Woody Allen

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Woody Allen, nome d'arte di Heywood Allen[1][2][3], nato Allan Stewart Königsberg[4][5][6] (New York, 1º dicembre 1935), è un regista, sceneggiatore, attore, clarinettista, compositore, scrittore e commediografo statunitense, tra i principali e più celebri umoristi dell'epoca moderna,[7] grazie all'intensa produzione cinematografica (una media di quasi un film all'anno) e ai testi comici e alle gag che ha iniziato a comporre già in età adolescenziale.

Firma di Woody Allen

Lo stile raffinato e spesso cerebrale l'ha reso uno degli autori più rispettati, punto di riferimento della commedia americana moderna: è considerato "il più europeo"[7] tra i registi d'oltreoceano, sia per le tematiche affrontate sia per il successo dei suoi film, da sempre maggiore nel Vecchio continente che in patria.

I temi affrontati da Allen – dalla crisi esistenziale degli ambienti intellettuali e alla rappresentazione spesso autoironica della comunità ebraica newyorkese – dalla critica alla borghesia fino alla critica del capitalismo - rispecchiano la sua passione per la letteratura, la filosofia, la psicoanalisi, il cinema europeo, e soprattutto per la sua città natale, New York, dove vive e dalla quale trae continua ispirazione.[8]

Nel 1995 ha ricevuto il Leone d'oro alla carriera al festival del cinema di Venezia.

Biografia[modifica | modifica sorgente]

Le origini[modifica | modifica sorgente]

Manhattan nel 1931
Woody Allen a 18 anni

Woody Allen nasce col nome di Allan Stewart Königsberg[9] il 1º dicembre 1935 nel quartiere del Bronx (New York) - ma cresce nella zona di Brooklyn e successivamente a Manhattan - da una famiglia ebrea di origine russo-austriaco-tedesca, e di modesta condizione sociale. I nonni paterni, immigrati dalla Germania alla fine del XIX secolo, erano ebrei orientali aschenaziti di lingua tedesca, ebraica e yiddish.

Secondo alcuni la famiglia è originaria dell'Ungheria, anche se il cognome è un toponimo germanico, derivato da un nome di città come molti cognomi ebraici, e sembra riferirsi a Königsberg, nella Prussia Orientale, oggi denominata Kaliningrad e situata nell'exclave russa. Il padre, Martin Königsberg (1900-2001) lavora prima come incisore di gioielli presso un orafo,[10] poi come cameriere a Manhattan e infine come tassista; la madre, Nettea Cherry (1908-2002), detta Netty, è impiegata come contabile presso un fiorista[11], ed entrambi provengono da famiglie ebraiche recentemente migrate dall'Europa.

Nel 1943 nasce sua sorella, Letty, con la quale da sempre ha uno stretto rapporto anche di tipo professionale (è produttrice dei suoi film). All'età di tre anni la madre lo porta al cinema a vedere Biancaneve e i sette nani (1937), film che affascina e segna indelebilmente il piccolo Woody;[12] da allora, come ha raccontato successivamente in diverse interviste, la sala cinematografica diventa la sua seconda casa. Da ragazzo il suo film preferito era La fiamma del peccato (1944) di Billy Wilder.

Il primo anno di scuola viene inserito in una classe avanzata, grazie al suo elevato quoziente d'intelligenza, ma sviluppa subito un odio per l'ambiente scolastico, diventando un ribelle, non svolgendo i compiti a casa, rispondendo male agli insegnanti e disturbando continuamente in classe. Sorprendentemente si dimostra molto abile negli sport e pratica pallacanestro, football americano, baseball, stickball, sia a scuola che nel quartiere; uno dei suoi favoriti[13] è il pugilato, ma dopo diversi mesi di allenamento i suoi genitori gli chiedono di smettere.

Soprannominato dai compagni Red, "rosso",[14] per il colore della sua capigliatura, si distingue tra gli studenti per il suo straordinario talento nei giochi di carte e nei trucchi di magia, passione che ricorrerà spesso nelle sue opere. All'età di 15 anni partecipa due volte ad un'audizione per il programma televisivo The Magic Clown,[15] per il quale esegue un trucco chiamato Passe-Passe Bottles, che tuttavia non viene messo in onda poiché il programma era destinato ai bambini e venivano utilizzate bottiglie di alcolici. Nel frattempo inizia anche a suonare il clarinetto.

Dopo aver frequentato la scuola ebraica per otto anni e quella pubblica, la Public School 99 (poi ridenominata Isaac Asimov School)[16] Allen viene iscritto alla Midwood High School di Brooklyn, dove conosce Mickey Rose,[17] futuro co-autore di alcune delle sue prime sceneggiature, con il quale condivide gli interessi per il basket, il baseball, il cinema e la musica jazz. Durante quegli anni vive sulla Avenue K,[18] tra la 14ª e la 15ª Est. Frequenta anche la sinagoga e gli ambienti religiosi ebraici, ma per poco tempo: si allontana quindi dalla religione divenendo ateo, una caratteristica che ricorre in moltissime sue battute.[19] Continua a dimostrare poco interesse per lo studio e la lettura, preferendo di gran lunga la scrittura di gag e barzellette, che spedisce ai giornalisti umoristici Walter Winchell e Earl Wilson, i quali, entusiasti del materiale ricevuto, decidono di contattare l'autore e di trovargli un agente.[20]

I titoli di testa originali del film La fiamma del peccato (1944) di Billy Wilder, il preferito di Allen da adolescente

Gli inizi in televisione e il primo matrimonio[modifica | modifica sorgente]

« Gli americani non gettano mai via i loro rifiuti. Li trasformano in show televisivi. »

Nel 1952, all'età di diciassette anni, assume lo pseudonimo di Woody Allen, in onore del celebre clarinettista jazz Woody Herman,[21], cambiando poi il suo nome legale da "Allan Stewart Königsberg" a Heywood Allen[1], nome che userà qualche volta a teatro, anche se mai in maniera ufficiale.[14], e scrive battute per colossi dello spettacolo come Ed Sullivan e Sid Caesar. Due anni dopo, nel 1954, viene assunto dalla rete televisiva nazionale ABC, della quale diventa l'autore di punta, scrivendo per celebri programmi come il The Ed Sullivan Show e The Tonight Show.[22]

Woody Allen con Johnny Carson al The Tonight Show (1964)

