Rock

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Rock
Origini stilistiche Rock and roll
Electric blues
British invasion
Rockabilly
R&B
Origini culturali Stati Uniti, Regno Unito, anni cinquanta e sessanta
Strumenti tipici voce, chitarra elettrica, basso elettrico, batteria, sintetizzatore, tastiera
Popolarità Elevata dagli anni cinquanta.
Sottogeneri
Alternative rock – Art rock – Musica beat – Britpop – Emo – Experimental rock – Garage rock – Glam rock – Group Sounds – Grunge – Hard rock – Heartland rock – Heavy metal – Instrumental rock – Indie rock – Jangle pop – Krautrock – Madchester – Pop rock – Power pop – Progressive rock – Proto-punk – Psychedelia – Punk rock – Rock elettronico – Soft rock – Southern rock – Stoner rock – Surf – Symphonic rock;- Rap rock
Categorie correlate

Gruppi musicali rock · Musicisti rock · Album rock · EP rock · Singoli rock · Album video rock

Il rock, o musica rock, è un genere di musica popolare, sviluppatosi negli Stati Uniti e nel Regno Unito nel corso degli anni cinquanta e sessanta del Novecento.[1] È un'evoluzione del rock and roll,[1] ma trae le sue origini anche da numerose altre forme di musica delle decadi precedenti, come il rhythm and blues e il country, con eventuali richiami anche alla musica folk. Musicalmente, il rock è incentrato sull'uso della chitarra elettrica, solitamente accompagnata, in un gruppo rock, dal basso elettrico e dalla batteria.

Negli anni il termine rock è diventato un termine generico utilizzato per indicare una grande varietà di sottogeneri musicali che si sono sviluppati nel corso del tempo.[2] A partire degli anni sessanta in poi, la musica rock si è infatti diramata in una enorme varietà di sottogeneri: si è mescolata con il blues per dar vita al blues rock ed al southern rock, poi con il jazz ed altre forme di musica orchestrale per creare la fusion ed il rock progressivo. Allo stesso tempo, il rock ha anche incorporato influenze dal soul, dal funk e dalla musica latina. Nel corso degli anni sono nati altri generi derivati come il pop rock, l'hard rock, il rock psichedelico, il glam rock, l'heavy metal, e il punk rock. Gli anni ottanta hanno visto sbocciare il filone new wave, l'hardcore punk, il rock elettronico e l'alternative rock, mentre negli anni novanta si è assistito alla diffusione del grunge, del britpop, dell'indie rock e del post-rock.[3]

La musica rock ha inoltre contribuito al diffondersi di movimenti culturali e sociali, portando alla nascita di sottoculture come i mod e i rocker nel Regno Unito e la controcultura hippie, che, da San Francisco, si diffuse negli Stati Uniti negli anni sessanta. In modo analogo, la cultura punk degli anni settanta ha poi portato alla nascita delle sottoculture goth ed emo. Continuando la tradizione folk delle canzoni di protesta, il rock è stato legato all'attivismo politico ed è stato spesso visto come l'espressione della rivolta giovanile contro il consumismo e il conformismo.

Caratteristiche[modifica | modifica wikitesto]

I Red Hot Chili Peppers rispondono alla tradizionale formazione di quattro persone per una rock band: da sinistra a destra, nella foto, vi sono il bassista, il cantante, il batterista e il chitarrista.

Le sonorità del rock si improntano prevalentemente sull'utilizzo di strumenti elettrici, in particolare la chitarra elettrica,[4] che in genere viene accompagnata da una sezione ritmica costituita da basso elettrico[5] e batteria.[6] Dagli anni settanta e poi sempre più frequentemente hanno iniziato a fare la loro comparsa anche gli strumenti a tastiera, in particolare le tastiere elettroniche.[7] Altri strumenti di contorno, ad esempio il sassofono e l'armonica a bocca, sono usati per lo più in qualità di solisti. Nelle composizioni più elaborate, o nelle ballad, sono talvolta presenti arrangiamenti per archi ed ottoni.

La maggior parte delle formazioni rock sono composte da quattro elementi, un quartetto solitamente formato da un chitarrista, un cantante, un bassista ed un batterista. Esistono comunque anche formazioni più articolate, di cinque o più elementi, o meno articolate, con due o tre elementi soltanto. La ripartizione dei ruoli non rispetta inoltre uno standard e uno stesso musicista può ricoprire più ruoli all'interno di un gruppo musicale.

La musica rock è tradizionalmente costruita su semplici ritmi non sincopati in 4/4, tendenzialmente ripetitivi e con accento sul secondo e quarto movimento.[8] Le melodie spesso sono derivate da vecchi modelli musicali, per es. quello dorico e altri simili. Le armonie spaziano ampiamente, fino a progressioni dissonanti. Soprattutto negli anni 60 è forte la derivazione da blues e folk.[9]

Le origini: il rock and roll[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Rock and roll.

Nato attraverso l'incontro delle diverse tradizioni musicali di origine africana ed europea,[10] l'origine del rock and roll sta nella "Race music" e nella musica hillbilly (più tardi chiamata rhythm and blues e country), tra gli anni quaranta e cinquanta.[11] Particolarmente significative sono state le influenze jazz, blues, boogie-woogie, country, folk e gospel.

Big Joe Turner è stato uno dei precursori e il suo album del 1939, Roll 'Em Pete, è molto vicino al rock and roll degli anni cinquanta, così come lo è stata Sister Rosetta Tharpe, che ha ottenuto successi nelle classifiche pop nel 1938 con le sue canzoni gospel, come This Train e Rock Me, e nel 1940 con Strange Things Happenin' Every Day, Up Above My Head e Down by the Riverside.[12][13]

Altri dischi significativi degli anni quaranta e dei primi anni cinquanta furono Good Rocking Tonight di Roy Brown (1947), Move It On Over di Hank Williams (1947), Chicken Shack Boogie di Amos Milburn (1947), Rock the Joint di Jimmy Preston (1947), The Fat Man di Fats Domino (1949) e How High the Moon di Les Paul e Mary Ford (1951).[14][15][16][17]

Secondo lo storico della musica Peter Guralnick, la prima registrazione di rock and roll fu Rocket 88, di Jackie Brenston and his Delta Cats (scritta dal diciannovenne Ike Turner) e registrata da Sam Phillips per l'etichetta Sun Records nel 1951.[18] Altre registrazioni dello stesso periodo si contendono il primato.[12] Altri hanno considerato titoli di maggior successo presso il pubblico bianco, come Rock Around the Clock di Bill Haley and His Comets, Great Balls of Fire e Bo Diddley/I'm a Man di Bo Diddley, o Maybellene e Roll over Beethoven di Chuck Berry. La rivista Rolling Stone ha sostenuto nel 2004 che That's All Right (Mama) di Elvis Presley (1954), il primo ed unico registrato dal cantante per la Sun Records di Memphis, è stato il primo album rock 'n' roll[19] ma, al tempo stesso, Shake, Rattle & Roll di Big Joe Turner, successivamente oggetto di cover da parte di Haley, era già nella Hot R&B/Hip-Hop Songs.[20] Significativi nel suono del rock and roll furono anche Little Richard, Chuck Berry e Jerry Lee Lewis, che con brani come Tutti Frutti, Long Tall Sally, Lucille, Great Balls of Fire e Whole Lotta Shakin' Goin' On hanno portato il rock 'n' roll alle sue massime espressioni di musica bianca e nera.

Folksinging e cantautorato: il folk revival[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Folk rock.
A black and white photograph of Joan Baez and Bob Dylan singing while Dylan plays guitar
Joan Baez e Bob Dylan nel 1963

In America figure chiave del genere furono Pete Seeger, Woody Guthrie e dopo di loro, negli anni sessanta, figure come Bob Dylan e Joan Baez, che mischiarono la politica con il folk,[21] con testi politicamente impegnati, vicini alla corrente progressista.

Il suono è caratterizzato da armonie vocali povere e un approccio agli strumenti elettrici relativamente scarno e privo di effetti e distorsioni incarnato dal suono del chitarrista dei Byrds Roger McGuinn. Il repertorio pesca nella tradizione folk e country ma anche da alcuni cantautori di matrice folk come Bob Dylan. Emblematico il primo album dei Byrds Mr. Tambourine Man, una canzone di Dylan del 1965 compleatmente riarrangiata con chitarre acustiche e folk, e il caratteristico jingle-jangle un arpeggio venato di dissonanze. Sempre in quell'anno Dylan pubblicò "Like a Rolling Stone", che coniuga sonorità folk e rock.

A New York nacque il sodalizio di Simon & Garfunkel, la cui The Sound of Silence, prima acustica e poi remixata con chitarra elettrica e batteria, rappresenta il loro primo grande successo.

Il Folk rock americano influenzò direttamente artisti britannici come i Fairport Convention di Richard Thompson e Ashley Hutchings ai quali nel 1967 si aggiunge la cantante Sandy Denny e nel 1968 Pentangle di John Renbourn e Bert Jansch con Jacqui McShee alla voce. Nel 1969 Ashley Hutchings, bassista e cantante dei Fairport Convention, fonda insieme a Terry Wood (The Pogues) un proprio gruppo di folk revival: gli Steeleye Span che riusciranno in una perfetta fusione tra il rock e la musica tradizionale inglese, che li farà anche andare in classifica sia negli U.S.A. che in Gran Bretagna.

Il rock anni sessanta: rock blues, beat & mods[modifica | modifica wikitesto]

La British Invasion[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: British invasion.

Negli anni cinquanta l'America e la sua "nuova generazione" cercavano nuovi modi di esprimersi e di intendere il rock and roll. La musica surf era ormai stata influenzata dall'avvento di Elvis Presley e verso la fine degli anni cinquanta il pubblico era aperto a nuove mode e nuove tendenze.[22] Nei primi anni sessanta iniziavano già a sentirsi le prime chitarre distorte e i primi urlatori del rock and roll.

Il rock and roll americano ebbe un grosso impatto in tutto il mondo, ma probabilmente le influenze maggiori si fecero sentire nel Regno Unito. Innumerevoli giovani inglesi ascoltavano il rhythm and blues e i pionieri del rock, iniziando a formare i loro gruppi. La Gran Bretagna divenne velocemente un nuovo centro del rock and roll, portando al fenomeno detto British Invasion (Invasione britannica in italiano) dal 1958 al 1969.[23]

Già nei primi anni sessanta, i gruppi inglesi dominavano la scena rock'n'roll mondiale. Iniziarono registrando nuove versioni di canzoni di origine statunitense, poi continuarono con composizioni originali.

The Beatles nel 1965

Primi fra tutte le band inglesi, i Beatles, la band più ammirata, celebre e discussa della storia della musica contemporanea, spopolarono negli Stati Uniti e nel mondo intero (fenomeno detto della Beatlemania) e portarono in classifica i generi già inventati dagli altri gruppi (tra cui il rock psichedelico e il folk rock dei Byrds).[24][25]

Pur non essendo la prima band inglese a sbarcare in America, i Beatles aprirono la strada all'Invasione con la loro prima visita negli Stati Uniti nel 1964 (con la storica apparizione alla trasmissione televisiva Ed Sullivan Show).

Altri gruppi ricercavano soltanto il rock crudo e veloce ponendo la voce da "bambino arrabbiato" come alternativa all'ormai superato Elvis Presley che nella metà degli anni sessanta era ormai apprezzato soltanto dalla vecchia generazione e da qualche irriducibile fan.

I Rolling Stones durante un concerto al Chicago Stadium nel 1975.

I britannici Rolling Stones diedero una grande svolta alla musica già con i primi dischi, ponendo in risalto le chitarre e la batteria incalzante, con ritmi semplici ma incisivi, unendo blues e puro garage rock; tutto appariva incredibilmente giovane e fresco, tanto che già nel 1965 centinaia di gruppi seguivano le orme degli Stones.

Il fenomeno Stones e Beatles si estese nel 1966 quando innumerevoli gruppi, ognuno con caratteristiche proprie, portavano alla luce tutti i sentimenti di ribellione che erano nell'aria in quei tempi in America. Nacquero generi come il garage rock (con un suono molto ruvido e considerato il progenitore del punk rock) e il freakbeat, di indubbia influenza Beatles, ma il tutto appariva incredibilmente nuovo.[23]

Tra gli iniziatori sono da considerare anche i Kinks, gruppo inglese che incise la prima canzone hard rock (You Really Got Me) nel 1964, i Cream, i Moody Blues, gli Animals e gli Yardbirds.

Tra gli altri gruppi inglesi di grande successo negli anni sessanta si ricordano anche gli Small Faces e i Who.[26]

Garage rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Garage rock.

