novecento ==

Nel [[XX secolo]], parallelamente al versante colto, che in realtà si estende molto al di là dei confini tracciati dalla musica seriale, assunsero grande importanza i generi musicali popolari, cui i mezzi di comunicazione di massa consentirono una diffusione senza precedenti.

=== La musica colta ===
{{Vedi anche|Musica moderna|Musica contemporanea|Musica postmoderna}}

Dopo la crisi del sistema tonale, a cavallo tra [[XIX secolo|Ottocento]] e [[XX secolo|Novecento]] si avvia una frenetica ricerca di nuovi codici linguistici su cui basare la [[composizione musicale]]. Le soluzioni proposte sono diverse: dal ritorno alla [[notazione modale|modalità]], all'adozione di nuove scale, di derivazione extraeuropea, come quella per [[Scala esatonale|toni interi]], proposta per primo da [[Claude Debussy]], al cromatismo [[atonalità|atonale]] e poi [[dodecafonia|dodecafonico]] che tende a scardinare la tradizionale dualità di consonanza/dissonanza.

In particolare, nel secondo decennio [[Arnold Schönberg]], assieme ai suoi allievi, tra cui si ricordano [[Alban Berg]] e [[Anton Webern]], giunge a delineare un nuovo [[sistema]], noto come, [[dodecafonia]], basato su serie di 12 note. Alcuni ritennero questo l'inizio della [[musica contemporanea]], spesso identificata con la musica d'[[avanguardia]]: altri dissentirono vivamente, cercando altre strade. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. È questa la fase del [[serialismo]], il cui vertice fu raggiunto negli [[anni 1950|anni cinquanta]] con musicisti come [[Pierre Boulez]], [[John Cage]], [[Terry Riley]], [[Steve Reich]].

Altri musicisti - tra cui [[Béla Bartók]], [[Maurice Ravel]] e [[Igor' Fëdorovič Stravinskij]] (nel suo primo periodo) - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloristiche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri; Stravinskij, dopo un secondo periodo [[Neoclassicismo (musica)|neoclassico]], con la sua ultima attività creativa si avvicinò alla musica seriale.

In Italia spiccano [[Gian Francesco Malipiero]] e [[Luigi Dallapiccola]] per il primo Novecento, [[Luciano Berio]] e [[Luigi Nono (compositore)|Luigi Nono]] nel secondo dopoguerra.

=== La musica da film ===
Con l'avvento della [[cinema|cultura cinematografica]], inizia anche la diffusione della "musica da film" o [[colonna sonora]], che riprende la funzione di "commento musicale" delle scene, come accade per il teatro. [[Sergej Sergeevič Prokof'ev|Sergej Prokof'ev]] fu uno fra i primi musicisti a lavorare per il cinema, in particolare collaborò con il regista [[Sergej Michajlovič Ėjzenštejn|Ėjzenštejn]]. Tra gli altri compositori celebri del XX e XXI secolo vi sono [[Philip Glass]], [[Ennio Morricone]], [[Nino Rota]], [[John Williams]], [[Alfred Newman]], [[Bernard Herrmann]], [[Henry Mancini]], [[Danny Elfman]], [[Thomas Newman]], [[John Powell]], [[Hans Zimmer]] e [[David Newman]]. Per questo genere di musica non vi sono dei canoni o metodi musicali precisi che lo contraddistingue dagli altri, dato che ogni compositore possiede un suo [[stile]] personale e può avere influenze diverse da qualsiasi altro genere: dalla musica classica, dal jazz o dal rock e così via. Con la nascita dei videogiochi, le colonne sonore hanno trovato un altro campo di applicazione, conosciuto per tali opere come [[background music]].

=== Il jazz, il ragtime e il blues ===
{{vedi anche|Jazz|Blues}}

[[File:Louis Armstrong restored.jpg|thumb|[[Louis Armstrong]] negli anni trenta]]

All'inizio del Novecento, negli [[Stati Uniti d'America]], iniziano a diffondersi tra la popolazione urbana diversi [[generi musicali]] derivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro unioni con le tradizioni musicali bianche.