Nel 1955 inizia la sua prima relazione sentimentale stabile con Harlene Rosen, studentessa di filosofia; i due si incontrano casualmente per formare un trio jazz insieme all'amico di Allen Elliot Mills; nel gruppo, che suona insieme in un'unica occasione, Allen suona il sassofono soprano, la Rosen il pianoforte e Mills le percussioni. Nel 1955 passa alla rete televisiva NBC e si trasferisce ad Hollywood, senza Harlene, per unirsi ad un gruppo di scrittori per il programma The Colgate Comedy Hour.[12] L'autore principale dello show è Danny Simon, fratello maggiore dell'autore teatrale Neil Simon, al quale Allen in seguito sarà sempre riconoscente per l'aiuto ricevuto nello sviluppo del suo classico stile di scrittura.[22]

Il 15 marzo 1956, all'età di vent'anni, Woody sposa Harlene, allora diciassettenne[23] a Hollywood, e insieme tornano a New York per andare a vivere a Manhattan. I due divorziano bellicosamente dopo sei anni nel 1962. Harlene Rosen, alla quale Allen si riferiva spesso nei suoi spettacoli di cabaret definendola "la terribile signora Allen" ("the dread Mrs. Allen"), successivamente querelò l'ex-marito e la NBC stessa per diffamazione, chiedendo un milione di dollari.[24] Allen nel suo album Standup Comic, che raccoglie i suoi migliori pezzi comici degli anni sessanta, dichiara che l'atto precedente la denuncia fu una battuta che questi aveva detto durante un'intervista.[22]

In un'intervista successiva al The Dick Cavett Show, Allen riaccese la polemica ripetendo i propri commenti, pur riferendosi alla Rosen come alla sua "seconda moglie", e riferendo che l'ammontare della somma richiesta per la causa era di 1 milione di dollari. I genitori lo spingono a studiare all'università, e Allen frequenta la New York University, dove studia comunicazione e cinema. Dopo un solo semestre, peraltro senza grandi risultati, viene espulso dalla stessa;[25] frequenta quindi brevemente il City College of New York, ma i risultati sono gli stessi dell'esperienza precedente, mentre la sua carriera, invece, non conosce sosta.[22]

Come autore scrive i pezzi per numerosi comici al prezzo di 100$ al minuto, e tra il 1956 e il 1958 lavora al teatro Tamiment,[26] dove fa grande esperienza come autore e regista; il teatro, infatti, produceva settimanalmente nuovi musical e sketches comici, che Woody scrive e dirige.[27] Di nessuno di questi spettacoli esiste più il copione, fatta eccezione per lo spettacolo della serata d'apertura del 1956, la cui sceneggiatura venne poi ritrovata negli archivi del teatro.[22] Nel novembre 1958 inizia a lavorare come co-autore con Larry Gelbart per il The Chevy Show della NBC. Il programma, presentato dalla celebre stella televisiva Sid Caesar, dura per oltre 10 anni, per cui oltre a vincere un Sylvania Award verrà anche candidato per l'Emmy.[26]

Il cabaret, il teatro e il secondo matrimonio[modifica | modifica sorgente]

Woody Allen al Tribeca Film Festival 2009

In questi anni Allen si accontenta del suo lavoro per la TV, che gli frutta più di 1.700 dollari a settimana. Tuttavia, dopo aver assistito a uno spettacolo di Mort Sahl[28] e avendo perduto interesse per il lavoro di autore televisivo, prende la decisione di iniziare una propria carriera come cabarettista.

Nel 1958 cambia agenti, passando nelle mani di Jack Rollins e Charles H. Joffe, che saranno poi i produttori di tutti i suoi film, anche se con i due curiosamente Allen non ha mai siglato un contratto ufficiale, ma solo una "stretta di mano", nonostante i suoi manager abbiano nel tempo negoziato per lui contratti da milioni di dollari, senza che ci sia mai stata la minima controversia. I due manager lo spronano a portare sul palco il suo stesso materiale. Debuttò al Blue Angel nel 1959 e nel 1960 riscosse un grande successo di pubblico.[26]

Nel 1959 iniziando a sentirsi malinconico senza capirne il motivo, per la prima volta decide di consultare uno psicoanalista. Da allora, e per più di trent'anni, la terapia diventa un appuntamento fisso[23] alla media di una seduta a settimana, con brevi periodi di pausa e con periodi più intensi con anche 3 appuntamenti a settimana. La psicoanalisi sarà un elemento portante dei suoi film e del suo personaggio.

Nel 1960 iniziò ufficialmente la sua carriera di stand-up comedian, con esibizioni di grande successo in numerosi night club newyorchesi. Nel frattempo continua a scrivere per la televisione, in particolare per il popolare programma Candid Camera,[29] nel quale appare persino in alcuni episodi. Conosce, nel frattempo, Marshall Brickman, con il quale collabora come autore TV e con il quale in futuro scriverà alcune delle sue migliori sceneggiature.

Insieme ai suoi manager riesce a trasformare le sue debolezze nel suo punto di forza, sviluppando la sua classica immagine nevrotica, cerebrale e timida che diventerà una costante delle sue pellicole. Divenne in breve molto popolare come comico, e i suoi spettacoli diventarono sempre più richiesti e frequenti. Inizia a scrivere storie brevi per alcune riviste (la maggior parte delle quali per il prestigioso The New Yorker) ed opere teatrali; il primo successo arriva con Don't Drink the Water (1966), la sua prima opera teatrale che viene rappresentata al Morosco Theatre, (New York);[30] che andrà in scena per 598 repliche.[31]

Il 2 febbraio 1966 si risposò, questa volta con l'attrice e comica Louise Lasser. Sceglie la moglie come una delle voci per il doppiaggio del suo primo film da regista, Che fai, rubi? (1966), e le assegna un ruolo minore nel suo secondo film, Prendi i soldi e scappa (1969). La Lasser sarà da quel momento co-protagonista di altre due delle prime pellicole di Allen, Il dittatore dello stato libero di Bananas (1971) e Tutto quello che avreste voluto sapere sul sesso* (*ma non avete mai osato chiedere) (1972), oltre che del cortometraggio Men of Crisis: The Harvey Wallinger Story (1971), prima della fine della loro relazione, inaugurando quello che poi per Allen diventerà una sorta di abitudine. La coppia divorziò nel 1969; Allen non si risposerà fino al 1997.