Il garage rock è una forma di rock and roll più grezza, nata negli Stati Uniti verso la prima metà degli anni sessanta come evoluzione della musica americana degli anni cinquanta, sotto l'influenza di artisti come gli Wailers di Tacoma, che avevano destrutturato ed estremizzato il rhythm & blues.[27][28] Un errore molto frequente è quello di identificare la nascita del garage rock americano come conseguenza della British invasion. Già nel 1963, un anno prima che i Beatles approdassero a New York, gruppi come i Kingsmen e i Trashmen avevano pubblicato singoli come Louie Louie e Surfin Bird.[29][30][31]

Molte delle scene locali statunitensi finiranno per divenire sinonimo di uno stile ben preciso: la California e il Texas (ognuna con soluzioni stilistiche ben diverse) saranno più psichedeliche,[32] Boston più morbida e raffinata, Seattle più aggressiva e sporca, Detroit poi farà genere a sé grazie a The Stooges e MC5 e al loro essere diversi da qualsiasi cosa in circolazione.

Blues rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Blues rock.
Eric Clapton in concerto a Barcellona nel 1974

Il Blues Rock (o rock blues) è un genere di musica rock che combina elementi di quest'ultimo con forti influenze del blues. Il blues rock cominciò a svilupparsi come genere originale a sé stante sin dalla metà degli anni sessanta, attraverso le sonorità di band come i Rolling Stones (che a loro volta traevano spunto da vecchi maestri quali Elmore James, Howlin' Wolf, e Muddy Waters).

Il genere è caratterizzato da improvvisazioni blueseggianti, jam focalizzate sugli assolo di chitarra elettrica, spesso un sound "pesante" che riprende il tradizionale Chicago Blues.

Il genere originariamente britannico, con artisti del calibro di Mayall e Alexis Korner, forma la base per Free, Savoy Brown e le prime incarnazioni dei Fleetwood Mac, mentre gli americani Johnny Winter, Paul Butterfield e i Canned Heat ne furono i susseguenti pionieri.

Da questo genere musicale discendono vari movimenti, come l'hard rock degli anni settanta, ovvero l'estremizzazione del blues rock. Un esempio sono i Led Zeppelin, che già nel loro primo disco manifestano l'influenza di artisti blues come Willie Dixon, per poi spostarsi verso sonorità più dure, tipiche del rock, ponendo le basi per tutto il successivo rock duro britannico.

La scena della West Coast: psichedelia e country[modifica | modifica wikitesto]

Surf music[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Surf music.
I Beach Boys durante il famoso "Lost concert" (Sacramento, California, 1964).

La surf music era una forma di rock strettamente associata alla cultura del surf, la cultura giovanile nata in quel periodo sulle spiagge della California meridionale.[33] Pur essendo un genere suonato da musicisti bianchi e diretto a un pubblico bianco, il surf fu profondamente influenzato dalla musica nera.[34] La prima ondata di surf rock fu lanciata da Dick Dale ed il suo singolo Let's Go Trippin. Il singolo ebbe un successo considerevole ma limitato alla California; in seguito, tuttavia, ispirò altre band come The Chantays e Surfaris.[35][36] La seconda ondata del Surf è stata condotta dai Beach Boys, che aggiunsero nel Surf lo stile Pop dei Four Freshmen ai ritmi di base di Chuck Berry. Gruppi come Jan & Dean e Ronny & the Daytonas si ispirarono alla corrente Surf, ma i Beach Boys sono considerati da molti l'ultima band Surf, semplicemente perché, assieme alla musica, conservarono i testi trattanti il Surf e la spiaggia.

Psychedelic rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Rock psichedelico.
Jimi Hendrix dal vivo al Gröna Lund di Stoccolma, Svezia, il 24 maggio 1967

Con la nascita della psichedelia una grossa fetta del rock attinse alle nuove ricerche dello scrittore e psicologo Timothy Leary sugli effetti artistici dell'assunzione di nuove droghe naturali come il peyote o sintetizzate in laboratorio come l'LSD.[37]

Il movimento nacque negli Stati Uniti con gruppi come Byrds, Grateful Dead, Jefferson Airplane ma il successo commerciale del genere venne sigillato dai Beatles nel 1967 con il disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band e taluni nelle iniziali della canzone Lucy in the Sky with Diamonds hanno creduto di leggere la sigla LSD, fatto tra l'altro mai ufficialmente smentito dai Beatles.[38][39]

I Jefferson Airplane nel 1967

I Jefferson Airplane erano un gruppo aperto ai più svariati contributi, nei loro dischi ci sono ospiti come Crosby, Stills o Jerry Garcia, il chitarrista dei Grateful Dead. Fecero proprie versioni di brani come Wooden Ships e Triad di Crosby. La formazione base rimase pressoché invariata, Grace Slick la cui voce calda rimase sempre una delle caratteristiche dei Jefferson Airplane (anche quando si trasformarono in Jefferson Starship), il chitarrista-cantante Paul Kantner nonché marito di Grace Slick, che compose la maggior parte dei brani suonati dal gruppo, Jorma Kaukonen alla chitarra solista e Jack Casady al basso. I componenti del gruppo avevano la libertà di intraprendere anche strade proprie, infatti il chitarrista Jorma Kaukonen svela nell'album solista Quah tutte le sue doti di virtuoso della chitarra. In seguito lo stesso Kaukonen, insieme al bassista Jack Casady, formarono un gruppo parallelo ai Jefferson, gli Hot Tuna, che cercava di portare avanti la fusione tra west coast e country blues.

Frank Zappa in concerto (1975)

Nell'underground americano nacquero alcuni tra i più grandi esponenti del rock, come Captain Beefheart, Frank Zappa e Tim Buckley. Definibili come "i tre freak", modificarono il rock fino a renderlo una musica universale: Captain Beefheart (un ottimo cantante rock), soprattutto nel suo capolavoro Trout Mask Replica, non teneva conto dell'armonia e delle regole convenzionali che caratterizzavano allora la musica, tanto che alcuni suoi brani erano privi di un ritmo definito, altri chiaramente stonati, e la sua voce veniva utilizzata in maniera grottesca; Frank Zappa miscelò tutti i generi musicali inventati nel XX secolo: jazz, rock, blues, elettronica, il tutto influenzato a volte dal suo amico, nonché rivale, Captain Beefheart. Tim Buckley, uno fra i più apprezzati cantanti rock mai esistiti, con la sua voce dal timbro caratteristico, diede del rock una sua versione cerebrale e malinconica. Captain Beefheart fu il primo musicista che compose alcune opere giudicate come capolavori (Trout Mask Replica, Safe As Milk, Mirror Man) senza essere un intellettuale, tanto che spesso oggi rimane incompreso, così come Tim Buckley. Captain Beefheart, morto nel dicembre del 2010 a 69 anni, rimase per lungo tempo l'unico superstite tra i tre freak, pur avendo abbandonato le scene musicali nella metà degli anni ottanta dedicandosi alla pittura (divenendo uno dei più grandi pittori dell'arte contemporanea). Frank Zappa morì di cancro nel 1993 mentre Tim Buckley morì di overdose negli anni settanta, lasciando al mondo un figlio che non conobbe mai, Jeff Buckley.

Lou Reed, leader dei Velvet Underground

Tra i più importanti "intellettuali" del rock si possono annoverare i Velvet Underground. I quattro componenti del gruppo: Lou Reed, autore dei testi, chitarrista e cantante, John Cale, violista e bassista, Sterling Morrison, chitarrista, e Maureen Tucker, donna batterista, cambiarono radicalmente la definizione di rock. Autori di soli 4 album, i Velvet Underground scrissero due pietre miliari del rock, The Velvet Underground & Nico e White Light/White Heat. The Velvet Underground & Nico venne ignorato dalla critica del tempo, essendo al di fuori di tutti i canoni del rock, e il suo merito fu riconosciuto decenni più tardi. Dopo questi due album Lou Reed cacciò dalla band John Cale accusandolo di accanito sperimentalismo (Heroin ne è un esempio, con assolo caotico, rumoroso, paranoico, dissonante di viola elettrica), e Cale venne sostituito con un organista meno "problematico". I Velvet Underground si sciolsero nella prima metà degli anni settanta; si riformarono negli anni novanta in occasione di alcuni concerti dal vivo, ma dopo la morte del chitarrista Sterling Morrison si sciolsero definitivamente. Il leader della formazione originale, ovvero Lou Reed, dopo l'abbandono del gruppo nei primi anni settanta, diede il via a una prolifica carriera da solista, divenendo una delle figure più influenti della musica e del costume contemporanei[40][41].

Occorre infine citare Hendrix, uno dei più grandi chitarristi della storia della musica, il quale aggiunse al rock un autentico virtuosismo.

Il successo del festival di Woodstock, nell'estate del 1969, fu la consacrazione della nuova cultura giovanile: mezzo milione di persone si riunì per tre giorni, ritrovandosi a condividere, grazie a un concerto, passioni politiche, gioie e problemi nel segno del folk di Joan Baez e Bob Dylan (anche se non partecipò al festival), ma anche e soprattutto della nuova musica rock (fra gli altri The Who, Jimi Hendrix, Ten Years After).[42]

I Doors durante il Fantasy Fair and Magic Mountain Music Festival nel 1967

Altro gruppo imprescindibile furono i Doors, storico gruppo rock californiano autore di indimenticabili melodie e testi interessanti anche da un punto di vista letterario e poetico, grazie al genio di Jim Morrison, voce del gruppo. Tra i lavori vanno segnalati l'esordio omonimo, il successivo Strange Days, Waiting for the Sun, Morrison Hotel, che contiene la stupenda Roadhouse Blues e l'ultimo lavoro in studio di registrazione della band, che prende il nome L.A. Woman, omaggio poetico e triste di Jim Morrison alla città di Los Angeles.

L'inasprimento della guerra del Vietnam portò gruppi e cantanti americani a un atteggiamento più politicizzato rispetto agli inglesi, forse anche per i rapporti con i rappresentanti della Beat Generation stanziatisi ormai da anni a San Francisco.

Gli anni settanta si aprirono con una serie di morti eccellenti che, loro malgrado, costituirono un discrimine fra il rock degli anni sessanta e quello degli anni settanta (Jimi Hendrix morto a Londra nel settembre del 1970; Janis Joplin morta a Los Angeles nell'ottobre del 1970; Jim Morrison dei Doors morto a Parigi il 3 luglio dell'anno successivo). La prima morte eccellente nella storia della musica rock era stata sicuramente quella, dell'anno precedente, di Brian Jones, fondatore e polistrumentista dei Rolling Stones. Morì probabilmente assassinato nella piscina della sua villa intorno alla mezzanotte del 3 luglio 1969, dopo una tumultuosa vita di eccessi in stile Sesso, Droga & Rock and Roll. Queste morti furono dovute all'abuso di sostanze come l'alcool, i barbiturici e le droghe pesanti (eroina e cocaina).

Jazz rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: fusion.

Il Jazz rock, chiamato anche Jazz rock fusion o semplicemente fusion, è emerso alla fine degli anni sessanta e primi settanta che combina elementi di jazz, rock e funk[43]. Questo stile coniuga, cioè "fonde", da cui la denominazione fusion, stilemi tipici del jazz ad una strumentazione tipicamente rock dove gli strumenti elettrici, le tastiere e la strumentazione elettronica in generale hanno un ruolo predominante nel determinare il suono. La contaminazione avviene anche a livello stilistico, sia nell'accompagnamento, dove linee tipicamente funk tendono a sostituirsi ai più tradizionali accompagnamenti jazz, sia, più in generale, nella struttura del pezzo.

Molti critici ritengono che le prime incisioni fusion siano Hot Rats di Frank Zappa (1969) e i due dischi In a Silent Way (1969) ed il doppio album Bitches Brew (1970) di Miles Davis. Tra i protagonisti che seguirono, uno dei gruppi più rappresentativi di questo genere sono i Weather Report di Wayne Shorter e del tasterista austriaco Joe Zawinul, band fondata in Australia nel 1969.

West Coast rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Roots rock, Country rock, West Coast (rock) e Soft rock.
Crosby Stills e Nash nell'agosto 1974

Il suono della California non è rappresentanto soltanto dal rock psichedelico di San Francisco: nella seconda metà degli anni sessanta si sta formando un nuovo "West Coast Rock". Fra i primi esponenti di questo nuovo sound c'è il supergruppo Crosby, Stills, Nash & Young fu formato da artisti specializzati nel repertorio folk-rock. Inizialmente formato da Crosby, Stills & Nash, durante il Festival di Woodstock il trio californiano diventa un quartetto con la presentazione sul palco del Festival del nuovo membro della formazione Neil Young. Crosby era l'anima musicale, il suo disco da solista If I Could Only Remember My Name rivela le sue grandi capacità tecniche, ed è un esempio di partecipazione allargata: sono ospiti Graham Nash, i Jefferson Airplane, Joni Mitchell (anche lei canadese approdata in California come Young) e molti altri protagonisti della west coast. Stephen Stills rappresentava, insieme a Neil Young, il rock più duro, arrabbiato e spesso politicizzato (ne sono un esempio brani come Ohio di Young sugli studenti morti negli scontri all'università dello Stato dell'Ohio, o anche Chicago di Nash sugli scontri tra i pacifisti e la polizia durante il Congresso del Partito Democratico), che fanno parte di una lista molto più lunga di altri pezzi di denuncia sociale come Southern Man o Alabama, sempre di Neil Young. Graham Nash, al contrario, da buon inglese, era il poeta sognante del disimpegno, le sue canzoni leziose furono molto apprezzate da Crosby insieme al quale inciderà un disco intitolato semplicemente Graham Nash/David Crosby. Neil Young, considerato il menestrello delle pianure canadesi, con la sua grande personalità sarà l'unico del gruppo a continuare in una lunga carriera da solista, con album di notevole successo come Harvest, dopo lo scioglimento del quartetto Crosby, Stills, Nash & Young. Un buon esempio delle diverse anime del gruppo è l'album doppio Four Way Street, un live diviso in due parti distinte una elettrica l'altra acustica.