Nascono e acquistano notorietà in questo modo il [[ragtime]], il [[blues]] urbano, derivato dal cosiddetto ''blues primitivo'' che veniva cantato nelle campagne, e da ultimo, il [[jazz]], che combinava la musica bandistica e da parata, suonata soprattutto a [[New Orleans]], con forti dosi d'[[improvvisazione (jazz)|improvvisazione]] e con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.

L'invenzione del [[fonografo]], prima, e della [[Radio (apparecchio)|radio]], poi, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Questo fatto, le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora ad una musica popolare, fondata più sulla pratica che sulla carta, di essere trasmessa e tramandata, piuttosto che dimenticata.

La musica jazz continuò a svilupparsi per tutto il [[XX secolo]], diventando prima musica di larghissimo consumo durante gli [[Anni 1920|anni '20]] e [[Anni 1930|'30]], detti anche gli anni dello [[swing]], intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse, la più commercialmente rilevante delle quali fu il [[rock]], ed evolvendosi poi gradatamente in una ''musica per musicisti'' e per appassionati, quando non per ''élite,'' espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa, dove fu spesso apprezzata più che nel suo luogo di nascita, e poi in tutto il mondo, diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente.

=== La musica pop ===
{{Vedi anche|Musica pop}}

[[File:Elvis Presley 1970.jpg|thumb|Presley in un'immagine degli [[anni 1970|anni settanta]]]]
All'inizio del [[XX secolo]] la musica occidentale è dunque ormai profondamente cambiata, e scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiano anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti della [[radio (elettrotecnica)|radio]] e del [[fonografo]], i modi e i tempi di [[ascolto]] della musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, come [[teatro|teatri]], locali, [[club]] o case private. Da una parte inizia a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezza sistemi melodici e armonici più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico è stato facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.

A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell'[[altoparlante]] e dell'amplificazione audio, che permette di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti (come per esempio una [[chitarra]], una [[Batteria (strumento musicale)|batteria]] di tamburi e un [[pianoforte]]), perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.

Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il [[1920]] fino al [[1980]] e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi, quali [[jazz]], [[blues]], [[rock]], [[soul]], [[Musica pop|pop]], [[funk]], [[Heavy metal|metal]] e [[Fusion (genere musicale)|fusion]], ognuno dei quali si è suddiviso in ulteriori sottogeneri. Nascono così personaggi che diventano autentici fenomeni [[Mezzo di comunicazione di massa|mediatici]] raggiungendo una popolarità senza precedenti. Gli stessi fattori, assieme alle mutate condizioni sociali ed economiche del mondo occidentale, fanno assumere estrema rilevanza agli aspetti commerciali del fenomeno musicale, aspetti che avevano iniziato ad emergere già nel secolo precedente: nel XX secolo la richiesta popolare di musica fa nascere, in occidente e nel resto del mondo, una vera e propria industria musicale di dimensioni e risorse gigantesche.
Inoltre nacquero le prime sigle di cartoni animati, una delle tante è ''[[Mimì e la nazionale di pallavolo]]''