Allen continua la sua carriera di comico fino al 1968, diventando sempre più popolare ogni anno; agli inizi nel 1960 guadagnava solamente 75 dollari la settimana, ma già nel 1964 era un comico affermato e richiesto in tutto il paese, e i suoi guadagni settimanali arrivavano ad oltre 5.000 dollari. Nel suo periodo come showman pubblica tre album con i suoi sketch, Woody Allen, Woody Allen Volume 2 e The Third Woody Allen Album. L'unica registrazione reperibile è il CD del 1978 Woody Allen: Standup Comic, una raccolta dei migliori pezzi. Tra questi il più celebre è il famoso monologo I shot a Moose Once ("una volta ho sparato ad un alce"):

« Questa è assolutamente da non credere. Abbattei un alce, un giorno. Andavo a caccia, su, verso il confine col Canada, e abbattei un alce. Lo lego al parafango, e via. Me ne torno a New York, sull'autostrada. Però non mi ero accorto che l'avevo colpito di striscio: l'alce era solo tramortito. Alle porte di New York comincia a riprendere conoscenza. Eccomi dunque a viaggiare con un alce vivo sul parafango, laddove c'è una legge nello Stato di New York che lo vieta espressamente – di viaggiare con un alce vivo sul parafango – il martedì, il giovedì e il sabato. Vengo preso dal panico.

Allora mi sovviene che un mio amico dà una festa in costume, quella sera. Prendo una decisione: vado e ci porto l'alce. L'imbuco e me ne lavo le mani. Detto e fatto. Arrivo e busso alla porta con l'alce appresso. Il padrone di casa ci accoglie sulla soglia. "Ciao", gli faccio, "conosci i Solomon?". Entriamo. L'alce socializza subito. Non se la cava mica male. Tanto più che un tale cerca, con una certa insistenza, di vendergli una polizza d'assicurazione. A mezzanotte c'è la premiazione per i costumi più belli. Vincono il primo premio i coniugi Berkowitz, travestiti da alce. L'alce arriva secondo. Come monta su tutte le furie! Lui e i coniugi Berkowitz si prendono a cornate, lì, in salotto. Si tramortiscono a vicenda. Ecco, dico fra me, il momento opportuno.

Acchiappo l'alce, lo lego al parafango e via – torno nei boschi. Sennonché ho agguantato i coniugi Berkowitz. Ed eccomi a viaggiare con due ebrei sul parafango. Laddove vige una legge nello Stato di New York, per cui ciò è severamente vietato il martedì, il giovedì e soprattutto il sabato... La mattina seguente, i coniugi Berkowitz si risvegliano nel bosco in costume da alce. Di lì a poco il consorte viene abbattuto, imbalsamato ed esposto, come trofeo di caccia, al Circolo Atletico di New York. È da ridere, veramente, perché a quel club non sono ammessi gli ebrei. »

(da Woody Allen: Standup Comic del 1978.)

L'approdo al cinema[modifica | modifica sorgente]

« È assolutamente evidente che l'arte del cinema si ispira alla vita, mentre la vita si ispira alla TV.[32] »

Nel 1965 firma la sua prima sceneggiatura cinematografica: Ciao Pussycat,[33] diretto da Clive Donner, nel quale appare in un ruolo minore accanto a Peter Sellers, Peter O'Toole, Romy Schneider, Capucine ed Ursula Andress. Nel 1966 realizza il suo primo lungometraggio, Che fai, rubi?, per il quale firma la sceneggiatura e la regia, e nella quale appare in veste di attore.

Il film utilizza diverse clip del film giapponese Kokusai himitsu keisatsu: Kagi no kagi (1965, noto anche con il titolo inglese internazionale di International Secret Police: Key of Keys) di Senkichi Taniguchi, una sorta di parodia di una pellicola di James Bond, i cui dialoghi vengono doppiati in inglese completamente reinventati in chiave comica e surreale da Allen:[34] la storia del film di Taniguchi si trasforma in una lotta per il possesso di una ricetta di un'insalata di uova. Del 1967 è la sua partecipazione al film collettivo James Bond 007 - Casino Royale, una parodia "non ufficiale" della saga dedicata a James Bond.

L'incontro con Diane Keaton[modifica | modifica sorgente]

Diane Keaton (compagna e musa ispiratrice di Woody Allen negli anni settanta) nel 2011

Dopo aver divorziato da Louise Lasser, nel 1969,[35] durante i provini per la messa in scena a partire dal 13 febbraio dello stesso anno a Broadway della sua celebre e fortunata opera teatrale Provaci ancora, Sam, che diventerà un film diretto da Herbert Ross nel 1972 con lo stesso Allen protagonista, incontra Diane Keaton. Lo spettacolo ottiene anch'esso un grande successo e viene messo in scena per 453 repliche.[36]

Durante la loro collaborazione, i due danno inizio a una relazione duratura[37] che darà vita anche ad un proficuo sodalizio artistico; Allen, infatti, sceglierà sempre la compagna come protagonista di tutte le sue pellicole, tra le quali Io e Annie (1977), che frutta ad Allen tre premi Oscar 1978 per il "miglior film", la "miglior regia" e la "miglior sceneggiatura originale", e alla Keaton quello per la "miglior attrice protagonista". Il film è interamente dedicato alla Keaton: il personaggio di Annie Hall, la protagonista, ha il vero cognome di Diane Keaton, che la interpreta, il cui vero nome è proprio Diane Hall.[38] Annie è inoltre il soprannome con cui Woody Allen chiamava la sua compagna.

La coppia non si è mai sposata, ma ha solo convissuto per un certo periodo. Allen, anche dopo il suo matrimonio con Soon-Yi Previn, ha sempre definito Diane Keaton come il grande amore della sua vita. I due hanno collaborato spesso, anche dopo la separazione, ed insieme hanno girato 8 film: Provaci ancora, Sam (1972), Il dormiglione (1973), Amore e guerra (1975), Io e Annie (1977), Interiors (1978), Manhattan (1979), Radio Days (1987) e Misterioso omicidio a Manhattan (1993).

Woody Allen e Diane Keaton sul set di Provaci ancora, Sam (1972)

I primi film[modifica | modifica sorgente]

« Il mio primo film era così brutto che in sette stati americani aveva sostituito la pena di morte. »

Nel 1969 è il suo primo film "convenzionale" come regista, il finto documentario Prendi i soldi e scappa, sceneggiato in collaborazione con l'amico Mickey Rose. Due anni dopo, nel 1971, Allen realizza uno dei suoi primi film con un tema politico in evidenza, Il dittatore dello stato libero di Bananas, nel quale recita a fianco della ex-moglie Louise Lasser, e Tutto quello che avreste voluto sapere sul sesso* (*ma non avete mai osato chiedere) (in quest'ultimo è presente un episodio ambientato in Italia, omaggio a Federico Fellini e Michelangelo Antonioni, recitato in italiano nella versione originale). Nel 1972 partecipa alla versione cinematografica della sua commedia Provaci ancora, Sam, diretto da Herbert Ross.