Nella West Coast californiana un certo giro di gruppi legati al movimento hippie si avvicinarono e spesso si fusero con il country e nacque il country rock che prese una strada diversa dal resto del rock.[44][45] Fra i gruppi che diedero avvio al genere sono da citare i californiani Creedence Clearwater Revival, che unirono il tradizionale rock and roll con folk, country e blues, risultando fra le band più influenti della fine degli anni sessanta.[46] Ad essi si aggiungono altri artisti californiani Ry Cooder, Bonnie Raitt e Lowell George,[47] che influenzarono le opere di star affermate come i Rolling Stones (Beggars Banquet) e i Beatles (Let It Be).

Gli Eagles durante il loro Long Road out of Eden Tour

Nel 1968 Gram Parsons si unì ai Byrds per registrare Sweetheart of the Rodeo (1968), considerato uno degli album più influenti del genere.[48] I Byrds continuarono sulla stessa strada, ma Parsons lasciò il gruppo insieme a Chris Hillman per formare i The Flying Burrito Brothers, che contribuirono a definire le caratteristiche del genere.[48] A capitalizzare l'intuizione di Gram Parsons sono gli Eagles, autori del più grande successo commerciale per il country rock con Their Greatest Hits (1971-1975).[49] La loro Hotel California del 1976 certificò, in modo metaforico, la scomparsa definitiva dello spirito hippie.[50]

Gli ZZ Top affondano le sue radici nel blues suonato però in maniera chiassosa, con tempi incalzanti e moltissima energia (considerato un chiaro atteggiamento texano), ma gli LP che danno loro la fama fanno utilizzo di suoni che appartengono più alla sfera della musica elettronica e pop che non propriamente al blues. Pur avendo iniziato la carriera negli anni settanta, raggiungono il successo verso la metà degli anni ottanta con LP come Eliminator e Afterburner.

Fra gli appartenenti al genere della West Coast si possono annoverare anche Peter Frampton, i Fleetwood Mac, Carole King, Joni Mitchell, James Taylor e Neil Young. Tra i gruppi antesignani di quello che sarà chiamato Adult Oriented Rock sono da segnalare i Journey (formatisi nel 1973).

Rock strumentale e teatralità: progressive e glam[modifica | modifica wikitesto]

Progressive canonico[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Rock progressivo.

A Londra personaggi come Arthur Brown e i suoi Crazy World, Pink Floyd e Soft Machine cominciarono ad introdurre nella musica rock nuove atmosfere e musicisti pronti a spaziare in melodie musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo che basava la sua musica sullo schema voce-chitarra-basso elettrico e batteria.

Il rock progressivo rappresenta la progressione del rock dalle sue radici blues, di matrice americana, ad un livello maggiore di complessità e varietà compositiva, melodica, armonica e stilistica, anche mediante l'utilizzo di elementi provenienti da altre tradizioni musicali.[51] Ha come obiettivo dare alla musica una finalità estetica, renderla un'opera d'arte. È per questo che si tratta di un genere colto, che richiama continuamente la musica classica, pur essendo suonato con gli strumenti tipici del rock. Con il termine art rock si definisce la tendenza, sviluppata dal prog e da altre correnti, a trasformare il rock da musica di divertimento e svago in musica da ascoltare, conferendone un valore artistico.[52]

L'introduzione delle tastiere ebbe un ruolo fondamentale in questo cambiamento di rotta, anche se il rock duro rimase alla base di molti grandi gruppi, un esempio per tutti i Led Zeppelin. In quegli anni la musica, almeno in Gran Bretagna, prese una strada che sconvolse il modo di fare rock.

Tutti gli anni settanta furono un periodo di contaminazione musicale in cui i generi più disparati si fusero con il rock come avevano anticipato i Beatles: il country, la classica, il jazz, il blues, il folk ecc. Alla base di questa rivoluzione fu coinvolta anche la tecnologia che nel frattempo aveva introdotto nella musica strumenti come il sintetizzatore, il moog, il mellotron e altri che ebbero una grossa influenza sui tastieristi e aprirono la stagione del progressive. La maggior parte dei musicisti, inoltre, provenivano ormai dai conservatori, le melodie e le strutture delle canzoni si stavano raffinando pescando fra la cultura musicale inserimenti molto più arditi di strumenti quali: il flauto, i diversi tipi di sassofono (sax tenore, sax soprano, sax contralto), il contrabbasso, il clarinetto e molti altri fiati, tastiere e percussioni. Fra i gruppi che si distinsero nel progressive vanno citati, oltre ai Pink Floyd, Yes, Emerson, Lake & Palmer, Jethro Tull, Soft Machine, i King Crimson, i Gentle Giant, i Traffic ed i Van der Graaf Generator.

Jon Anderson in concerto

Anche la parte vocale, prendendo spunto dai particolari coretti stile Beatles e utilizzando a volte in maniera molto originale l'intreccio armonico o voci nere (come quella di Mick Jagger dei Rolling Stones o di Eric Burdon degli Animals), divenne nei nuovi gruppi inglesi una componente primaria della struttura dei vari brani musicali. Nacquero grandi vocalist come Peter Hammill dei Van der Graaf, Jon Anderson degli Yes, Steve Winwood dei Traffic e Greg Lake prima cantante-bassista dei King Crimson poi passato nel supergruppo degli Emerson, Lake & Palmer. Un discorso a parte meritano i Genesis e i Jethro Tull sia per la particolarità della loro musica e sia per l'importanza che hanno avuto nella crescita del rock inglese e non solo.

Dal filone americano del prog rock emerge il caso del chitarrista-cantante-compositore Frank Zappa e del suo gruppo The Mothers of Invention, che sfugge alle regole stilistiche del rock. Fin dalla sua prima apparizione nel 1966, sulla scena rock con l'album Freak Out! era apparso chiaro che l'inventiva di Zappa e la sua sperimentazione musicale andavano oltre ciò che fino a quel momento si era visto e sentito. La sua ricerca musicale andava oltre i limiti della sperimentazione sia per struttura musicale che vocale. Lavori come Hot Rats o il film Baby Snakes danno l'idea dell'arte di Zappa, che spazia in vari generi e campi dando alla luce lavori originali e all'avanguardia. Zappa non rimase un fenomeno di nicchia, come si potrebbe pensare, ma ebbe una numerosa schiera di fan sia in America che in Europa. Zappa incantava il pubblico con le sue storie, alle volte naïf, più spesso satiriche e nichiliste.

I Gong in concerto 1974

Un posto particolare nella storia del progressive occupano i rappresentanti della cosiddetta Scena di Canterbury. Riuniti attorno alla carismatica figura del batterista-cantante dei Soft Machine, Robert Wyatt, i gruppi canterburiani, nacquero dall'abbandono, nel 1971 del batterista dal gruppo originario, ormai sempre più orientato verso il free jazz. Fra gli altri gruppi che provenivano da questa Scuola vanno citati i Caravan (anche loro come i Soft Machine discendenti dai Wilde Flowers), i Hatfield and the North, i Gong e i National Health

Il tastierista Keith Emerson, del gruppo dei Nice, esibì un modo nuovo di usare gli strumenti classici come il pianoforte mischiando sonorità rock con quelle del ragtime, il jazz e anche la musica classica (famosa in questo senso la versione del Blue rondò a la turk di Dave Brubeck). Il tastierista degli Yes, Rick Wakeman, introdusse invece certi barocchismi che il rock non aveva ancora mai sperimentato.

Con i Genesis, per la prima volta, si assiste all'entrata in scena di scenografie complesse e visionarie, con tanto di cambi di complicati costumi. Con l'inserimento di una voce come quella di Peter Gabriel e delle tastiere di Tony Banks la musica di questo gruppo diventa un grosso punto di riferimento del progressive inglese (anche se in Inghilterra furono "capiti" e apprezzati soltanto in un secondo tempo rispetto al resto d'Europa). I primi quattro album rispecchiano totalmente lo spirito fiabesco e visionario di questo gruppo. Tra il 1974 e il 1975, con la tournée di The Lamb Lies Down on Broadway, il confine tra concerto e teatro musicale si assottiglia, ma è l'ultimo tour prima dell'abbandono dello stesso Peter Gabriel: il gruppo subisce una pesante perdita, riparata però dal nuovo cantante Phil Collins, già batterista del gruppo sin dal terzo album. I Genesis passano quindi dal rock progressivo ad un pop che unisce canzoni di facile ascolto (come Land of Confusion o Throwing It All Away) a pezzi orecchiabili ma comunque innovativi (si pensi alle tastiere e alle risate di Mama o alla lunga Home by the Sea.[53])

Gli "eretici" del prog[modifica | modifica wikitesto]

Tra la fine degli anni '60 e l'inizio del '70 molti gruppi aderiscono ad alcuni canoni della musica progressiva pur non essendo pienamente classificabili nel genere progressive.

Allestimento di scena in un concerto di Roger Waters che richiama la copertina di The Dark Side of the Moon

I Pink Floyd, nati come gruppo psychedelic rock negli anni sessanta, si evolveranno fino a diventare la formazione prog di maggior successo commerciale con 210 milioni di dischi venduti. La loro musica, a differenza delle altre band progressive, si basa su strutture e melodie relativamente semplici (basti confrontare The Dark Side of the Moon del 1973 con il contemporaneo Selling England by the Pound dei Genesis, o gli assolo alle tastiere di Richard Wright con quelli di Keith Emerson) ma con una maggiore attenzione alla sperimentazione d'avanguardia (con strumenti come il VCS3) e con liriche incentrate sulla psicologia e sulla denuncia sociale. Durante i loro concerti si assiste a light show sempre più complessi che raggiungeranno il massimo della raffinatezza durante il tour del 1994.

I Jethro Tull seguivano il carisma particolare del flautista-cantante Ian Anderson che, utilizzando testi di un certo spessore poetico e culturale, con riferimenti complessi ma al tempo stesso geniali e accattivanti, inserì a tutti gli effetti il flauto nella musica rock, suonato alla maniera jazz come ad esempio nel brano Locomotive Breath o alla maniera classica come in Bourèe, una variazione/invenzione sul movimento di una suite di Johann Sebastian Bach.

La componente strumentale del genere ha portato alla nascita di album come Tubular Bells di Mike Oldfield (1973), il primo successo, che scalò immediatamente le classifiche europee e americane, della Virgin Records, una casa discografica che opponeva alle grandi major una produzione di musica rock sperimentale altrimenti sconosciuta. L'album di Mike Oldfield era strutturato come un unico brano musicale ma, dato che si trattava di un insieme di nastri preregistrati dove ogni strumento era suonato dall'autore, una volta assemblati insieme i nastri, Tubular Bells divenne una specie di sinfonia rock. Inoltre fu usato anche per la colonna sonora di uno dei film del terrore più famosi del periodo: L'esorcista.

Di chiara derivazione progressive con qualche contaminazione pop, è il gruppo dei Supertramp, nato negli anni settanta, il cui successo prosegue anche negli anni ottanta, durante i quali i Supertramp produssero diversi album di successo mondiale, come Breakfast in America, basati su un particolare utilizzo delle tastiere, che divenne l'elemento caratterizzante della loro sonorità.

Un altro musicista americano fuori dagli schemi fu Tim Buckley, anche se sono due gli album realmente definibili come "sperimentali" nella, sempre degna di nota, discografia di Buckley: Starsailor e Lorca. Nel 1975 Tim Buckley andò ad aggiungersi alla ormai lunga lista dei morti per overdose.

Glam rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Glam rock.
Roxy Music in concerto a Toronto nel 1974

Un discorso a parte merita il cosiddetto glam rock le cui figure più famose sono i T. Rex, i Kiss, i Queen, David Bowie (nel periodo Ziggy Stardust) e il gruppo dei Roxy Music. Essi sviluppano nuove contaminazioni con la letteratura dei poeti maledetti e con la musica classica contemporanea, in particolare Karlheinz Stockhausen, che avrà un ascendente molto forte sul tastierista dei Roxy Music, Brian Eno, uno dei musicisti (anzi non-musicista come ama definirsi) più preparati e geniali dell'intera storia del rock.[54][55][56]

I pionieri del Glam rock sono certamente i T. Rex di Marc Bolan; grazie al loro successo nacquero altri gruppi della stessa corrente tra cui i New York Dolls e Alice Cooper; anche David Bowie (amico di Bolan), dopo l'esplosione del glam, si convertì al genere.

