Bozza:Whaam!

Whaam! (in italiano Wow!) è un dittico dipinto del 1963 dell'artista statunitense Roy Lichtenstein. È una delle opere più conosciute della pop art e tra i dipinti più importanti di Lichtenstein. Whaam! fu esposto per la prima volta alla Leo Castelli Gallery di New York nel 1963 e acquistato dalla Tate Gallery di Londra nel 1966. È esposto permanentemente alla Tate Modern dal 2006.

Il pannello di sinistra mostra un aereo da caccia che lancia un razzo che, nel pannello di destra, colpisce un secondo aereo che esplode in fiamme. Lichtenstein ha adattato l'immagine da diverse vignette di fumetti, la cui fonte principale è una vignetta illustrata da Irv Novick da un fumetto di guerra del 1962. Lichtenstein ha trasformato la fonte presentandola come un dittico alterando il rapporto tra gli elementi grafici e narrativi. Whaam! è considerato per l'integrazione temporale, spaziale e psicologica dei suoi due pannelli. Il titolo del dipinto è parte integrante dell'azione e dell'impatto del dipinto ed è visualizzato in una grande onomatopea nel pannello di destra.

Lichtenstein ha studiato come artista prima e dopo aver prestato servizio nell'esercito degli Stati Uniti durante la seconda guerra mondiale. Ha praticato esercitazioni antiaeree durante l'addestramento di base ed è stato inviato per l'addestramento dei piloti, ma il programma è stato annullato prima dell'inizio. Tra gli argomenti che affrontò nel dopoguerra c'erano il romanticismo e la guerra. Ha rappresentato il combattimento aereo in diverse opere. Whaam! fa parte di una serie sulla guerra a cui lavorò tra il 1962 e il 1964 e, insieme ad As I Opened Fire (1964), è uno dei suoi due grandi dipinti a tema bellico.

Sfondo

Nel 1943 Lichtenstein lasciò i suoi studi di pittura e disegno presso la Ohio State University per prestare servizio nell'esercito degli Stati Uniti, dove rimase fino al gennaio 1946. Dopo aver frequentato programmi di formazione per lingue, ingegneria e pilotaggio, che furono tutti cancellati, prestò servizio come ordinato, disegnatore e artista in ruoli non combattenti.  Uno dei suoi compiti a Camp Shelby era l'ingrandimento dei cartoni animati a stelle e strisce di Bill Mauldin.  Fu inviato in Europa con un battaglione di ingegneri, ma non vide combattimenti attivi.  Come pittore, alla fine scelse uno stile astratto-espressionista con elementi parodisti.  Intorno al 1958 iniziò a incorporare immagini nascoste di personaggi dei cartoni animati come Topolino e Bugs Bunny nelle sue opere astratte.

Una nuova generazione di artisti emerse tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60 con un approccio più oggettivo e "cool" caratterizzato dai movimenti artistici conosciuti oggi come minimalismo,  pittura hard-edge,  pittura a colori,  il movimento neo-Dada,  Fluxus,  e la pop art, che ridefinirono l' arte contemporanea d'avanguardia dell'epoca. La pop art e il neo-Dada hanno reintrodotto e cambiato l’uso delle immagini appropriandosi di argomenti provenienti dall’arte commerciale, dai beni di consumo, dalla storia dell’arte e dalla cultura tradizionale.  Lichtenstein ottenne il riconoscimento internazionale negli anni '60 come uno degli iniziatori del movimento pop art in America.  Riguardo al suo uso delle immagini, il curatore del MoMA Bernice Rose ha osservato che Lichtenstein era interessato a "sfidare il concetto di originalità prevalente a quel tempo".