Pur non abbandonando del tutto l'attività teatrale, Allen si dedica soprattutto al cinema, e la sua carriera, segnata dal legame sentimentale e professionale con Diane Keaton, è inarrestabile; in pochi anni gira Il dormiglione[39] (1973) e Amore e guerra (1975), e riceve un Orso d'Argento al Festival di Berlino in riconoscimento dell'attività svolta come cineasta per soli quattro film.[40] Tutti i primi film di Allen sono commedie pure che puntano molto su una comicità fisica slapstick, protagonista di tutte queste sue prime pellicole è lo stesso Allen, che punta molto sulla sua figura perfetta per il suo stile di comicità.

Il grande successo[modifica | modifica sorgente]

« Ogni volta, quando un mio film ha successo, mi chiedo: come ho fatto a fregarli ancora?[41] »

Nel 1976 recita in Il prestanome di Martin Ritt, una pungente satira sulle "liste nere" della Hollywood maccartista degli anni cinquanta. I maggiori successi di Allen, critici e commerciali, arrivano nel decennio che inizia nel 1977 con l'uscita nelle sale di Io e Annie,[42] che gli vale 4 Oscar 1978 ("miglior film, "miglior regia", "miglior sceneggiatura originale" e "miglior attrice protagonista" alla Keaton) e 1 Golden Globe ("miglior attrice protagonista musical/commedia", sempre alla Keaton). Il film influenzò la moda del tempo con il particolare stile degli abiti scelti dalla Keaton per il suo personaggio; il film è di per sé un omaggio alla sua compagna. Anche dopo la fine della relazione, Allen e la Keaton rimasero amici.[43] Alla pellicola seguono in breve tempo altri due successi, il sofisticato Interiors[44] (1978), suo primo film drammatico e prima pellicola nella quale non appare in veste di attore, ispirato ad uno degli idoli di Allen, Ingmar Bergman,[45] e Manhattan[46] (1979), con le musiche di George Gershwin. Negli anni ottanta Allen comincia ad inserire nei suoi film diversi riferimenti filosofici. Al Festival di New York del 1980 presenta Stardust Memories, dalla forte componente autobiografica, ispirato al cinema europeo ed in particolare a Federico Fellini[47] ed Ingmar Bergman, accolto freddamente dai critici.[48] L'anno successivo scrive e dirige Zelig,[49] tragicomica parodia idiosincratica di un documentario degli anni venti e trenta, da molti considerato uno dei suoi capolavori.[50]

La relazione con Mia Farrow e lo scandalo con Soon-Yi Previn[modifica | modifica sorgente]

Verso il 1980, Allen iniziò una lunga relazione, durata oltre dodici anni, con l'attrice Mia Farrow, la quale, come Louise Lasser prima e Diane Keaton poi, avrà da quel momento i ruoli da protagonista in diversi suoi film, come ad esempio in Una commedia sexy in una notte di mezza estate (1982). La Farrow ed Allen non si sposarono né convissero mai per lunghi periodi. La Farrow adottò altri due bambini, Dylan Farrow (che ha poi cambiato il suo nome in "Eliza" e successivamente in "Malone") e Moses "Misha" Farrow, il quale chiese esplicitamente ad Allen di adottarlo. Ebbero un figlio biologico, Satchel Ronan O'Sullivan Farrow Allen (noto poi come Seamus Ronan O'Sullivan Farrow e poi come Ronan Farrow). Secondo dichiarazioni della Farrow, in realtà Ronan potrebbe non essere figlio naturale di Allen (come lei aveva precedentemente dichiarato), ma dell'ex marito dell'attrice, Frank Sinatra, con cui non ha mai smesso di frequentarsi nei successivi vent'anni dopo il loro divorzio.[51][52]

Mia Farrow, all'inizio della sua relazione con Woody Allen nel 1980

Allen non adotterà nessuno degli altri figli della Farrow e del suo ex-marito André Previn, compresa l'orfana coreana Soon-Yi Farrow Previn. Allen e la Farrow si separano nel 1992, dopo che l'attrice scoprì alcune fotografie di Soon-Yi nuda scattate dal compagno nel mese di gennaio e dopo la successiva ammissione di Allen della relazione con la figliastra, iniziata un mese prima della scoperta.[53] Inizialmente Allen tentò di ricucire il rapporto, ma alla fine fu costretto ad andarsene di casa con Soon-Yi. Con la separazione, iniziò una lunga e pubblica battaglia legale tra Allen e la Farrow per la custodia dei figli.[54]