David Bowie proviene dalla scuola teatrale di mimo di Lindsay Kemp ed inserisce i suoi costumi impensabili e le scenografie psichedeliche nella struttura della sua musica. Gli album che si possono definire glam-rock di Bowie sono: Hunky Dory, Ziggy Stardust and the Spider of Mars, Alladin Sane e Pin Ups.

Bowie divenne una superstar internazionale e promosse l'adozione di uno stile glam fra artisti come Lou Reed, Iggy Pop, New York Dolls e Jobriath, il cui genere è conosciuto anche come "glitter rock", con testi dal contenuto più cupo rispetto alle loro controparti britanniche.

Dopo l'esperienza dei Velvet Underground, il cantante-compositore Lou Reed si avvicinò al glam rock su consiglio dell'amico David Bowie, il quale produsse per lui il celebre album Transformer del 1972, secondo disco da solista dopo l'esordio Lou Reed, dello stesso anno, che non aveva riscosso consensi al contrario di quanto fece "Transformer", il quale fu un grande successo di critica e pubblico divenendo uno dei dischi chiave del movimento glam, grazie anche a brani storici come "Walk on a Wild Side", "Satellite of Love" o "Perfect Day". In questo periodo, Reed divenne famoso come il "Frankenstein del Rock", per via dell'abitudine che aveva di esibirsi con il volto ricoperto da cerone bianco e con gli occhi cerchiati di nero[57]. Reed però abbandonò in fretta i suoi vestiti da icona glam e, reduce dal successo di "Transformer", incise il crepuscolare Berlin uscito nel 1973, che inizialmente non riscosse successo da parte della critica, caratterizzato come era da atmosfere lugubri e decadenti, lontane dal lavoro precedente, ma fu in seguito rivalutato fino ad essere considerato a posteriori un grande capolavoro, uno dei concept album più intensamente profondi della storia del rock[58]. Nel 1974 con il disco dal vivo Rock N Roll Animal, Lou Reed riuscì nell'intento di sposare il glam con il rock dei Velvet Underground. Continuò nella stessa strada con l'album, Sally Can't Dance, sempre del 1974; l'anno dopo Lou Reed incise uno dei dischi più controversi del rock americano degli anni settanta: Metal Machine Music. Questo disco triplo per taluni è stato giudicato come un grande bluff, altri invece hanno gridato al capolavoro. Sicuramente fu un'opera singolare nella quale il cantante abbandonò completamente il glam per tornare al rock metropolitano scardinandone però, in maniera estrema melodie e struttura, ma affiancandosi allo sperimentalismo alla ribalta della East coast di artisti come Philip Glass e Steve Reich.

Dopo aver rilanciato la carriera di Lou Reed, grazie alla produzione dell'album "Transformer", David Bowie pensò a produrre il primo album solista di un'altra personalità del rock che, come Lou Reed, l'aveva profondamente influenzato: l'ex leader della band proto-punk The Stooges, ovvero Iggy Pop. L'Iguana, come era stato soprannominato Iggy Pop, si differenziava da Lou Reed per una continuità di stile musicale ancora legato alla musica dura metropolitana e poco glam. Trovatosi al centro della rivoluzione punk, in America rappresentata, più che altro, dal gruppo dei Ramones e, in seguito raffinata da altri gruppi come ad esempio i Television di Tom Verlaine, Iggy Pop cavalcò l'onda della nuova musica e, in un certo senso, riuscì ad uscirne indenne, così come non ne fu travolta Patti Smith che si adeguò alle nuove sonorità, aggiungendole alla propria, soprattutto nei primi due album, Horses e Radio Ethiopia e nel singolo Piss Factory che è di chiara impronta punk.

Occorre inoltre nuovamente citare Elton John, che nella seconda parte della sua carriera matura una fase decisamente glam rock: egli perfeziona il proprio look nei concerti, creato sulla base di travestimenti kitsch e ambiguità sessuale, con gli occhiali da vista dei modelli più incredibili che diventano un suo marchio di fabbrica. Album come Goodbye Yellow Brick Road (1973) e Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy (1975) sono spesso e volentieri annoverati fra i migliori album di tutti i tempi[59][60].

I Queen nel 1984

Si ricordano come esponenti del glam rock anche i Queen degli anni settanta. Il gruppo britannico si destreggia fra più generi musicali: hard rock, glam, vaudeville, progressive, music hall e persino opera lirica, a cui si adattano perfettamente le doti canore del loro cantante Freddie Mercury, frontman sempre sopra le righe. I Queen raggiungono il grande successo con A Night at the Opera (1975); negli anni ottanta adottano il suono dei sintetizzatori allontanandosi dal progressive.

Ma altri gruppi altrettanto importanti che caratterizzarono la scena furono Slade, Mud, Gary Glitter, Sweet, Mott the Hoople, Alice Cooper o New York Dolls.

Il Glam ha vissuto sporadici revival con band come i The Darkness, resi inconfondibili dal potente falsetto di Justin Hawkins.

Progressive europeo[modifica | modifica wikitesto]

La PFM durante un concerto di PFM in Classic nel 2011

In Italia la musica progressive raggiunse livelli eccelsi, secondi solo a quelli inglesi. Nel Bel Paese sono nate alcune fra le formazioni più importanti del progressive, come la Premiata Forneria Marconi[61], che riscosse un notevole successo all'estero, in particolare negli Stati Uniti, il Banco del Mutuo Soccorso[62], Goblin[63], Le Orme[64], Area[65] e i New Trolls[66]. Il progressive italiano è prevalentemente di stampo sinfonico-romantico, fortemente influenzato da King Crimson, Genesis ed Emerson, Lake & Palmer (anche se non mancano gruppi ispirati dal Canterbury Sound come i Picchio dal Pozzo o all'hard prog come Il Rovescio della Medaglia e Balletto di Bronzo). Diversi cantautori furono influenzati dalle sonorità progressive; per esempio Alan Sorrenti[67], Angelo Branduardi[68] e Franco Battiato[69]. Lucio Battisti si interessò a questo genere musicale nell'album Anima latina del 1974, considerato un disco «senza il quale non si può dire di conoscere il progressive italiano»[70] anche se l'artista aveva già mostrato influenze di questo genere in Amore e non amore, del 1971.

Il rock strumentale è stato particolarmente significativo in Germania, dove si diffuse il cosiddetto "krautrock". Questo genere comprende gruppi spesso diversissimi tra loro, come i Faust, i Tangerine Dream, gli Ash Ra Tempel, i Can, i Neu!, i Kraftwerk, i Amon Düül I e II, e i Cosmic Jokers. La lezione del krautrock si può sentire nei solchi di gruppi provenienti dai generi più diversi, dal David Bowie del periodo berlinese alla new wave tutta, dallo shoegaze al post-rock, dalla techno alla new age.

La ribellione punk[modifica | modifica wikitesto]

Proto-punk[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Proto-punk.

Stanchi del rock "intellettuale", come poteva essere definito il rock progressive, una nuova corrente sconvolse il discorso musicale dalla seconda metà degli anni settanta: il punk.[71]

Secondo alcuni critici il pensiero punk nacque negli anni sessanta grazie ai Velvet Underground.[72][73] Nelle loro canzoni si parlava già di droga, sesso, vita di strada, degradazione e le loro intenzioni e idee musicali non avevano nulla a che vedere con quelle dei loro contemporanei. Per questo vengono etichettati come proto-punk, e lo storico leader, Lou Reed, venne successivamente riconosciuto dai punk come uno dei padri fondatori del movimento[74], divenendo un'icona dello stesso tanto da guadagnarsi la copertina del primo numero della rivista Punk Magazine[75].

I Velvet influenzarono altri gruppi precursori del punk, tra i più famosi si possono citare gli MC5 e Stooges, che avevano il sound rozzo e sporco caratteristico del punk. Durante i primi anni settanta assistiamo alla nascita del proto-punk, ovvero quel filone di gruppi di ispirazione garage che precedettero l'ondata punk rock dei metà anni settanta, come i già citati MC5 e Stooges, Patti Smith, o New York Dolls, che diedero alla luce i primi accenni di punk rock proprio sulle basi del garage.[76][77] Il punk rock infatti sarà considerato un genere direttamente discendente dal garage rock per le sue caratteristiche generalmente più grezze e distorte rispetto al rock and roll più tradizionale.[29] Quindi si può facilmente affermare che il punk nacque molti anni prima dell'avvento di gruppi come Ramones e Clash, ma è nel 1977 che nacquero il movimento e la moda punk.

I primi gruppi oggi riconosciuti con tale etichetta nacquero a New York, tuttavia essi non si identificavano in un genere ben preciso, rivendicando comunque l'appartenenza alla cosiddetta Blank Generation. Fu in questo periodo che i media americani iniziarono ad utilizzare termini come punk, apertamente rifiutato da artisti e fan soprattutto per la sua accezione dispregiativa, e New wave. Solo in seguito questi due termini assunsero una vita propria e distinsero due epoche differenti. Teorico del punk fu il poeta, scrittore, attore, giornalista e musicista Richard Hell.

Punk rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Punk rock.
I Clash in concerto nel 1980

I Ramones, i Sex Pistols ed i Clash furono i primi gruppi "punk" per definizione a livello di moda globale (pur questo non limitando il valore della loro musica). I Sex Pistols in particolare furono in gran parte plasmati dalla mente del manager Malcolm McLaren (affascinato dagli articoli e dal modo di vestirsi di Richard Hell nei suoi soggiorni newyorkesi) e dalla oggi nota stilista Vivienne Westwood, ma indubbiamente trainati dalla grande personalità del cantante Johnny Rotten (in seguito fondatore dei PIL). Per questo motivo i Sex Pistols sono stati ironicamente definiti "la grande truffa del rock & roll". La situazione di malcontento e di tumulto durante la crisi del governo thatcheriano in Gran Bretagna fecero sì che il movimento assumesse una forma più massificata rispetto agli Stati Uniti. L'avvento del punk decretò definitivamente la fine del rock progressive e la fine di quel decennio di sperimentazione e contaminazione: abbandonati i violini, i flauti, i fiati, i sitar, le tastiere, gli organi elettrici, si ritornò alla formazione "originaria" del rock&roll: chitarra, basso e batteria. Dal punto di vista strutturale e armonico delle composizioni, i brani tornarono ad essere di due, tre, massimo quattro minuti, così da poter essere trasmessi per radio, armonicamente più "orecchiabili" e "lineari", e composti dall'alternarsi di strofe e ritornello. L'ondata di ribellismo dei primi anni punk è testimoniata dagli album Ramones dei Ramones, Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols dei Sex Pistols e il primo disco dei Clash.[78]

Il punk inglese cavalcò il diffuso malcontento delle nuove generazioni e un certo anarchismo selvaggio che si ritrova nei pezzi punk come in Anarchy in the U.K. e la versione corretta dai Sex Pistols dell'inno nazionale britannico, God Save the Queen, mentre nel primo album dei Clash si trovano titoli come White Riot, Police and Thieves e London's Burning.

I Sex Pistols crearono molte controversie durante la loro breve carriera, attirando l'attenzione su di loro e mettendo spesso in secondo piano la musica. I loro show e i loro tour erano ripetutamente ostacolati dalle autorità, e le loro apparizioni pubbliche spesso finivano disastrosamente.[79]

I Clash erano famosi per la loro varietà musicale (nel loro repertorio trovano posto reggae, dub, rap, rockabilly e altri generi), per la sofisticatezza lirica e politica che li distingueva dalla maggior parte dei loro colleghi appartenenti al movimento punk e per le loro esibizioni dal vivo particolarmente intense. I Clash con il loro album London Calling marcarono per sempre la storia del rock.

Sempre alla fine degli anni settanta, sulla scia del punk inglese dei Sex Pistols e dei Clash, si formarono i Police, che diedero vita ad un nuovo sound soprannominato reggae n' roll, ad evidenziare la particolare inclinazione verso il lato reggae del punk, tra i loro hit, Roxanne, Message in a Bottle.