I primi lavori di Lichtenstein basati sui fumetti come Look Mickey si concentravano su personaggi animati popolari. Nel 1963 passò ad argomenti più seri e drammatici, concentrandosi tipicamente su situazioni romantiche o scene di guerra.  I fumetti come genere erano tenuti in scarsa considerazione all'epoca. L'antipatia del pubblico portò nel 1954 all'esame dei presunti collegamenti tra fumetti e criminalità giovanile durante le indagini del Senato sulla delinquenza minorile ;  Entro la fine di quel decennio, i fumetti erano considerati materiale del "tipo commerciale e intellettuale più basso", secondo Mark Thistlethwaite del Modern Art Museum di Fort Worth.  Lichtenstein non era un appassionato di fumetti da giovane,  ma come artista fu attratto dalla sfida di creare arte basata su un soggetto lontano dalla tipica "immagine artistica". Lichtenstein  ammesso di essere "molto entusiasta e molto interessato al contenuto altamente emotivo e alla gestione distaccata e impersonale dell'amore, dell'odio, della guerra, ecc., in queste immagini dei cartoni animati".

Le opere romantiche e basate sui fumetti di guerra di Lichtenstein hanno preso soggetti eroici da piccoli pannelli di origine e li hanno monumentalizzati.  Whaam! è paragonabile per dimensioni alle tele generalmente di grandi dimensioni dipinte a quel tempo dagli espressionisti astratti.  È una delle tante opere di Lichtenstein a tema aeronautico.  Ha detto che "gli eroi raffigurati nei fumetti sono tipi fascisti, ma non li prendo sul serio in questi dipinti - forse ha senso non prenderli sul serio, un punto politico. Li uso per scopi puramente formali motivi."

Storia

Wow! adatta una vignetta di Irv Novick dalla storia di "Star Jockey" dal numero 89 di All-American Men of War della DC Comics (febbraio 1962).  L'originale fa parte di una sequenza onirica in cui l'immaginario pilota del P-51 Mustang della Seconda Guerra Mondiale Johnny Flying Cloud, "l' asso Navajo ", prevede di pilotare un caccia a reazione mentre abbatte altri aerei a reazione.  Nel dipinto di Lichtenstein, sia gli aerei attaccanti che quelli bersaglio sono sostituiti da diversi tipi di aerei. Paul Gravett suggerisce che Lichtenstein abbia sostituito l'aereo attaccante con un aereo tratto da "Wingmate of Doom" illustrato da Jerry Grandenetti nel numero successivo (#90, aprile 1962),  e che l'aereo bersaglio sia stato preso in prestito da un Russ Heath  disegno nel terzo pannello della pagina 3 del racconto "Aces Wild" nello stesso numero n. 89.  Il dipinto omette anche il fumetto della fonte in cui il pilota esclama "Il nemico è diventato una stella fiammeggiante !"

Un dipinto a olio più piccolo, su pannello singolo, di Lichtenstein dello stesso periodo, Tex!, ha una composizione simile, con un aereo in basso a sinistra che lancia un missile aria-aria contro un secondo aereo che sta esplodendo in alto a destra, con una bolla di parole.  Lo stesso numero di All-American Men of War è stato l'ispirazione per almeno altri tre dipinti di Lichtenstein, Okay Hot-Shot, Okay!, Brattata e Blam, oltre a Whaam! e Tex!  Anche lo schizzo a matita di grafite, Jet Pilot, proveniva da quel numero.  Molti degli altri lavori basati sui fumetti di Lichtenstein sono ispirati alle storie su Johnny Flying Cloud scritte da Robert Kanigher e illustrate da Novick, tra cui Okay Hot-Shot, Okay!, Jet Pilot e Von Karp.

Lichtenstein descrisse ripetutamente il combattimento aereo tra gli Stati Uniti e l' Unione Sovietica.  All'inizio e alla metà degli anni '60, produsse sculture di "esplosioni", prendendo soggetti come il "rilascio catastrofico di energia" da dipinti come Whaam! e raffigurandoli in forme indipendenti e in rilievo.  Nel 1963, stava parodiando una varietà di opere d'arte, dalla pubblicità e dai fumetti ai capolavori moderni di " alta arte " di Cézanne, Mondrian, Picasso e altri. A quel tempo, Lichtenstein notò che "le cose che apparentemente ho parodiato le ammiro davvero".