Durante il processo, la Farrow accusò l'ex compagno di abusi sessuali sulla figlia adottiva Dylan, di sette anni.[55] Il giudice concluse che le accuse erano prive di fondamento e la vertenza non giunge mai in tribunale. Allen non venne indagato, ma il giudice definì comunque "inappropriata" la sua condotta. I periti medici e psicologici dichiararono nel 1993 che non è mai esistito alcun abuso da parte di Allen, che le accuse erano "frutto di fantasia"[56], anche se entrambi i genitori vennero definiti "psicologicamente instabili" e "inadeguati", con - da parte del regista - comportamenti affettivi "eccessivi", che potevano essere equivocati nella mente di una bambina.[57] Allen, i suoi famigliari, amici e i suoi legali hanno sempre negato ogni accusa, lasciando intendere una manipolazione psicologica della madre sulla figlia (la quale anche anni dopo ripeté quelle accuse, affermando però allo stesso tempo di non ricordare alcuni particolari precisi, talvolta invece di ricordare tutto[58][52]) nonché sottolineando le contraddizioni e le inconsistenze delle varie testimonianze ascrivendo il tutto ad una vendetta della Farrow.[59] Lei e i figli adottivi avuti con Previn arrivarono, secondo le loro stesse dichiarazioni, a rimuovere l'immagine di Allen dalle foto di famiglia[52], mentre Soon-Yi, dal canto suo, accusò la madre adottiva di averla aggredita e picchiata, e di altri abusi fisici e morali.[59] Nel 2014, alle reiterate accuse pubbliche, Allen ha risposto tramite il suo legale definendo Malone come "bugiarda" e le accuse "false e vergognose" in quanto «all'epoca un'indagine minuziosa era stata condotta da esperti indipendenti incaricati dal tribunale» che affermarono che «non vi erano prove credibili dell'aggressione; che Dylan Farrow era incapace di distinguere tra immaginazione e realtà; che Dylan Farrow era stata probabilmente manipolata dalla madre Mia Farrow».[60] L'altro figlio adottivo, Moses, ha invece difeso Allen in polemica con la sorella.[61] Woody Allen, nel 1994, chiese comunque l'affidamento dei tre figli, ma gli venne negato, a dispetto del parere formulato dagli esperti[56][62] a causa del suo rapporto con Soon-Yi, sorella adottiva dei tre bambini[63]; la custodia dei figli della coppia venne concessa in esclusiva alla Farrow, mentre ad Allen venne negato il permesso di visitare Dylan; poté, dal quel momento, vedere Ronan, che nel 1992 aveva cinque anni, solamente sotto supervisione, mentre Moses, all'epoca quattordicenne, decise di non frequentare suo padre; successivamente ha rotto i rapporti anche con la madre, accusandola di averlo picchiato spesso, per riprendere da adulto i contatti con Allen.[64]. Ronan, l'unico presunto figlio biologico di Allen, su cinque avuti durante la sua vita, è oggi un noto avvocato e attivista per i diritti umani. Dalla maggiore età, ha avuto pochissimi - quasi nulli - rapporti col padre: essendo principalmente cresciuto con la Farrow, Ronan considera Soon-Yi sua sorella adottiva, e ha affermato che Allen, sposandola, sarebbe divenuto, secondo la sua visione, "suo cognato", e sostiene quindi che la loro relazione sia immorale, benché Allen non abbia mai avuto alcuna parentela legale con la giovane moglie, rifiutandosi quindi di vederlo.[65] Ronan si considera figlio naturale di Allen e non di Sinatra[66], ma, dal canto suo, lui, ma anche sua madre hanno spesso attaccato duramente il regista, in alcuni interventi pubblici.[67] Allen e la Previn hanno risposto più volte alle accuse della famiglia Farrow; nel 2011 il regista dichiarò: "Dov'era lo scandalo? Mi sono innamorato di questa ragazza, e l'ho sposata. Siamo sposati da quasi 15 anni." Soon-Yi, già nel 1992 affermò che "pensare che Woody fosse un padre o patrigno, per me è ridicolo. I miei genitori sono André e Mia Previn, ma ovviamente nemmeno loro sono i miei veri genitori. Sono venuta in America quando avevo sette anni. (...) Lui si dedicava esclusivamente ai suoi figli e al suo lavoro, e non avevamo mai passato un momento insieme".[68]

Nonostante non fosse il suo vero patrigno, anche perché non convissero mai prima della loro relazione, tuttavia il rapporto destò comunque scalpore e attirò molte critiche che influirono negativamente anche sulla carriera cinematografica di Allen. I figli di Woody Allen divennero poi legalmente solo tre (compresi quelli adottati successivamente), in quanto Moses e Malone ebbero un disconoscimento dell'adozione, poiché adottati solo su richiesta della Farrow.[69] Secondo le dichiarazioni del regista la storia con Soon-Yi sarebbe cominciata a partire dalla fine del liceo da parte della ragazza, della quale, essendo orfana, non si conosce l'età esatta; la differenza di età tra i due è comunque stimata intorno ai 35 anni.[70] I giornali scandalistici si impossessarono della vicenda e montarono un vero e proprio caso, nonostante Allen non fosse più accusato di alcun reato, facendolo finire al centro di un enorme scandalo mediatico.

Ad appena un anno dalla separazione e dalla battaglia legale, Allen considererà comunque brevemente la Farrow come candidata per il ruolo di sua moglie nel film La dea dell'amore, ruolo poi andato a Helena Bonham Carter. La coppia Allen-Farrow ha girato 13 film: Una commedia sexy in una notte di mezza estate (1982), Zelig (1983), Broadway Danny Rose (1984), La rosa purpurea del Cairo (1985), Hannah e le sue sorelle (1986), Radio Days (1987), Settembre (1987), Un'altra donna (1988), New York Stories (1989), Crimini e misfatti (1989), Alice (1990), Ombre e nebbia (1992) e Mariti e mogli (1992).

In un'intervista del 2005 a Vanity Fair, Allen ha dichiarato che nonostante lo scandalo che ha danneggiato la sua reputazione e la sua immagine, la scoperta delle fotografie da parte della Farrow fu "solo uno degli eventi fortuiti, dei colpi di fortuna della mia vita […] è stato un punto di svolta in meglio." Sulla sua relazione con la Farrow, e poi con Soon-Yi, ha dichiarato: "Sono sicuro che ci sono delle cose che avrei dovuto fare diversamente. […] Probabilmente in retrospettiva avrei dovuto dichiarare la relazione finita prima di quanto feci."[71].

Il terzo matrimonio[modifica | modifica sorgente]

Palazzo Cavalli-Franchetti a Venezia, luogo delle terze nozze di Allen

Dopo la separazione ufficiale dalla ex-compagna, il regista continuò apertamente la sua relazione con Soon-Yi Previn. All'epoca aveva 57 anni e la Previn 22. La coppia si è sposata il 22 dicembre 1997[72] a Palazzo Cavalli-Franchetti, a Venezia, città amata da Allen. La cerimonia civile, celebrata dal sindaco Massimo Cacciari, si svolse in segreto, alla presenza di quattro persone, tra cui la sorella, la nipote e il cognato di Allen.[73] Successivamente hanno adottato due figlie, entrambe di origini asiatiche, Bechet Dumain Allen, cinese, adottata nel maggio 1999 e Manzie Tio Allen, nell'ottobre 2000, nata sei mesi prima nello Stato del Texas, da genitori coreani[74] (i nomi sono stati scelti da Allen da due dei suoi jazzisti preferiti, rispettivamente Sidney Bechet e Manzie Johnson).

Gli altri successi[modifica | modifica sorgente]

Per quanto riguarda la sua carriera, a partire dalla metà degli anni ottanta Allen inizia, quindi, a mescolare nelle sue opere aspetti romantici, comici e tragici. Negli anni successivi escono in successione Broadway Danny Rose,[75] caratterizzato dall'impiego di attori non professionisti, La rosa purpurea del Cairo[76] (1985), un altro film meta-cinematografico molto apprezzato dalla critica[77] e uno dei film preferiti dello stesso Allen, e Hannah e le sue sorelle (1986), vincitore di tre Oscar 1987 ("miglior sceneggiatura originale", "miglior attore non protagonista" a Michael Caine e "miglior attrice non protagonista" a Dianne Wiest).