Forse per la prima volta in Gran Bretagna musica rock e politica si incontrarono, ma si persero velocemente di vista: erano iniziati gli anni ottanta e la filiazione di questo genere di rock approdò alla New wave.[80]

Verso la fine degli anni settanta nacque anche il post-punk, che fonde il punk rock con elementi sperimentali provenienti da artisti come i newyorkesi Velvet Underground, Roxy Music e David Bowie[81][82] e da generi come disco, dub e krautrock (soprattutto i Can e i Kraftwerk).[81][82] Esso non è da intendere come un genere musicale vero e proprio, ma piuttosto come un'etichetta utilizzata per quei gruppi che intorno al 1980 iniziarono ad unire il punk rock con vari altri generi musicali.[83]

Pop punk[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Pop punk.
I Green Day in concerto

Il genere si sviluppò verso i fine anni settanta tramite l'ondata punk 77, negli Stati Uniti e in contemporanea nel Regno Unito. Con il loro apprezzamento verso i Beach Boys ed il bubblegum pop della fine degli anni sessanta, i Ramones gettarono le basi per quello che sarebbe poi stato conosciuto come pop punk[84]. Alla fine degli anni settanta, gruppi del Regno Unito come i Buzzcocks o i The Undertones (successivamente influenzati fortemente dal glam rock) combinarono la velocità e la caoticità delle sonorità punk rock con la musica pop nei toni e nei temi[85] distaccandosi in parte dal punk nella sua rappresentazione classica. Il successo vero e proprio del genere però ha inizio verso la fine degli anni ottanta e primi anni novanta con l'avvento della nuova corrente detta punk revival. I gruppi a saper meglio sfruttare il potenziale commerciale di questi generi e a lanciare il "revival" furono i Green Day, Weezer[86], The Offspring, seguiti poi da NOFX (classificabili comunque nel melodic hardcore punk) e Rancid, che affermarono il genere a livello mondiale. Alla fine degli anni novanta questo sotto genere è stato poi portato a nuove vette commerciali con i Blink-182.[87]

Nel nuovo millennio continua il momento positivo dell'ondata Pop-punk, inizialmente con blink-182 e Sum 41 e poi soprattutto con l'exploit, ancora una volta, dei Green Day da metà decennio in poi, grazie all'apogeo di American Idiot, concept album in stile Who, nel quale il trio di Berkeley mostra un approccio musicale più maturo e complesso, senza però snaturare se stessi, il proprio stile e le proprie idee, che vengono fortemente ribadite anche nel successivo 21st Century Breakdown.

Il rock duro: hard & heavy[modifica | modifica wikitesto]

Hard rock ed heavy metal[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Hard rock e Heavy metal.
I Rolling Stones nel 2005

Gli anni settanta del rock sono caratterizzati dall'inserimento di nuovi strumenti musicali che arricchiscono questo genere di nuove sonorità. Intanto ci fu una grande proliferazione delle sezioni ritmiche, l'esempio più classico di questa evoluzione è il gruppo californiano dei Santana, fondato dal chitarrista messicano Carlos Santana, in particolare per l'introduzione di ritmi latinoamericani e la sezione delle percussioni di José Chepito Areas.[88]

Anche in Inghilterra la sezione ritmica diventò basilare per alcuni nuovi gruppi e anche molti che provenivano dagli anni sessanta come Cream e soprattutto Colosseum, King Crimson e Vanilla Fudge.

Led Zeppelin in concerto al Chicago Stadium nel gennaio 1975

L'evoluzione di questa parte del rock si trasfuse nei gruppi del cosiddetto hard rock primi fra tutti Led Zeppelin, Black Sabbath e Deep Purple, e successivamente Iron Maiden, Aerosmith, AC/DC, Queen, Motörhead, Blue Oyster Cult, Rainbow, Guns N' Roses, Sweet, Thin Lizzy, Status Quo, Styx, Meat Loaf, Scorpions, T. Rex, New York Dolls, Slade, Uriah Heep, MSG, UFO, Kiss, Whitesnake, Rush, Hanoi Rocks, Sammy Hagar e altri.[88][89][90]

La locuzione "heavy", riferita al rock, nacque a seguito di una canzone dei Queen, Stone Cold Crazy, contenuta nell'album Sheer Heart Attack. Questa canzone fece da spartiacque all'interno dell'Heavy: vennero considerati "heavy rock" tutti quei gruppi precursori del genere, primi tra tutti i primi veri duri rockettari Rolling Stones.

Si parlerà poi di heavy metal a partire dai primi anni settanta, in riferimento a volte a gruppi già etichettati come hard rock come ad esempio nel caso di Deep Purple e Led Zeppelin, ma soprattutto a gruppi più recenti e caratterizzati solitamente da sonorità più estreme e meno complesse rispetto all'hard rock originale, Black Sabbath, Blue Oyster Cult, Aerosmith, Van Halen. Citiamo anche Judas Priest e Kiss, che aggiungono un tocco pittoresco o sadomaso al genere, e ancora Scorpions, Helloween, Motörhead, Dio solo per citare alcuni tra i più famosi.

Un altro importante esponente del genere, anche se si differenzia dalle suddette band per lo stile prettamente centrato sul virtuosismo chitarristico e su uno stile fortemente influenzato dalla musica classica è lo svedese Yngwie Malmsteen, a cui è attribuita normalmente la creazione del Metal Neoclassico.

I Motörhead in concerto

Non è facile tracciare dei confini netti per stabilire in quale momento storico l'hard rock abbia generato l'heavy metal; alcuni utilizzano anche l'espressione hard & heavy per riferirsi a un genere musicale intermedio, di transizione fra i due. Per molte fonti, un gruppo che si può considerare "fondatore" dell'heavy metal sono i Judas Priest, alla metà degli anni settanta. L'espressione "heavy metal" entrò nell'uso comune quindi negli anni settanta, alcuni anni prima della cosiddetta New Wave of British Heavy Metal a cui appartengono per esempio Iron Maiden e Saxon.

Southern rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Southern rock.

Il bisogno di ritmi frenetici e chitarre distorte è tipico del Southern rock, genere musicale che si diffonde nel Sud degli Stati Uniti.

La band prototipo del genere fu sicuramente la Allman Brothers Band, che svilupparono un sound caratteristico, largamente derivato dal blues rock, che incorporava, però, anche elementi del boogie, del soul, e del country;[91] coniugavano ascendenze psichedeliche e hippismo con l'amore per la propria terra.

La band che meglio di tutte incarna il Southern Rock è quella dei Lynyrd Skynyrd, che contribuirono all'affermazione dei modi da good ol'boys dei protagonisti del genere, oltre che a influenzare lo stile del rock degli anni settanta.[91] Proprio i modi da good ol'boys, campagnoli retrogradi e conservatori, i testi di alcuni pezzi famosi, come Sweet Home Alabama dei Lynyrd Skynyrd, risposta al Neil Young progressista di Southern Man e Alabama, oltre al ricorrente e trasversale uso della bandiera stars and bars della Confederazione, sono elementi che portarono a bollare il genere come ultima retroguardia del reazionarismo politico tipico degli Stati del Sud.

Tale visione, se pure parzialmente corrispondente alla realtà, non può essere assolutamente generalizzata. In realtà l'esperienza del Southern Rock, che appare naif ad uno sguardo d'insieme, esprime probabilmente al meglio possibile le contraddizioni che il Sud stava vivendo a cavallo tra gli anni sessanta e settanta, stretto tra segregazionismo e istanze di rinnovamento sociale che investivano tutto il Paese, tra vecchio e nuovo, tra rednecks e hippies.

Il momento più significativo del genere si concluse con la caduta dell'aereo dei Lynyrd Skynyrd, nel 1977, in cui morirono il cantante Ronnie Van Zant, il chitarrista Steve Gaines e altri membri del gruppo.

New Wave of British Heavy Metal[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: New Wave of British Heavy Metal.
Iron Maiden

La New Wave of British Heavy Metal è una scuola di complessi heavy metal originatisi in Gran Bretagna sul finire degli anni settanta.[92][93] I gruppi della NWOBHM sono considerati la forma più pura dell'heavy metal[93] generalmente con meno influenze blues rispetto ai precursori di questa ondata come Black Sabbath e Judas Priest. I gruppi più importanti sono, fra gli altri, gli Iron Maiden, i Venom, i Saxon, i Def Leppard, i Diamond Head, i Tygers of Pan Tang, i Samson, i Demon, le Girlschool e gli Angel Witch.[94]

Glam metal[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Glam metal.
I Twisted Sister, con il tipico look da gruppo glam metal

Lo stile del metal che più imperversava negli Stati Uniti durante gli anni '80 è il glam metal di gruppi come i Quiet Riot, Ratt, Mötley Crüe e i W.A.S.P., caratterizzati da un look molto vistoso fatto di capelli cotonati e laccati, maglie a rete, tacchi alti, pantaloni di pelle, borchie, catene e pentacoli.[95] Tali band furono infatti tra le prime in assoluto a sfruttare pienamente il fenomeno MTV e videoclip. La base del movimento glam metal è Los Angeles, ma la scena include anche gruppi non californiani come i Twisted Sister di New York.[96] I gruppi glam metal erano improntati, tematicamente, a un super individualismo edonistico e ad uno sfrenato esibizionismo sessuale.[97] Gruppi di crocevia di questo genere furono band come Van Halen, Alice Cooper e i Kiss.

L'album di maggior successo commerciale del genere è Slippery When Wet (1986) dei Bon Jovi, con oltre dodici milioni di dischi venduti. Il sound dei Bon Jovi è fatto di melodie orecchiabili e ballad romantiche, ideali per il mondo delle radio e per le adolescenti americane.[98] Nella seconda metà degli anni ottanta iniziarono ad emergere, dalla scena di Los Angeles, gruppi caratterizzati da un suono più estremo, come i Guns N' Roses, che esordirono con l'album Appetite for Destruction nel 1987.[99]

La corrente riscosse talmente tanto successo durante la seconda metà degli anni ottanta, da spingere diversi gruppi e artisti ad adottare le loro sonorità alle nuove tendenze musicali pur di ritornare in classifica: l'esempio più lampnate fu quello degli Aerosmith con Permanent Vacation nel 1987.

Altri gruppi della scena da ricordare sono i Cinderella, i Def Leppard, gli Europe, i White Lion, i Dokken e i Poison.

Il metal estremo[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Metal estremo, Thrash metal, Speed metal, Death metal, Black metal e Power metal.
I Metallica nel 2003

Fu dagli anni ottanta in poi che l'heavy metal (dopo la new wave britannica, il maggior fenomeno che ha riguardato questo genere è stata la proliferazione di sottogeneri, spesso difficili da definire in modo netto) ha generato diversi sotto-generi, come il già citato hair metal, e il thrash metal, che si sviluppò negli Stati Uniti dallo speed metal, sotto l'influenza dell'hardcore punk, con testi che spesso esprimevano visioni nichilistiche. Il genere fu reso popolare da quattro gruppi in particolare: Anthrax, Megadeth, Slayer e soprattutto i Metallica, che è considerata attualmente la heavy metal band di più successo, almeno considerando le vendite. La band ebbe successo immediato, durante il loro primo tour americano, come band di supporto a Ozzy Osbourne, si vedono indossate dal pubblico più magliette recanti il nome della band che non quello dell'ex frontman dei Black Sabbath.[100]

Il death metal si sviluppò dal thrash, influenzato particolarmente da band come gli Slayer. Questo genere presenta un suono ancor più pesante rispetto al metal precedente grazie anche alla caratteristica voce death. Il black metal, influenzato da gruppi come Venom e Mercyful Fate, si sviluppò prevalentemente in Norvegia sul finire degli anni ottanta ed enfatizzava le tematiche di satanismo e blasfemia. Il power metal emerse in Europa verso la fine degli anni ottanta come reazione al death e al black metal e fu sviluppato dai tedeschi Helloween, che combinarono la velocità e l'energia del thrash con un approccio melodico.

Gruppi americani come i Queensrÿche e i Dream Theater hanno effettuato una fusione fra la NWOBHM e il progressive rock chiamata progressive metal.

Nu metal[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Nu metal.
I Linkin Park in concerto

Le prime tracce di partiture "rappate" su basi rock si possono già trovare nell'album Sandinista!, pubblicato dai britannici The Clash nel 1980[101]. Anche i Blondie realizzarono nello stesso periodo un brano simile, Rapture. Il termine "nu metal" fu usato inizialmente, e spesso in modo improprio, per denotare il rilancio del rock metallico ad opera di gruppi come Korn, Rage Against the Machine, Deftones e Limp Bizkit, ma anche per i successi dell'Ozzfest[102], festival riservato esclusivamente al metal. Sviluppatosi negli anni novanta, il nu metal è divenuto in breve tempo una corrente che si discosta per alcuni aspetti da quella del metal tradizionale. Difatti, pur proponendo sonorità molto dure, ad esse affianca influenze da altri stili, in particolare alternative metal, rap metal, alternative rock, funk ed hip hop. Sono frequenti ritmi duri ma sincopati, riff di chitarra semplici, ribassati e ripetuti, alternanza di parti vocali aggressive e melodiche e, per alcuni gruppi, strofe rappate e scratch prodotti con i dischi in vinile. Fra i principali gruppi della scena nu metal possono essere citati Korn, Deftones, Limp Bizkit, Linkin Park, Coal Chamber, System of a Down, Slipknot, Incubus, P.O.D. e Papa Roach.[103][104]

Dal 2002 segni che la popolarità del nu metal si stava indebolendo erano evidenti. Il quinto album dei Korn, da lungo aspettato, Untouchables e il secondo album dei Papa Roach LoveHateTragedy non vendettero come i loro album precedenti. Le presenze delle band nu metal sulle stazioni radio e su MTV incominciarono a diminuire, a vantaggio di band pop punk/emo. Da allora, molte band hanno cambiato il loro stile, per avvicinarsi ai più convenzionali rock ed heavy metal.[105][106]

I Linkin Park hanno avuto maggior successo. Il loro primo album, Hybrid Theory ha venduto 35.5 milioni di copie ed ha ricevuto un disco di diamante. Il successivo, Meteora, ha venduto 16 milioni di copie. Da Minutes to Midnight, il gruppo ha cambiato il proprio genere.