=== Il rock ===
{{Vedi anche|Rock|Rock and roll}}
Il rock è la dizione abbreviata di [[rock and roll]] o rock'n'roll, e, da quando si affermò questa espressione abbreviata, si svilupparono diversi sottogeneri che enfatizzavano gli aspetti più aggressivi di questo genere. La parola rock si iniziò a leggere come, ''roccia,'' e, in espressioni come [[hard rock]] cioè, ''roccia dura''. Il rock'n'roll nacque negli [[Anni 1950|anni cinquanta]] come musica ballabile, derivato dal [[boogie-woogie]], ballo afro-americano del dopo guerra, il cui significato infatti, sta proprio per ''ondeggia e ruota''. Quando il rock e il rock'n'roll si differenziarono, cioè da quando appunto non furono più sinonimi, solo la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere. Storicamente un gruppo, o una [[Gruppo musicale|band]] è formata da una voce, una o più [[chitarra|chitarre]], il [[basso elettrico|basso]] e la [[Batteria (strumento musicale)|batteria]], spesso con l'inserimento di [[pianoforte]] o [[sassofono]]. Negli anni settanta, soprattutto nel [[Regno Unito]], si affacciarono artisti come i [[Pink Floyd]], [[Arthur Brown]] e [[Soft Machine]], pronti a spaziare e a raggiungere nuove melodie musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, creatività che diede inizio ad una rivoluzione. In questa rivoluzione venne coinvolta anche la tecnologia, che con il [[sintetizzatore]], il [[moog]], il [[mellotron]], strumenti elettronici che iniziarono a dare vita a forme compositive sempre più complesse e a sonorità completamente nuove. Lo sviluppo del rock ha condotto alla creazione di sottogeneri anche molto diversi tra di loro, che spaziano dalla ricerca virtuosistica e alla complessità compositiva del [[Rock progressivo|progressive]], al diretto minimalismo del [[Punk rock|punk]], passando per l'[[heavy metal]], caratterizzato da ritmi aggressivi, e tematiche che spaziano dalla violenza anarchica alla lotta per la libertà, dai racconti storico-tragici al fantasy, dalla futilità della guerra alla condanna degli orrori del genere umano. Questi sottogeneri spesso svolgono un ruolo importante nella ricerca giovanile di una propria identità, finendo dunque col legarsi a sottoculture preesistenti o, addirittura, con il crearle.

===La musica elettronica===
{{vedi anche|Musica elettronica}}

In seguito all'invenzione delle primissime apparecchiature tecnologiche avvenute nel corso del Novecento, vennero fondati, a partire dalla seconda metà degli anni quaranta, i primi studi di registrazione dedicati alla musica elettronica.<ref>Jean-Jacques Nattiez, Enciclopedia della Musica I - il Novecento, Einaudi, 2011, 337-338, 413-417.</ref> I musicisti che vi operavano erano tutti autori di composizioni d'avanguardia [[Atonalità|atonali]] e concettualmente legate alla musica contemporanea. Fra essi, i più importanti includono [[John Cage]], [[Pierre Henry]], e [[Karlheinz Stockhausen]].  A partire dagli anni sessanta, l'aumento della produzione di apparecchiature elettroniche, e la conseguente ''popolarizzazione'', permise alle sonorità prodotte dalle nuove tecnologie di influire su un numero sempre crescente di stili di musica popolare, come avvenne con la musica dub ed il reggae. Fra essi vanno segnalati almeno il [[krautrock]], stile sperimentale emerso in Germania lungo la prima metà degli anni settanta<ref>Progressive & Underground (Cesare Rizzi, Giunti, 2003) pag. 8</ref> e comprendente fra i suoi esponenti gli influentissimi [[Kraftwerk]],<ref>Cesare Rizzi, Enciclopedia Rock Anni '80, Arcana Editrice, 2002, pp. 295</ref> il [[synth pop]], uno dei primi stili melodici suonati con tecnologie elettroniche, la [[musica house]], e la [[techno]].

== Note ==
<references/>

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* [[Salvino Chiereghin]], ''Storia della musica italiana - Dalle origini ai nostri giorni'', [[Vallardi (editore)|Vallardi]], Milano, 1937
* Salvino Chiereghin, ''Musica, divina armonia'', [[Società Editrice Internazionale]], Torino, 1953
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* Eugenio Raneri, ''Storia della musica antica - Dall'Antichità al Settecento'', Edizioni del Faro, Trento, 2019, ISBN 978-88-6537-707-9
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* Martin Litchfield West, "The Babylonian Musical Notation and the Hurrian Melodic Texts", Music & Letters, Vol. 75, No. 2 (May, 1994), pp. 161-179.
* Alessandro Zignani, ''Il suono rivelato. Una Storia della Musica'', Varese (2010), [[Zecchini Editore]], pp.&nbsp;IV+188, ISBN 978-88-6540-004-3

== Voci correlate ==
* [[Musica del XX secolo]]
* [[Musica tradizionale]]
* [[Musica classica]]
* [[Musicologia]]
* [[Storia dei supporti musicali]]
* [[Teoria della musica]]

== Altri progetti ==
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