Nel 1987 dirige ben due film, Radio Days[78] e Settembre, altra pellicola di ispirazione felliniana e bergmaniana.[79] Nello stesso anno, dall'unione con la Farrow era nato Satchel, il suo primo figlio, e partecipa a King Lear di Jean-Luc Godard. Nel 1988 dirige Un'altra donna[80] e partecipa al film collettivo New York Stories, insieme a Martin Scorsese e Francis Ford Coppola, dirigendo l'episodio Edipo relitto.

Nel 1989 Crimini e misfatti, uno dei suoi film più amati, ottiene un buon successo di pubblico e critica. L'anno successivo esce Alice, del quale è protagonista incontrastata Mia Farrow. Allen, nel frattempo, recita a fianco a Bette Midler in Storie di amori e infedeltà, diretto da Paul Mazursky. Al Festival di Berlino del 1992 viene presentato, con scarso successo, Ombre e nebbia, un omaggio in bianco e nero al cinema espressionista tedesco del secondo decennio del XX secolo, un omaggio a Franz Kafka.[81] Nello stesso anno accetta di produrre quattro spot televisivi di quarantacinque secondi per la Coop, la catena di supermercati italiani.

Il ritorno al cinema[modifica | modifica sorgente]

Nel 1993, dopo lo scandalo con Soon-Yi, tornò al cinema con Mariti e mogli,[82] l'ultimo film della coppia Allen-Farrow, con un cast di quarantadue attori,[83] di cui sette protagonisti, cui segue Misterioso omicidio a Manhattan (1993), che combina thriller e commedia nera, e Pallottole su Broadway (1994). Nello stesso anno dirige la trasposizione televisiva di una sua vecchia commedia per la ABC, Don't Drink the Water, già precedentemente portata sul grande schermo da Howard Morris, con il titolo Come ti dirotto il jet, nel 1969.

Nel 1995 esce La dea dell'amore,[84] che frutta un premio Oscar alla protagonista Mira Sorvino; nel 1996 Allen dirige il suo primo musical,[85] Tutti dicono I Love You,[86] ambientato a Venezia, New York e Parigi. Gli attori furono informati dal regista che avrebbero dovuto cantare loro stessi solamente il primo giorno delle riprese. Subito dopo la realizzazione della pellicola Allen ha dichiarato di voler dirigere un altro musical, ma da allora non si è mai saputo più nulla di tale progetto.[87] Nel 1997 è la volta di Harry a pezzi, che ottiene una nomination all'Oscar per la migliore sceneggiatura originale.

Dopo aver sposato, il 22 dicembre 1997 a Venezia, la compagna Soon-Yi, alimentando nuove polemiche, si dedicò a un progetto sul mondo del cinema e della moda, Celebrity (1998), completamente girato a New York, in bianco e nero, che si avvale della fotografia di Sven Nykvist, col quale aveva già collaborato negli anni ottanta, e che vanta un ricco cast comprendente Leonardo DiCaprio, Melanie Griffith, Kenneth Branagh, Charlize Theron e Winona Ryder. Nel 1998 esordisce come doppiatore nel film d'animazione della DreamWorks Z la formica, nel quale dà la voce a Z, il protagonista del film, formica nevrotica modellata sulla sua personalità e sul suo aspetto; esce anche Wild Man Blues, un documentario di Barbara Kopple che ha seguito il tour europeo di Allen e della sua jazz band. Nel 1999 esce Accordi e disaccordi, presentato fuori concorso alla Mostra di Venezia, falso documentario dedicato al mondo del jazz degli anni trenta.

I flop e la crisi[modifica | modifica sorgente]

Woody Allen e Chloe Sevigny alla presentazione di Melinda e Melinda nel 2006

Nel 2000 cambia studio di produzione e passa alla DreamWorks SKG: il primo film girato per la nuova compagnia è Criminali da strapazzo. La pellicola è un discreto successo commerciale in patria, ma le quattro successive si rivelano dei flop al botteghino e vengono accolte male dalla critica: nel 2001 dirige La maledizione dello scorpione di giada, un omaggio ai film dell'epoca d'oro di Hollywood, e continua la sua prolifica produzione con Hollywood Ending (2002), altro film autobiografico (nel quale, non a caso, interpreta un vecchio regista hollywoodiano in declino), Anything Else (2003) e Melinda e Melinda (2004).

I suoi film ottengono quasi sempre un maggior successo in Europa (in particolare in Francia e in Italia, dove il regista ha molti fan), e lo stesso Allen dichiarò le sue difficoltà nel mercato statunitense, ammettendo di "sopravvivere" grazie al mercato europeo.[88] Nel frattempo nel 2000 recita in Ho solo fatto a pezzi mia moglie di Alfonso Arau.

Il ritorno al successo: la trilogia londinese e il film "spagnolo"[modifica | modifica sorgente]

Il ritorno alla ribalta, quando tutti ormai lo consideravano un regista sul viale del tramonto,[89] avviene al Festival di Cannes 2005, dove presenta una pellicola assolutamente atipica per la sua filmografia, Match Point, con Jonathan Rhys-Meyers e Scarlett Johansson. Allen, questa volta solo sceneggiatore e regista, abbandona i toni della commedia per girare un dramma/thriller di denuncia sociale (in parte liberamente ispirato dal celebre romanzo Delitto e castigo di Fëdor Michajlovič Dostoevskij). La pellicola è insolitamente ambientata per la prima volta a Londra[90] (lontano dalla sua New York), e adotta anche una colonna sonora decisamente nuova per Allen: non più jazz, ma opera lirica.

Woody Allen a New York nel 2006

Il film incassò negli USA più di 23 milioni di dollari[91] (rivelandosi il suo film più proficuo degli ultimi 20 anni) e Allen ricevette ancora una volta una candidatura agli Oscar per la sceneggiatura. Il regista lo considera tra i suoi film meglio riusciti (nel senso di più fedeli alla sua visione originale), come ha dichiarato in un'intervista concessa a Premiere Magazine.[92] Il 28 luglio 2006 esce negli USA il suo nuovo film, Scoop,[93] scritto appositamente per poter nuovamente lavorare con Scarlett Johansson, divenuta sua nuova musa (cosa, in realtà, negata da entrambi), accanto a Hugh Jackman, Ian McShane e Kevin McNally, e nuovamente ambientato a Londra.