Il rock anni ottanta[modifica | modifica wikitesto]

La nascita di MTV e l'era del suono digitale[modifica | modifica wikitesto]

Sono gli anni della nascita del canale televisivo musicale MTV, dell'edonismo diventato uno stile di vita, del predominio dell'immagine, delle capigliature cotonate, gellate e laccate, anni che vedono l'esplosione di altri fenomeni musicali come l'hip hop ed il rap, oltre al dilagare della dance. Non sono più i tempi delle radio che promuovono la musica, superate da mirate trasmissioni televisive. Il rock è ancora in evoluzione, in trasformazione, i confini fra pop e rock e altri generi si assottigliano ancora di più, per questo per parlare di rock è doveroso citare anche altri generi.

Mark Knopfler, frontman dei Dire Straits, gruppo che propone uno stile musicale in aperta controtendenza rispetto ai canoni dell'epoca

MTV Europe inaugura le sue trasmissioni con il videoclip di Money for Nothing dei Dire Straits, brano che paradossalmente può essere interpretato anche come una sorta di invettiva contro le rockstar che appaiono in televisione.[107] I Dire Straits (letteralmente «terribili ristrettezze») sono considerati un unicum nel panorama del periodo, poiché il loro stile musicale risulta del tutto fuori moda e in netta contrapposizione rispetto alle tendenze dell'epoca: la band britannica – guidata dal chitarrista, cantante e compositore Mark Knopfler – propone infatti un rock limpido ed essenziale, ispirato principalmente al blues, al country e al rock and roll americano delle origini.[108][109][110] Le loro canzoni, caratterizzate spesso da un tono introspettivo, presentano inoltre testi ricercati e connotati da una forte impronta narrativa.[111] I Dire Straits raggiungono il culmine della popolarità nel 1985 con l'album Brothers in Arms, che tuttavia costituisce l'opera meno rappresentativa della loro produzione;[112][113] registrato interamente con l'ausilio di tecnologie digitali, Brothers in Arms è il primo album a vendere più di un milione di copie in compact disc, contribuendo dunque alla diffusione del nuovo formato.[114]

New wave, new romantic e pop-rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: New wave (musica), Synthpop e Pop rock.
Michael Jackson in concerto nel 1988.

Il rock si diluisce e si orienta verso il pop, quello mistificato delle grandi multinazionali della musica (o major), alle quali non basta più scoprire nuovi talenti e lanciarli commercialmente, ma astutamente comincia a crearli, svilupparli e lanciarli sul mercato come fossero un qualunque prodotto commerciale, come ad esempio i casi dei New Kids on the Block e dei Milli Vanilli.[115][116] Ma la scena non è dominio esclusivo di queste operazioni: in questi anni emergono comunque molti gruppi o cantanti che, pur in parte indulgendo alle regole del mercato discografico in materia di promozione dell'immagine, sono dotati di talento. L'album più venduto degli anni ottanta è stato Thriller di Michael Jackson, mentre la classifica dei singoli vede come vincitori i Bon Jovi con Livin' on a Prayer.

Deborah Harry dei Blondie, in concerto a Toronto nel 1977

La new wave e la sua sottocultura sbocciano assieme ai primi gruppi punk rock, a tal punto che, inizialmente, punk e new wave sono considerati quasi sinonimi.[117] Successivamente, però, i termini cominciano ad assumere significati diversi: gruppi come Television, Talking Heads, Blondie, Devo e The Police, che stavano ampliando il loro ventaglio strumentistico, incorporando ritmi orientati alla dance, e lavorando con una produzione più ripulita, vennero chiamati "New Wave" piuttosto che "punk".[118] Combinando elementi della musica e moda punk con uno stile più orientato al pop, artisti New Wave come i The Cars ed Elvis Costello diventano molto popolari in entrambi i lati dell'Atlantico.[119][120] Il new wave diventa un termine generico per tutta la musica mainstream ispirata al punk, racchiudendo stili disparati come il 2 tone ska, il mod revival basato sui The Jam e il fenomeno New romantic incarnato dai Duran Duran,[121] Spandau Ballet, Ultravox, Talk Talk ed Eurythmics.

David Gahan, leader dei Depeche Mode

Un sottogenere che spicca è inoltre il synth pop, con forti influenze dei Kraftwerk e del compositore francese Jean Michel Jarre. Il synth pop trova seguaci anche in Italia, come nel caso dei Rockets, che si presentano in pubblico camuffati da alieni e sempre con la pelle ricoperta di crema argentata. Alcune band britanniche come i Depeche Mode e i Pet Shop Boys riscuotono notevole successo, grazie anche al debutto del canale televisivo MTV nel 1981, che passa regolarmente in rotazione video new wave, che diventa una rappresentazione della cultura pop.

Un caso particolare è quello degli scozzesi Simple Minds, classificati come band new wave agli albori della loro carriera, che poi si evolvono fino a raggiungere un successo commerciale ma offrendo un sound genuino, emozionante e unico, grazie al carisma del frontman Jim Kerr (che è stato sposato con la cantante/attrice Patsy Kensit), a melodie caratterizzate da un'attitudine struggente ereditata sicuramente dalla musica tradizionale scozzese, a un sound preciso ma potente, al perfetto equilibrio fra tutti gli elementi del gruppo che creano un sound vincente. Di loro ricordiamo l'LP New Gold Dream (81, 82, 83, 84) e il singolo Don't You (Forget about Me).

Un personaggio fuori dagli schemi, che emerge in questi anni e che incarna perfettamente il concetto di artista pop rock, è il cantautore Prince, che grazie all'album Purple Rain, dall'arrangiamento innovativo, diventerà uno degli artisti più influenti della musica nera americana. Imitato, conteso, idolatrato e censurato in patria (l'etichetta Parental Advisory nasce per il suo brano Darling Nikki), Prince è autore della colonna sonora, vincitrice del Premio Oscar, più venduta di tutti i tempi, Purple Rain, una ballata rock tra le più riuscite, famose e imitate di tutti i tempi. I suoi album 1999, Purple Rain, Around the World in a Day, Parade e Sign o' the Times, difficilmente etichettabili, sono considerati tra i migliori album pop rock, saranno inseriti nelle top ten dei migliori LP rock da tutte le riviste specializzate e diventeranno un modello per molti artisti nei decenni a seguire. Altri artisti emersi in questo periodo che possono essere etichettati come «pop rock» sono Billy Joel, Hall & Oates, George Michael e Madonna.[122]

L'attivismo politico e i maxiconcerti[modifica | modifica wikitesto]

Il rock degli anni '80 sposa l'attivismo politico, che ebbe il suo picco di popolarità negli anni ottanta col singolo "Do They Know It's Christmas?" del 1984 e il concerto Live Aid per l'Etiopia del 1985, che, oltre ad aver sensibilizzato con successo l'opinione pubblica riguardo alla povertà mondiale e ad aver raccolto fondi per gli aiuti umanitari, è stato anche criticato, insieme ad eventi simili, per aver fornito un palcoscenico per l'accrescimento della popolarità e dei guadagni delle star coinvolte.[123] Gli anni ottanta vedono infatti il risorgere degli show concepiti come spettacoli di dimensioni sempre più imponenti, che solo a volte sono concerti di beneficenza.

A beneficiare del clamore mediatico legato ai mega eventi degli anni ottanta non sono solo i nuovi idoli pop, ma anche gruppi rock già presenti negli anni settanta che raggiungono però l'apice del loro successo nel decennio successivo: gruppi hair metal come i Kiss o i Queen.

I Queen al Rock in Rio

Due grandi eventi musicali contribuirono a risollevare la popolarità dei Queen a livello mondiale. Nelle prime settimane del 1985, Gerry Stickells, tour manager della band, organizzò la partecipazione dei Queen a un festival a Rio de Janeiro, il Rock in Rio,[124] che si svolse dal 12 al 19 gennaio e fu trasmesso in diretta televisiva in tutto il Sud America e vide la partecipazione di AC/DC, George Benson, Iron Maiden e Yes; le regine aprirono e chiusero l'evento rock davanti a circa 250.000 persone.[125] I Queen parteciparono, il 13 luglio 1985, al Live Aid.[126] Nei 20 minuti a disposizione, i Queen suonarono Bohemian Rhapsody, Radio Ga Ga, Hammer to Fall, Crazy Little Thing Called Love, We Will Rock You e We Are the Champions;[126] sia la stampa, sia i 72.000 spettatori di Wembley, sia gli artisti considerarono la loro interpretazione memorabile, una delle migliori di tutti i tempi; Mercury costruì in questa esibizione "il mito di insuperabile frontman". La partecipazione al Live Aid diede nuovo entusiasmo ai Queen, che grazie a questo successo tornarono nuovamente a essere un gruppo coeso; se prima dell'evento Deacon disse "I Queen non sono più un gruppo realmente unito ma quattro individualità che lavoravano insieme." dopo il 13 luglio affermò "Il Live Aid ci ha totalmente rivitalizzati, restituendoci l'entusiasmo di un tempo". Subito dopo il concerto londinese, cominciarono a progettare un nuovo album; l'album A Kind of Magic uscì il 2 giugno 1986, posizionandosi subito al primo posto delle classifiche britanniche, posizione che occuperà per 13 settimane consecutive, vincendo due dischi di platino.

Assente dal Live Aid ma personaggio emblematico del rock anni ottanta è Bruce Springsteen, esponente del cosiddetto "Heartland Rock", caratterizzato da uno stile musicale semplice e rimandi alla vita operaia americana. Già conosciuto negli Stati Uniti grazie a Born to Run del 1975 e The River, fu grazie al suo album del 1984, Born in the U.S.A., che diventò una star planetaria.[127] Disco basato su un rock senza fronzoli, arrangiamenti commerciali e ritornelli di immediata fruibilità, schizzò ai vertici delle classifiche, grazie anche al riuscito videoclip del singolo omonimo, e portò Springsteen e la sua band ad intraprendere un mastodontico tour di 156 date conclusosi nell'ottobre del 1985 con quattro serate al Coliseum di Los Angeles che hanno registrato il tutto esaurito.

Gli U2 nel 2005

Un'altra band emblema del Live Aid, e del rock anni ottanta in generale, è quella degli U2. La band irlandese, influenzata inizialmente dal post punk di band come i Joy Division, è caratterizzata dall'utilizzo massiccio di tematiche religiose, politiche e socioeconomiche, che contribuiranno a costruire l'immagine del frontman Bono Vox come guru di un'intera generazione.[128] Gli U2 ottennero il successo planetario con l'album The Joshua Tree, che raggiunse i 25 milioni di copie vendute. Di seguito un tour americano consoliderà la fama della band anche in quel paese. L'immagine del gruppo negli anni successivi ha continuato ad essere legata alle numerose iniziative umanitarie contro la guerra nei Balcani e a favore della cancellazione del debito dei paesi del terzo mondo, di cui si è reso propugnatore in particolar modo Bono.

L'emergere dell'alternative rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Alternative rock e Post-punk.

Se è vero che durante gli anni ottanta le Major assumono un controllo totale del gusto della massa e investono sempre più spesso su progetti "a tavolino", è anche vero che questo porta a un autentico movimento di emancipazione da parte dei giovani consumatori di musica rock "autentica". Si fanno così strada numerose etichette indipendenti, gestite da band e appassionati del genere. L'alternative rock è un genere derivato dal punk rock emerso negli anni ottanta ma divenuto abbastanza popolare negli anni novanta. Il termine alternative venne coniato negli anni ottanta per descrivere quelle band che si ispiravano al punk rock che facevano parte di etichette indipendenti e non commerciali.[129]

Come genere musicale, dell'alternative rock fanno parte diversi sottogeneri che sono emersi dalla scena della musica indipendente degli anni ottanta, come il grunge, il britpop, il gothic rock, l'indie rock, l'indie pop e molti altri. Significative influenze dell'alternative rock sono riscontrabili anche in numerosi gruppi alternative metal come i Jane's Addiction, i quali, includendo nella loro musica tanto elementi alternative rock quanto influenze funk metal, evidenziano il carattere sincretico di tale sottogenere del heavy metal nelle sue forme iniziali. L'alternative rock è caratterizzato dalla presenza di elementi stilistici della musica punk, che ha posto le basi per la musica alternativa negli anni settanta.[130]

Tra i gruppi della scena underground degli anni ottanta sono sicuramente da citare i gruppi post-punk come i Wire[82], The Fall[131] e Public Image Ltd., la cui attività causerà la nascita di molti dei generi derivati dal post-punk. In particolare i PIL con la loro musica cupa e decadente influenzarono il successivo movimento gothic rock[132] capitanato da Joy Division, Bauhaus, The Cure, Sisters of Mercy e Killing Joke. Negli Stati Uniti si affermarono Pere Ubu, Residents, Devo e Talking Heads e in Australia Nick Cave.