La prima mostra personale di Lichtenstein si tenne alla Leo Castelli Gallery di New York City, dal 10 febbraio al 3 marzo 1962. Fece tutto esaurito prima dell'apertura.  La mostra comprendeva Look Mickey, Engagement Ring, Blam e Il frigorifero.  Secondo il sito web della Fondazione Lichtenstein, Whaam! faceva parte della seconda mostra personale di Lichtenstein alla Galleria Leo Castelli dal 28 settembre al 24 ottobre 1963, che comprendeva anche Drowning Girl, Baseball Manager, In the Car, Conversation e Torpedo...Los!  Il materiale di marketing per lo spettacolo includeva la grafica litografica, Crak!

Il sito web della Fondazione Lichtenstein afferma che Lichtenstein iniziò a utilizzare la tecnica del proiettore opaco nel 1962.  nel 1967 descrisse il suo processo per produrre arte basata sui fumetti come segue:

Li faccio nel modo più diretto possibile. Se lavoro partendo da un cartone animato, da una fotografia o altro, disegno una piccola immagine, delle dimensioni adatte al mio proiettore opaco... Non disegno un'immagine per riprodurla, lo faccio per ricomporre it... Vado dall'avere il mio disegno quasi come l'originale fino a inventarlo del tutto.

Whaam! fu acquistato dalla Tate Gallery nel 1966.  Nel 1969, Lichtenstein donò il suo disegno iniziale in grafite su carta Drawing per ' Whaam! ', descrivendolo come uno "scarabocchio a matita".  Secondo la Tate, Lichtenstein affermò che questo disegno rappresentava la sua "prima visualizzazione di Whaam! e che fu eseguito appena prima che iniziasse il dipinto".  Sebbene avesse concepito un'opera d'arte unificata su un'unica tela, realizzò lo schizzo su due fogli di carta di uguali dimensioni, che misuravano 14,9 cm × 30,5 cm (5,9 × 12,0 pollici).  Il dipinto è stato esposto alla Tate Modern dal 2006.  Nel 2012-2013, entrambe le opere sono state incluse nella più grande retrospettiva di Lichtenstein mai esposta, visitando l' Art Institute of Chicago e la National Gallery of Art di Washington, DC., la Tate Modern di Londra e il Centre Pompidou.

Descrizione

Wow! raffigura un aereo da caccia nel pannello di sinistra che lancia un razzo contro un aereo nemico nel pannello di destra, che si disintegra in una vivida esplosione rossa e gialla. Lo stile cartoon è enfatizzato dall'uso della scritta onomatopeica "WHAAM!" nel pannello di destra e una didascalia nel riquadro giallo con caratteri neri nella parte superiore del pannello di sinistra. L'esclamazione testuale "WHAAM!" può essere considerato l'equivalente grafico di un effetto sonoro.  Questa doveva diventare una caratteristica del suo lavoro, come altri dei suoi dipinti onomatopeici che contengono esclamazioni come Bratatat! e Varoom!

Wow! è una delle serie di immagini di guerra di Lichtenstein, che tipicamente combina colori vibranti con una narrativa espressiva.  ​​Whaam! è molto grande, misura 1,7 m × 4,0 m (5 piedi 7 pollici × 13 piedi 4 pollici).  È meno astratto di As I Opened Fire, un'altra delle sue scene di guerra.  Lichtenstein impiega il suo solito stile da fumetto: immagini stereotipate in colori primari brillanti con contorni neri, abbinati a imitazioni dei punti Ben-Day della stampante meccanica.  L'uso di questi punti, inventati da Benjamin Day per simulare variazioni di colore e ombreggiature, è considerato il "metodo caratteristico" di Lichtenstein.  Wow! si discosta dai precedenti dittici di Lichtenstein come Step-on-Can with Leg e Like New, in quanto i pannelli non sono due variazioni della stessa immagine.

Parte ritagliata e modificata del disegno per ' Whaam! " (1963). Lichtenstein ha contrassegnato sezioni di "Disegno" con annotazioni di colore per il lavoro finale, come la "w" per bianco nelle lettere del titolo sopra.