Nel film, in un ritorno alla commedia, Allen tornò a recitare dopo 3 anni di assenza dagli schermi (l'ultima apparizione era stata in Anything Else nel 2003). Il terzo ed ultimo film ambientato nella capitale britannica (e l'unico dei tre senza Scarlett Johansson nel cast) è Sogni e delitti, presentato fuori concorso alla 64ª Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia, la cui uscita nella sale cinematografiche italiane è stata il 1º febbraio 2008.

La pellicola segna un ritorno ai toni cupi e drammatici di Match Point, dopo il breve ritorno alla commedia leggera di Scoop; il cast vede come protagonisti Colin Farrell, Ewan McGregor (che interpretano due fratelli), Tom Wilkinson, Hayley Atwell e Sally Hawkins. Nel frattempo Allen torna alla narrativa dopo 25 anni di assenza pubblicando la raccolta di racconti umoristici Pura anarchia. Il film successivo di Allen (2008) è Vicky Cristina Barcelona, il suo quarto lungometraggio girato al di fuori degli Stati Uniti, questa volta in Spagna, principalmente a Barcellona.

Del cast fanno parte Scarlett Johansson, Penélope Cruz, che per il ruolo ha vinto il premio Oscar come migliore attrice non protagonista nel 2009, il primo assegnato ad un'attrice spagnola, Javier Bardem e Rebecca Hall. Nel film appare, in un breve cameo, Joan Pera, storico doppiatore spagnolo di Allen.[94] Il film tratta di un intrigo amoroso a Barcellona tra un pittore, la sua ex e due turiste americane. Il film si rivela, inaspettatamente, un vero successo, e, assieme a Match point, uno dei film più proficui del regista.[95]

Il ritorno a New York[modifica | modifica sorgente]

Dopo il lungo soggiorno "cinematografico" in Europa, Allen decise di tornare nella sua New York per il progetto successivo, Basta che funzioni,[96] una commedia drammatica dai forti toni autobiografici, con Larry David, Evan Rachel Wood e Patricia Clarkson. Il film era stato scritto da Allen verso la fine degli anni settanta ed il protagonista, interpretato da Larry David, era sceneggiato per Zero Mostel, che tuttavia morì nel 1977, l'anno di uscita di Io e Annie, prima che il progetto potesse realizzarsi, e portando Allen a "congelare" di fatto il film per oltre trent'anni.[97]

Anni successivi: commedie e nuovi film in Europa[modifica | modifica sorgente]

Woody Allen (al centro) e il cast di Incontrerai l'uomo dei tuoi sogni: da sinistra Lucy Punch, Josh Brolin, Woody Allen, Naomi Watts e Gemma Jones al Festival di Cannes 2010

Nel 2010 dirige Incontrerai l'uomo dei tuoi sogni,[98] interpretato da un nutrito cast che comprende Antonio Banderas, Josh Brolin, Anthony Hopkins, Anupam Kher, Freida Pinto e Naomi Watts, mentre L'11 maggio 2011 esce Midnight in Paris[99], con un cast comprendente Owen Wilson, Rachel McAdams, Marion Cotillard, Kurt Fuller, Michael Sheen, Adrien Brody, Tom Hiddleston e un cameo di Carla Bruni[100]. Il film gli fa ottenere un Golden Globe per la miglior sceneggiatura originale, ed il suo quarto Oscar, il terzo per la sceneggiatura originale.

Nel 2011 gira nei mesi di luglio e agosto a Roma il suo nuovo film con il celebre attore e regista italiano Roberto Benigni e nuovamente con l'attrice spagnola Penelope Cruz, che doveva inizialmente chiamarsi Bop Decameron o Nero Fiddle. Ad ottobre del 2011 il regista comunica di aver cambiato il nome del film, uscito poi nel 2012, in To Rome with Love.[101]

Nel 2013 dirige il film Blue Jasmine, di cui ha anche scritto la sceneggiatura. Anche in questo caso Allen si rivede candidato all'Oscar per la miglior sceneggiatura originale, categoria che l'ha consacrato nel mondo dell'Academy Award. La protagonista, Cate Blanchett, grazie a questo film ottiene il suo secondo Premio Oscar e il terzo Golden Globe.

Idee politiche[modifica | modifica sorgente]

Non è mai stato apertamente schierato politicamente, ma negli ultimi anni ha sostenuto esplicitamente il Partito Democratico statunitense, anche se ha ammesso di non averlo sempre scelto, in passato.[102] Sulla politica statunitense ha detto che «in generale un'affermazione della destra è sempre una cattiva notizia, è sempre una faccenda pericolosa. Perché la destra dà risposte molto semplici, dirette a problemi enormi. Ci sono i senzatetto? Che se ne vadano. C'è un aumento di criminali? Ripristiniamo la pena di morte. Soluzioni che naturalmente non tentano di capire il perché dei fenomeni a cui vengono applicate. Al momento possono sembrare efficaci, ma fra venti anni sarà peggio e ne faranno le spese le generazioni del futuro che di nuovo si troveranno di fronte problemi gravissimi».[103]

Riguardo alla politica estera e allo stato d'Israele ha dichiarato:

« Io sono un sostenitore d'Israele, mi sono sempre sentito offeso per le sofferenze inflitte a questa piccola nazione dai vicini nemici, da vili terroristi e da gran parte del mondo. Ma ora sono indignato dal trattamento che gli israeliani infliggono ai palestinesi in rivolta. Ma dico, ragazzi, stiamo scherzando? Soldati che picchiano la popolazione civile per dare un esempio? Che rompono le mani e le braccia di ragazzi e donne per impedirgli di tirare le pietre? Che rastrellano la gente nelle case e li bastonano per ridurli, col terrore, alla calma? Quasi non riesco a credere a quello che leggo nei giornali: davvero sono stati bloccati gli aiuti alimentari e le medicine per rendere la vita impossibile ai ribelli? E' proprio vero che si è fatto fuoco sulla folla e che si è passati alle pallottole di gomma solo quando gli Stati Uniti hanno protestato? E' vero che è stata usata anche la tortura, con il beneplacito dello Stato? (...) Non posso crederci, e non so neanche dire che cosa si debba fare. Forse per molti di noi che si danno da fare perché Israele esista e prosperi, è arrivato il momento di parlare con franchezza e di usare ogni metodo di pressione, morale, finanziario, politico, per far cessare questo modo sbagliato di risolvere il problema.[104] »
« L'origine dei problemi che ci sono in Israele è l'atteggiamento poco comprensivo che c'è stato nei confronti di un paese giovane che e' stato costretto a diventare aggressivo per necessità... La storia di Israele è cominciata come quella di un paese meraviglioso ma è poi stato perseguitato duramente, colpito e combattuto senza tregua... Oramai gli errori sono da ambedue le parti, ma l'origine dei problemi è dovuta all'atteggiamento poco comprensivo che c'è stato nei confronti di un paese giovane che è diventato aggressivo per necessità.[105] »