Sebbene il genere sia considerato come appartenente alla musica rock, molti suoi sottogeneri sono influenzati dalla musica folk, il reggae, l'elettronica e il jazz. Ai tempi degli anni ottanta, il termine alternative rock veniva utilizzato per indicare gli artisti underground di quel periodo, tutti i generi che discendevano dal punk (post-punk, new wave, grunge) e, ironicamente, per la musica rock degli anni novanta e del nuovo millennio. Mentre numerosi artisti come i R.E.M. o i Red Hot Chili Peppers (i quali hanno mescolato punk, rock, funk, e alcuni tratti rap, creando un genere molto particolare) hanno avuto un successo commerciale, molti artisti di culto dell'alternative rock durante gli anni ottanta incidevano e pubblicavano i propri lavori tramite etichette indipendenti tanto da avere successo grazie alle radio universitarie.[129][133]

L'alternative rock diventa mainstream: il grunge[modifica | modifica wikitesto]

Grunge[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Grunge.

All'inizio degli anni novanta, il rock era dominato da artisti commerciali pop, rock ed "hair metal". MTV al contempo concentrava l'attenzione più sull'immagine e lo stile che sulla musica stessa. In contrapposizione al rock più commerciale di quel tempo, nacque il grunge, genere nato prodotto principalmente nello Stato di Washington degli Stati Uniti d'America, in particolare nella città di Seattle, a partire dalla seconda metà degli anni ottanta.[134] La scena di Seattle proprio in quegli anni si rivelava, infatti, una delle più fertili del panorama mondiale, producendo gruppi che mescolavano influenze estremamente eterogenee, principalmente l'heavy metal e il punk rock[134], ma anche l'hardcore punk, l'hard rock e il post-hardcore[135].

Letteralmente il significato del termine inglese grunge, fradicio, stropicciato, sporco, valenza semantica che evidenzia l'aspetto estetico trasandato dei protagonisti, nonché una scarsa ricercatezza tecnica comune a numerose band in questione, interessate maggiormente all'immediatezza e alla forza della propria musica e delle proprie parole.

Fra gli elementi comuni delle band grunge, si possono citare la ripresa di sonorità di chiara derivazione heavy metal, hard rock e punk rock, le finalità di denuncia e l'utilizzo dello strumento musicale come protesta contro l'establishment politico e culturale del momento, e i testi, che trattano spesso argomenti apatici ed angosciosi, come la frustrazione di vivere, la tristezza, la depressione, la rabbia verso una vita vissuta passivamente, la ribellione.[136]

Band come i Green River, i Soundgarden, i Melvins e gli Skin Yard furono i pionieri del genere, diventando con i Mudhoney i gruppi grunge con più successo nella fine degli anni ottanta. Il successo commerciale planetario del genere grunge è da individuare nell'anno 1991, anno della realizzazione per l'etichetta discografica Geffen Records dell'album Nevermind dei Nirvana. L'album ed in particolare il singolo Smells Like Teen Spirit indicarono al mondo una via nuova di intendere la musica rock. La musica dei Nirvana presentava sicuramente tratti più melodici dei suoi predecessori[137]. Sempre nel 1991 vide la luce Ten, il primo album dei Pearl Jam, un altro immenso successo, mentre nel 1992 uscì Dirt degli Alice in Chains.

Post-grunge[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Post-grunge.

Sull'onda della morte di Kurt Cobain, cantante dei Nirvana, si sviluppò un nuovo stile musicale chiamato post-grunge.[138] Il genere è caratterizzato da riff distorti derivativi del grunge, rivisti in un'ottica molto più commerciale e radio-friendly. Il grande boom di popolarità avvenne con l'album di debutto degli australiani Silverchair, Frogstomp, nel 1996. I Foo Fighters, la nuova band di Dave Grohl, l'ex batterista dei Nirvana, aiutarono a rendere ancor più popolare il genere, ed emersero diversi gruppi come Bush, Creed, Audioslave, Candlebox, Collective Soul, Goo Goo Dolls, Everclear e Live.[139] Anche la cantante Alanis Morissette trovò il successo etichettata come artista post-grunge. Nel 1995 il suo album Jagged Little Pill ebbe grosso successo, con singoli come You Oughta Know, influenzando durante la fine degli anni novanta cantanti pop come Fiona Apple, Jewel e Liz Phair.[140]

All'inizio del XXI secolo c'è un consolidamento del post-grunge, grazie soprattutto ai Foo Fighters di Dave Grohl, capaci di rimanere sulla cresta dell'onda anche oltre il decennio e i successi di Nickelback, Creed e in seguito degli Alter Bridge, nati dallo scioglimento dei Creed, che mettono in luce la voce di Myles Kennedy, che collaborerà in seguito anche agli album solisti di Slash, e il talento chitarristico di Mark Tremonti (da citare l'assolo di chitarra di Blackbird, nominato uno dei migliori assoli di tutti i tempi). Incominciarono a emergere anche nuove band, come Breaking Benjamin, Seether, e 3 Doors Down.

Il britpop[modifica | modifica wikitesto]

Britpop[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Britpop.
Gli Oasis in concerto nel 2005

Mentre la scena musicale americana era dominata dal grunge, dal post-grunge e dall'hip hop, nel Regno Unito ci fu l'affermarsi di numerose band, definite britpop, che hanno avuto origine dalla scena indipendente e underground britannica.[141] Molti di loro hanno acquisito buona notorietà nel paese d'origine e in alcuni stati dell'Europa continentale sull'onda del successo commerciale di gruppi come Suede (1991-2003), Blur (1989-2003), Oasis (1991-2009) e Pulp (1981-2002), successo che ha contribuito a lanciare, se non a creare, il movimento come fenomeno di massa.

L'origine del britpop va ricercata fra gli artisti che cercarono di riattualizzare le melodie degli anni sessanta e degli anni settanta aggiungendovi tematiche mutuate dalla new wave, dal noise americano ma anche dalla dance music. Caratteristica del britpop fu la rivalità fra Oasis e Blur, molto simile a quelle fra Beatles e Rolling Stones e fra Nirvana e Pearl Jam in America. Mentre band come i Blur erano più influenzate dagli Small Faces e dai Kinks, gli Oasis trassero ispirazione dai Rolling Stones, Beatles e Stone Roses.[142] Nonostante che le sue band più popolari, in particolare Blur e Oasis, sono stati in grado di diffondere il loro successo commerciale all'estero, specialmente negli Stati Uniti, il britpop andò in gran parte in pezzi entro la fine del decennio.

Post-britpop[modifica | modifica wikitesto]

I Coldplay nel 2008

Come il movimento britpop incominciò a dissolversi, band emergenti iniziarono ad evitare l'etichetta di gruppi Britpop mentre ancora producevano musica derivata da essa. Molte di queste band tendevano a mescolare elementi del rock britannico anni 1960, prendendo ispirazione da artisti come Beatles, Rolling Stones e Small Faces,[143] con sonorità grunge e noise d'oltreoceano.

Devono al britpop la loro fortuna, per essere stati portati sulla sua onda pubblicitaria e commerciale, band non definibili Britpop ma molto legati al revival del rock britannico tradizionale come i The Verve con Urban Hymns (1997), i Radiohead con Ok Computer (1997), vincitore del Grammy Award del 1998 come miglior album, i Travis con The Man Who (1999) e i Coldplay, pienamente ispirati a melodie e giri armonici ancora una volta stile Beatles con suoni e spunti chitarristici wave,[24] con il loro album di debutto Parachutes (2000). Successivamente i The Verve si sciolsero a causa di dissidi interni nel 1999, mentre i Radiohead si orientarono verso una musica più sperimentale e meno orecchiabile distanziandosi dai loro precedenti successi. Si può dire che il gruppo di Thom Yorke fece da vero e proprio spartiaque nel panorama britannico, tanto che presero a tutti gli effetti la nomina di ispiratori primari della nuova ondata britannica. Questi gruppi fornirono probabilmente una piattaforma di lancio per il successivo garage rock o post-punk revival, che è stato anche visto come una reazione al loro stile di rock introspettivo.

Il decennio successivo si apre con la consacrazione dei Radiohead, occulti dominatori del panorama rock, nelle vendite e nell'influenza sprigionata sui successivi colleghi (Kid A viene considerato da molti come il miglior album del decennio e uno dei migliori della storia della musica).

A recitare la parte di primi attori della scena britannica per la prima decade del nuovo millennio sono però due gruppi in particolare: i Coldplay e i Muse, che, partendo dalla stessa base (i Radiohead), prendono con il tempo strade autonome e molto diverse. I primi propongono un suono freddo, sentimentale e posato nei primi tre album (Parachutes, nel 2000, A Rush of Blood to the Head, nel 2002, e X&Y, nel 2005) per poi distaccarsi in maniera netta nel 2008 con Viva la vida or Death and All His Friends.

Il trio di Teignmouth, invece, mostra subito un'impronta più complessa ed eclettica, con influenze che vanno dal hard & heavy al rock progressivo, all'elettronica, fino alla musica classica, unite ad una notevole abilità tecnica di ciascun componente del gruppo (il frontman Matthew Bellamy è cantante, chitarrista, pianista e compositore principale del gruppo) e testi apocalittici, sociopolitici e futuristi che mettono spesso attorno ai Muse un'atmosfera sicuramente più oscura rispetto ai colleghi londinesi. Il gruppo ha esordito nel 1999 con Showbiz. Come per Parachutes dei Coldplay, l'album presenta una notevole e marcata influenza dei Radiohead. I Muse prendomo la propria strada emancipandosi dalle altre influenze con Origin of Symmetry (2001) e Absolution (2003) per poi pubblicare album più sperimentali come Black Holes & Revelations (2006), The Resistance (2009) e The 2nd Law (2012). Raggiunto un certo successo, il gruppo ha iniziato a presentare un certo tipo di spettacolo molto elaborato, con imponenti scenografie che danno un concept alle tournée che portano in giro per il mondo.

Il nuovo millennio[modifica | modifica wikitesto]

Gli anni duemila sono stati, per la maggior parte, anonimi, a causa della sparizione della musica come fenomeno di massa e alla sua frammentazione in tendenze più piccole. I vari stili musicali si chiudono in sé stessi, assieme ai loro ascoltatori. Vengono create stazioni radio, quotidiani, siti web e persino interi canali televisivi dedicati ad un particolare genere musicale. Il successo di un artista in questo periodo sta nel riuscire a catalizzare l'attenzione delle varie masse in un unico bacino di utenza.

Diversamente rispetto alle decadi precedenti, gli anni duemila non hanno visto la nascita di nuovi stili, con l'eccezione di alcuni generi legati alla scena indie, come l'emo,[144] e sottogeneri di musica elettronica. Fra le caratteristiche della decade vi è invece la convergenza di stili diversi.

Nonostante ciò, emergono alcuni elementi caratteristici della decade, come l'uso del software Auto-Tune, l'avvento di Internet, di lettori multimediali come iTunes e piattaforme di condivisione di video come YouTube. Grazie alla presenza di siti di download gratuiti, prima perseguiti poi tollerati, l'industria discografica viene messa in crisi. Non potendo contare sui ricavi dalle vendite degli album, la principale fonte di guadagno per gli artisti diventano i concerti. Musicisti contemporanei e grandi mostri sacri della musica si lanciano in tour interminabili in giro per il mondo. Gli album pubblicati diventano un pretesto per pubblicizzare le tournée (e non viceversa come negli anni precedenti).

Emblematico è il caso degli U2 che ottengono uno scarso successo con l'album No Line on the Horizon, ma fanno il tutto esaurito negli stadi di tutto il mondo con il loro gigantesco 360° Tour, uno degli spettacoli dal vivo più imponenti mai organizzati.

Indie rock[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Indie rock.