Stessa porzione di lavoro finito, Whaam!, ma le lettere bianche previste erano gialle, come rappresentato sopra.

Sebbene Lichtenstein si sforzasse di rimanere fedele alle immagini originali, costruì i suoi dipinti in modo tradizionale, iniziando con uno schizzo che aggiustò per migliorare la composizione e poi proiettò su una tela per realizzare il dipinto finito.  Nel caso di Whaam!, lo schizzo è su due pezzi di carta e l'opera finita è dipinta con acrilico Magna e pittura ad olio su tela.  Sebbene la trasformazione da una concezione a pannello singolo in un dipinto a dittico sia avvenuta durante lo schizzo iniziale, il lavoro finale varia dallo schizzo in diversi modi. Lo schizzo suggerisce che il "WHAAM!" il motivo sarebbe colorato di bianco, sebbene sia giallo nel lavoro finito.  Lichtenstein ingrandisce il soggetto grafico principale di ciascun pannello (l'aereo a sinistra e le fiamme a destra), avvicinandoli di conseguenza.

Lichtenstein ha costruito l'immagine con più strati di vernice. La vernice è stata applicata utilizzando una spazzola e uno schermo metallico fatto a mano per produrre punti Ben-Day attraverso un processo che ha lasciato tracce fisiche.  La tecnica dei punti Ben-Day ha permesso a Lichtenstein di dare alle sue opere un aspetto riprodotto meccanicamente. Lichtenstein ha detto che l'opera "dovrebbe sembrare un falso, e credo che ci sia riuscito".

Lichtenstein ha diviso la composizione in due pannelli per separare l'azione dalle sue conseguenze.  Il pannello di sinistra presenta il piano d'attacco, posizionato in diagonale per creare un senso di profondità, sotto il fumetto del testo, che Lichtenstein ha relegato al margine sopra il piano.  Nel pannello di destra, l'aereo che esplode, raffigurato frontalmente, è delineato dalle fiamme, accompagnato dall'audace esclamazione "WHAAM!".  Sebbene separati, con un pannello contenente il lancio del missile e l'altro la sua esplosione, che rappresentano due eventi distinti,  i due pannelli sono chiaramente collegati spazialmente e temporalmente, non ultimo dalla scia di fumo orizzontale del missile.  Lichtenstein commentò questo pezzo in una lettera del 10 luglio 1967: "Ricordo che ero interessato all'idea di realizzare due dipinti quasi separati con pochi accenni di connessione compositiva, e ciascuno con un carattere stilistico leggermente separato. Naturalmente c'è il connessione umoristica di un pannello che spara all'altro."

Lichtenstein ha modificato la composizione per rendere l'immagine più avvincente, rendendo l'aereo che esplode più prominente rispetto all'aereo che attacca rispetto all'originale.  La scia di fumo del missile diventa una linea orizzontale. Le fiamme dell'esplosione dominano il pannello di destra,  ma il pilota e l'aereo nel pannello di sinistra sono il fulcro narrativo.  Esemplificano i dettagli scrupolosi di Lichtenstein di caratteristiche fisiche come la cabina di pilotaggio dell'aereo.  L'altro elemento del contenuto narrativo è un fumetto che contiene il seguente testo: "Ho premuto il comando di fuoco... e davanti a me dei razzi hanno attraversato il cielo..."  Questo si trova nel testo si ritiene che sia stato scritto dall'editore di All -American Men of War Robert Kanigher.  La parola gialla "WHAAM!", alterata dal rosso nella vignetta originale del fumetto e dal bianco nello schizzo a matita, collega il giallo dell'esplosione sottostante con la casella di testo a sinistra e le fiamme del missile sotto l'aereo attaccante.

I prestiti di Lichtenstein dai fumetti ne imitavano lo stile adattandone l'argomento.  Ha spiegato che "I segni e i fumetti sono interessanti come argomenti. Ci sono alcune cose che sono utilizzabili, potenti e vitali nell'arte commerciale". Rebecca Bengal della PBS ha scritto che Whaam! La chiarezza grafica di esemplifica lo stile ligne claire associato a Hergé, un fumettista di cui Lichtenstein ha riconosciuto l'influenza.  Lichtenstein era attratto dall'uso di uno stile freddo e formale per rappresentare soggetti emotivi, lasciando allo spettatore l'interpretazione delle intenzioni dell'artista.  Adottò uno schema di colori semplificato e tecniche simili alla stampa commerciale. La tecnica presa in prestito consisteva nel "rappresentare variazioni tonali con motivi di cerchi colorati che imitavano i retini mezzitoni dei punti Ben Day utilizzati nella stampa dei giornali, circondandoli con contorni neri simili a quelli usati per nascondere le imperfezioni nella carta da giornale economica".  Lichtenstein una volta disse della sua tecnica: "Prendo un cliché e cerco di organizzare le sue forme per renderlo monumentale".

Ricezione

Il dipinto fu, per la maggior parte, ben accolto dai critici d'arte quando fu esposto per la prima volta. Una recensione di Art Magazine del novembre 1963 di Donald Judd descriveva Whaam! come uno dei "quadri ampi e potenti" della mostra del 1963 alla Galleria Castelli.  Nella sua recensione della mostra, il critico d'arte del New York Times Brian O'Doherty ha descritto la tecnica di Lichtenstein come "puntinismo della macchina da scrivere... che elabora faticosamente momenti come un jet che abbatte un altro jet con un grande BLAM". Secondo O'Doherty, il risultato è stato "certamente non arte, [ma] il tempo può renderlo tale", a seconda che possa essere "razionalizzato... e messo in linea affinché il futuro venga assimilato come storia, come mostra ogni segno di fare."  La Tate Gallery di Londra acquistò l'opera nel 1966, provocando un'accesa discussione tra i suoi amministratori e alcuni membri del pubblico. L'acquisto è stato effettuato dalla mercante d'arte Ileana Sonnabend, il cui prezzo richiesto di £ 4.665 (£ 92.449 nella valuta del 2024) è stato ridotto mediante negoziazione a £ 3.940 (£ 78.081 nella valuta del 2024).  Alcuni amministratori della Tate si opposero all'acquisizione, tra cui la scultrice Barbara Hepworth, il pittore Andrew Forge e il poeta e critico Herbert Read.  Difendendo l'acquisizione, lo storico dell'arte Richard Morphet, allora assistente custode della Tate, suggerì che il dipinto affronta diverse questioni e stili pittorici allo stesso tempo: "la pittura storica, la stravaganza barocca e il fenomeno quotidiano della circolazione di massa". fumetti." Il Times nel 1967 descrisse l'acquisizione come un "dipinto molto grande e spettacolare".  Il direttore della Tate, Norman Reid, affermò in seguito che l'opera suscitò più interesse pubblico di qualsiasi altra sua acquisizione dalla seconda guerra mondiale.

Nel 1968, Whaam! è stato incluso nella prima mostra personale della Tate sull'opera di Lichtenstein.  La mostra attirò 52.000 visitatori e fu organizzata con lo Stedelijk Museum di Amsterdam,  che successivamente ospitò la mostra dal 4 novembre al 17 dicembre 1967, prima di recarsi in altri tre musei.

Analisi e interpretazione

Per José Pierre, Whaam! rappresenta l'espansione di Lichtenstein del 1963 "nella vena 'epica'".  Keith Roberts, in un articolo del Burlington Magazine del 1968, descrisse l'esplosione come una combinazione di " eleganza art nouveau con un'energia nervosa che ricorda l'espressionismo astratto".  Wendy Steiner ritiene che l'opera sia la composizione a fumetti di maggior successo e armoniosa di Lichtenstein. Per lei gli elementi narrativi e grafici sono complementari: l'azione e l'allineamento spaziale guidano l'occhio dello spettatore da sinistra a destra in modo da enfatizzare il rapporto tra l'azione e le sue conseguenze esplosive. I puntini di sospensione del fumetto di testo presentano una progressione che culmina con un "WHAAM!". La "coincidenza dell'ordine pittorico e verbale" è chiara per lo spettatore occidentale con il testo esplicativo che inizia in alto a sinistra e il vettore d'azione che si sposta dal primo piano a sinistra allo sfondo a destra, culminando in un'esplosione grafica insieme a un'esclamazione narrativa.  Steiner afferma che la sorprendente incongruenza dei due pannelli - il pannello di sinistra sembra essere "troncato", mentre quello di destra raffigura un'esplosione centralizzata - aumenta il potere narrativo dell'opera.