Dalla metà degli anni novanta, il termine "musica alternativa" ha perso molto del suo significato originario, poiché le radio rock abbracciarono forme altamente commercializzate del genere. Dalla fine del decennio, la musica hip hop scavalcò l'alternative rock nelle vendite, e iniziarono a salire alla ribalta generi come il pop punk e miscugli fra grunge e rock. Molti gruppi che, per scelta o per destino, rimasero fuori dal panorama commerciale, diventarono parte del movimento indie rock.[145] I gruppi indie rock mantennero un completo controllo sulla loro musica e sulle loro carriere, spesso pubblicando album con le proprie etichette indipendenti, puntando su tour e radio indipendenti o di college per farsi pubblicità.[146] Collegati più per la loro etica che per il loro approccio musicale, il movimento indie rock comprende una vasta gamma di stili, da band largamente influenzate dal grunge come i Cranberries e i Superchunk, band sperimentali come i Pavement fino a cantanti punk-folk singers come Ani DiFranco. Attualmente, molti paesi hanno una scena indie molto ampia, con band molto meno popolari dei gruppi commerciali, virtualmente sconosciuti fuori dai loro paesi, ma abbastanza noti per sopravvivere all'interno di essi.[147] Dal Canada arrivano gli Arcade Fire, autori di un successo che li porterà nel 2011 a vincere un Grammy nella categoria "Miglior album".

Gothic metal[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Gothic metal.

Il gothic metal (o goth metal) è un sottogenere dell'heavy metal e del gothic rock che unisce la sacralità del doom metal o death-doom con le atmosfere oscure e macabre del gothic rock.[148] Il gothic è un vasto insieme di sottogeneri con band che applicano l'approccio gothic a stili differenti di heavy metal. Il gothic nacque nei primi anni novanta in Europa, originato dal death-doom, una fusione di death metal e doom metal. I testi sono solitamente introspettivi e dark, e traggono ispirazione dai mondi fantastici del romanzo gotico.

Fra i pioneri del gothic metal, sebbene le band stesse non si sono mai attribuite il titolo di gothic metal, ci sono i britannici Paradise Lost, My Dying Bride ed Anathema, gli statunitensi Type O Negative, gli svedesi Tiamat e gli olandesi The Gathering. I norvegesi Theatre of Tragedy hanno introdotto la compresenza di una voce maschile aggressiva con una voce femminile pulita, un contrasto che da allora è stato adottato da molti gruppi gothic metal. Durante la metà degli anni novanta, i Moonspell, Theatres des Vampires e i Cradle of Filth hanno portato l'approccio gothic al black metal. Dalla fine degli anni novanta i norvegesi Tristania e gli olandesi Within Temptation ed Epica hanno introdotto una variante del gothic metal chiamata symphonic metal, caratterizzata dall'uso ampio di sonorità strumenti derivanti dalla musica classica, dall'epica, dalla lirica e dalla sinfonica.

Nel ventunesimo secolo il gothic metal è diventato popolare in Europa, particolarmente in Finlandia con gruppi come gli Entwine, gli HIM, i The Rasmus, i The 69 Eyes, i Nightwish, i Lullacry, i Poisonblack. Negli Stati Uniti, comunque, solo poche band come i Type O Negative, gli HIM,[149] gli italiani Lacuna Coil,[150] gli Evanescence[151] e i Cradle of Filth[152] hanno ottenuto un discreto successo musicale.

Post-hardcore ed emo[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Emo.

Il termine Emo o Emo-core[153] si riferisce ad un genere inizialmente compreso all'interno del punk rock, ed è perciò considerato un suo sottogenere[154]. Tuttavia, nella sua evoluzione più moderna, il genere include anche sonorità di tipo melodico orientate all'indie rock e all'alternative rock.

I Fugazi durante un concerto del 2002

Di fondamentale importanza per la genesi dello stile furono gli Hüsker Dü con il loro album Zen Arcade[155], pubblicato nel 1984 e i Naked Raygun con Throb Throb[156] nel 1985. Questi lavori, sebbene siano comunque per la gran parte etichettabili come hardcore punk, furono infatti diversi dal sound hardcore più grezzo e violento visto sino ad allora, e contenevano una maggiore attenzione sia ai testi che alla tecnica musicale[155], tanto da influenzare moltissimo la scena musicale di Washington DC tanto che fu proprio in questa zona che venne usato per la prima volta il termine emo[155] per definire band in sostanza sempre hardcore ma con sonorità più melodiche e ricche. I nomi più significativi sono Rites of Spring[155], Embrace[155] (il gruppo di Ian MacKaye precedentemente leader dei Minor Threat che dopo fonderà insieme al cantante dei Rites of Spring i Fugazi, band anch'essa di grande importanza per l'emo nel finire degli anni ottanta[155]), One Last Wish, Gray Matter, Fire Party e leggermente dopo Moss Icon[157] e i The Hated[157]. La prima ondata emo iniziò a scemare con lo scioglimento nei primi anni novanta di molte delle band citate.

A metà anni novanta, il termine "emo" iniziò ad essere usato per indicare la scena musicale indie influenzata appunto dai Fugazi[155] con sonorità quindi marcatamente pop punk e indie rock[155] Gruppi come Sunny Day Real Estate e Texas Is the Reason interpretarono il lato più emo dell'indie rock, un lato più melodico e meno caotico del suo predecessore. La scena "indie-emo" sopravvisse fino alla fine degli anni novanta, quando molte bands appartenenti ad essa si sciolsero o indirizzarono la propria musica verso territori più mainstream.

Garage rock/Post-punk revival[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Post-punk revival.

Il post-punk revival è una corrente di rock alternativo nata negli anni 2000 dove le band riprendono gli elementi del genere originale dell'inizio degli anni ottanta[158]. Il movimento è assai diffuso nei paesi anglossassoni quali il Regno Unito e gli Stati Uniti e in diversi paesi del continente europeo, ed è molto legato alla scena post-punk di Londra e di New York degli anni ottanta.

Il termine post-punk revival fu coniato da vari critici musicali per indicare band come The Rapture[159], The Strokes (Is This It del 2001)[158] e White Stripes (Elephant, nel 2003, che contiene Seven Nation Army). Questa ondata di gruppi che riprendono il post-punk inseriscono all'interno della loro musica elementi dell'indie rock e della dance degli ultimi anni ottanta più o meno come succedeva per il post-punk che fondeva elementi del krautrock e della musica da discoteca della fine degli anni settanta.

Una seconda ondata di band garage rock/post-punk revival che hanno ottenuto successi internazionali sono gli americani The Killers, Kings of Leon, Interpol,[160] i britannici Arctic Monkeys, Franz Ferdinand, Placebo, The Fratellis, MGMT e LCD Soundsystem e gli australiani Jet.

Metalcore e New Wave of American Heavy Metal[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Metalcore e New Wave of American Heavy Metal.

Il metalcore è un genere consistente nella fusione fra hardcore punk e vari stili di heavy metal[161], in particolare thrash metal, death metal e melodic death metal[161].

Seppur le origini di questo stile risalgano ai fine anni ottanta, il metalcore rientra in parte nella cosiddetta New Wave of American Heavy Metal, termine coniato da alcuni critici per intendere una determinata scena metal nordamericana originatasi sul finire degli anni novanta[162] e che indica tutte quelle heavy metal band statunitensi e canadesi nate tra il finire degli anni novanta ai primi anni 2000 e che hanno raggiunto la popolarità con generi come il groove metal, il metalcore e i suoi sottogeneri[163]. Un esempio sono gli Avenged Sevenfold, partiti come band metalcore ed evoluti nel tempo con sonorità più vicine all'Heavy Metal più tradizionale.

Analogamente alla New Wave of British Heavy Metal, anche questa corrente non è relativa ad un genere preciso e non indica uno stile preciso, ma si limita a raggruppare diversi gruppi musicali emersi in un certo periodo storico[163], rigorosamente di nazionalità statunitense e canadese, e relativi a diverse forme di heavy metal moderno, talvolta anche ibride o con influenze esterne (lo stesso metalcore, genere principale dell'ondata, è per definizione un ibrido tra hardcore punk e heavy metal)[164]. Il termine emerso solo recentemente, è in sostanza una classificazione che sta ad indicare il proliferare di metal band americane in risposta a quelle europee (in particolare scandinave), relative particolarmente a precisi sottogeneri di heavy metal, su tutti il metalcore.

La NWOAHM spesso viene erroneamente scambiata come un vero e proprio genere a sé stante, ma in realtà indica solo un raggruppamento di complessi musicali, indifferentemente dallo stile suonato. Le cause sono da ritrovare nel fatto che la gran parte delle band incluse in questo filone facciano parte della scena metalcore, fino a portare ad un'ambivalenza dei due termini.

Viene applicato invece il termine "retro-metal" a band come gli australiani Wolfmother, il cui album di debutto omonimo del 2005 combinava elementi del suono di Deep Purple e Led Zeppelin.

Rock elettronico[modifica | modifica wikitesto]

Exquisite-kfind.png Lo stesso argomento in dettaglio: Rock elettronico.

Il rock elettronico o digital rock unisce il rock alla musica elettronica[165] (che può essere intesa sotto altrettanti sottogeneri che possono variare dalla musica da discoteca, come house, trance, ambient e electroclash, ad altri generi di elettronica, primo fra tutti l'industrial).[166] In parole povere, il rock elettronico non è altro che un genere ibrido, dove il largo impiego di strumentazioni elettroniche, campionamenti e tastiere costituisce la caratteristica predominante del modo di comporre di alcuni degli artisti del genere.[167]

Gli artisti di questo genere usano sovente suoni artificiali, tramite l'utilizzo di sintetizzatori, campionatori e drum machine. Il rock elettronico può avere molte sfaccettature, in quanto i musicisti di questa categoria provengono dai generi più disparati. Caratteristiche simili sono riscontrabili nel Synth pop, il quale ha in comune con il synth rock il largo uso di suoni elettronici, ma generalmente più inquadrabili in ambito pop con la minor presenza o assenza di chitarre elettriche, o possono inquadrarsi all'interno di altri generi quali l'industrial metal o l'electro-punk, a seconda delle caratteristiche presenti nella propria musica.[168][169] Synth rock, electro rock o rock elettronico, non sono altro che parole macedonia, ossia termini generici che ricoprono un'ampia gamma di stili e forme musical, che in maniera netta o leggera, uniscono diversi generi musica rock ad altrettanti di musica elettronica.[170]

Impatto culturale[modifica | modifica wikitesto]

Diversi sottogeneri del rock sono diventati centrali per l'identità di un grande numero di sottoculture. Negli anni cinquanta e sessanta fra i giovani britannici si diffusero le sottoculture Teddy Boy e Rocker, che ruotavano intorno al rock and roll statunitense.[171] La controcultura hippy degli anni sessanta era legata strettamente col rock psichedelico.[171] La sottocultura punk degli anni settanta nacque negli Stati Uniti, ma ereditò il suo look caratteristico dalla stilista britannica Vivienne Westwood: il look punk ideato da Westwood si diffuse poi in tutto il mondo.[172] Dalla sottocultura punk sono successivamente nate anche le sottoculture goth ed emo, entrambe caratterizzate da propri look distintivi.[173]

Il Festival di Woodstock del 1969 è stato visto come una celebrazione di uno stile di vita alternativo alla cultura allora dominante

Quando si sviluppò una cultura rock internazionale, essa sostituì il cinema come la fonte principale di influenza sulla moda.[174] Paradossalmente, i fan della musica rock hanno spesso diffidato il mondo della moda, per la sua caratteristica di dare più importanza all'immagine piuttosto che alla sostanza.[174] Le mode rock sono costituite dalla combinazione di elementi di culture e periodi differenti, che hanno espresso visioni differenti riguardo alla sessualità; la musica rock, in generale, è stata criticata per aver propagandato una maggiore libertà sessuale.[174][175] Il rock è stato anche collegato all'uso di varie droghe: ad esempio il rock psichedelico era associato all'uso di LSD fra anni sessanta e anni settanta, oltre all'uso di cannabis, cocaina ed eroina, droghe elogiate in alcune canzoni rock.[176][177]

Il rock ha influenzato la mentalità occidentale diffondendo la cultura afroamericana; ma, al contempo, il rock è stato accusato di essersi appropriato e di aver sfruttato la cultura sopraccitata.[178][179] Mentre la musica rock ha assorbito molte influenze esterne e ha introdotto al pubblico occidentale diverse tradizioni musicali,[180] il diffondersi della musica rock in tutto il mondo è stato interpretato come una forma di imperialismo culturale.[181] La musica rock ha ereditato la tradizione folk delle canzoni di protesta, con affermazioni politiche su argomenti come guerra, religione, povertà, diritti civili, giustizia e ambiente.[182]

Sin dalle sue origini la musica rock è stata legata a forme di ribellione contro le norme sociali e politiche, soprattutto nel rifiuto della cultura dominante nel primo rock and roll e nel rifiuto del punk di ogni forma di convenzione sociale, e in generale nel carattere anticonsumistico e anticonformistico della controcultura rock.[183] dall'altra parte, però, essa può essere anche vista come un mezzo di sfruttamento commerciale di tali idee e come forma di allontanamento dei giovani dall'azione politica.[184]

Note[modifica | modifica wikitesto]

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Bibliografia[modifica | modifica wikitesto]

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