La tecnica di Lichtenstein è stata caratterizzata da Ernst A. Busche come "l'ampliamento e l'unificazione del suo materiale originale... sulla base di rigorosi principi artistici".  Estratta da una narrazione più ampia, l'immagine stilizzata risultante divenne in alcuni casi una "astrazione virtuale". Ricreando le loro tecniche grafiche minimaliste, Lichtenstein ha rafforzato la natura artificiale dei fumetti e delle pubblicità. L'ingrandimento da parte di Lichtenstein del suo materiale originale ha fatto sembrare i suoi motivi disegnati in modo impersonale ancora più vuoti. Busche dice anche che, sebbene in queste immagini si possa leggere una critica all'America industriale moderna, Lichtenstein "sembrerebbe accettare l'ambiente rivelato dal suo materiale di riferimento come parte della cultura industriale capitalista americana".

David McCarthy contrappose la presentazione "spassionata, distaccata e stranamente disincarnata" del combattimento aereo di Lichtenstein con il lavoro di HC Westermann, per il quale l'esperienza del servizio militare nella seconda guerra mondiale instillò il bisogno di inorridire e scioccare. Al contrario, Lichtenstein registra il suo "commento sulla civiltà americana" ingrandendo le immagini dei fumetti alte pochi centimetri alle dimensioni sovradimensionate della pittura storica.  Laura Brandon ha visto un tentativo di trasmettere "la banalizzazione della cultura endemica nella vita americana contemporanea" descrivendo una scena scioccante di combattimento come un banale atto della Guerra Fredda.

Carol Strickland e John Boswell affermano che ingrandendo i pannelli dei fumetti fino a raggiungere dimensioni enormi con punti, "Lichtenstein ha schiaffeggiato lo spettatore in faccia con la loro banalità".  HH Arnason ha notato che Whaam! presenta "colori limitati e piatti e un disegno duro e preciso", che producono "un dipinto con soggetti duri che documenta mentre parodia delicatamente le immagini familiari degli eroi dell'America moderna".  Lo stile piatto e altamente rifinito delle pennellate pianificate può essere visto come la reazione della pop art contro la scioltezza dell'espressionismo astratto.  Alastair Sooke afferma che l'opera può essere interpretata come un autoritratto simbolico in cui il pilota nel pannello di sinistra rappresenta Lichtenstein "che sconfigge i suoi concorrenti in un drammatico duello aereo nel mondo dell'arte" lanciando un missile contro la colorata "parodia di pittura astratta" nel pannello di destra.

Secondo Ernesto Priego, sebbene l'opera adatti una fonte di fumetti, il dipinto non è né un fumetto né una tavola di fumetti, e "il suo significato è esclusivamente referenziale e post hoc ". Dirige l'attenzione del suo pubblico su caratteristiche come il genere e i metodi di stampa. Visivamente e narrativamente, il pannello originale era l'elemento culminante di una composizione dinamica della pagina. Lichtenstein enfatizza l'onomatopea mentre minimizza il discorso articolato rimuovendo il fumetto. Secondo Priego, "spogliando il fumetto dal suo contesto narrativo, Whaam! è rappresentativo nel regno delle belle arti della preferenza dell'immagine-icona rispetto all'immagine-narrativa".

Whaam! a volte si dice che appartenga allo stesso genere contro la guerra di Guernica di Picasso, un suggerimento respinto da Bradford R. Collins. Collins vede invece il dipinto come una fantasia di vendetta contro la prima moglie di Lichtenstein, Isabel, concepita com'era durante la loro aspra battaglia per il divorzio (la coppia si separò nel 1961 e divorziò nel 1965).