Nel 2013 ha equiparato l'odio verso Israele a quello verso gli ebrei, affermando che dietro le polemiche contro Israele si cela "un odio ancora più profondo" nei confronti del popolo ebraico: «Molta gente camuffa i suoi sentimenti negativi nei confronti degli ebrei con una critica, critica politica, riguardo Israele. In sostanza ciò che realmente intendono è che non gli piacciono gli ebrei. (...) Visti i bassi standard di tolleranza in tutto il mondo, l'America è un posto tollerante con gli ebrei».[106]

Estetica e stile[modifica | modifica sorgente]

« Dio è morto, Marx è morto, e anch'io non mi sento tanto bene. »
(da Io e Annie[107])

Quasi tutte le sequenze dei titoli di apertura e di chiusura dei film di Allen presentano come carattere di scrittura il Windsor bianco su sfondo nero, senza effetti di scorrimento, con musica jazz di sottofondo. Il cinema di Allen contiene molti riferimenti all'umorismo ebraico, alla filosofia, alla psicoanalisi e anche, in maniera critica e satirica, alla religione.[108]

Allen si rifiuta di guardare i suoi film dopo la loro uscita nelle sale; il regista, infatti, ha affermato che rivedendo la pellicola finita sicuramente penserebbe che il film non sia sufficientemente buono e che avrebbe potuto fare di meglio.[109] Anche per questo motivo non ha mai registrato un commento audio per nessuno dei suoi film da includere nei DVD, per i quali pretende edizioni semplici, prive di extra, monodisco e con l'audio mono che caratterizza tutti i suoi film.

I primi film slapstick[modifica | modifica sorgente]

I primi anni della carriera risentono fortemente delle precedenti esperienze di Allen in televisione e come comico. Il suo talento camaleontico si esprime nelle prime pellicole in tutte le sue forme, come regista-sceneggiatore-attore, decretandolo protagonista assoluto e mattatore dei suoi primi lavori, commedie pure che presentano una comicità molto semplice e fisica, da classica slapstick comedy, espressa con un ritmo frenetico di gag visive e battute fulminanti, che da sempre caratterizzano i dialoghi di Allen, tenute insieme da una trama esile, creata ad arte come raccordo tra le varie situazioni necessarie per gli sketch.

Allen punta molto sulla sua figura, plasmandosi addosso un personaggio su misura per il suo stile, sviluppato a partire dai primi anni del cabaret e perfezionato nel tempo, divenuto poi l'immagine classica percepita dal pubblico; nevrotico, paranoico, impacciato e sfortunato con le donne, Allen sceglie sempre al suo fianco come co-protagonista le proprie compagne, prima Louise Lasser, poi Diane Keaton e infine Mia Farrow, dopo la quale non ci sarà più una "primadonna".

Tra le maggiori influenze di questo periodo figurano Bob Hope e Groucho Marx. In tutti i primi film, Prendi i soldi e scappa (1969), Il dittatore dello stato libero di Bananas (1971), Tutto quello che avreste voluto sapere sul sesso* (*ma non avete mai osato chiedere) (1972), Il dormiglione (1973) e Amore e guerra[110] (1975), sono presenti elementi surreali ed assurdi, a caratterizzare ed amplificare l'effetto comico. Allen, per esempio, indossa continuamente i suoi occhiali con la montatura nera, tipicamente anni settanta, ma che non abbandonerà mai, anche in Amore e guerra, ambientato in Russia in epoca napoleonica.

Le commedie sofisticate[modifica | modifica sorgente]

Ingmar Bergman, principale modello del regista
Federico Fellini, un altro esempio per Allen

Il punto di svolta arriva nel 1977 con quello che è considerato il suo capolavoro, Io e Annie;[111] i maggiori successi critici e commerciali di Allen arrivano proprio nel decennio che inizia con l'uscita nelle sale di questa pellicola. Il film, considerato un classico moderno, segna il passaggio di Allen ad una comicità più sofisticata, mescolata ad aspetti drammatici, segnando allo stesso tempo un nuovo modello per il genere della commedia romantica.

Negli anni ottanta comincia ad inserire nei suoi film diversi riferimenti filosofici e dimostra il suo anticonformismo. I film di Allen non sono più solamente comici, ma portano con sé una componente riflessiva più marcata; la trama non è più solo un filo conduttore per legare un susseguirsi di gag e battute, ma assume un ruolo centrale nel film, diventando più studiata, arricchita da sottotrame romantiche e drammatiche. Seguirono altri film come Interiors (1978) e Manhattan (1979), una serenata alla sua amata New York, definito da alcuni critici statunitensi "l'unico grande film americano degli anni settanta",[112] condito da una comicità meno buffonesca e più riflessiva.

In questo periodo emerge una delle caratteristiche peculiari della cinematografia alleniana, che sarà d'ora in poi una costante, la riflessione sul ruolo stesso del regista, dell'autore e, più in generale, una riflessione sull'arte cinematografica, che daranno vita ad una serie di pellicole meta-cinematografiche e dai forti toni autobiografici. Solitamente il protagonista di queste pellicole è lo stesso Allen, ma nel tempo, con l'avanzare dell'età, ha talvolta ceduto il "suo ruolo": a John Cusack in Pallottole su Broadway (1994), Kenneth Branagh in Celebrity (1998), Jason Biggs in Anything Else (2003), Will Ferrell in Melinda e Melinda (2004) e Owen Wilson in Midnight in Paris (2011).

La prima pellicola di questo genere è Stardust Memories (1980), dalla forte componente personale autobiografica, ispirato al cinema europeo ed in particolare a Federico Fellini e di nuovo a Ingmar Bergman. Nel film un regista di successo, Sandy Bates, interpretato dallo stesso Allen, esprime il suo risentimento e il suo disprezzo per i propri fan; sconvolto dalla recente morte di un caro amico, Bates afferma di non voler mai più girare film comici, ed una gag ricorrente per tutto il film vede diverse persone (compreso un gruppo di alieni) esprimere a Bates il proprio apprezzamento per i suoi film, "specialmente i primi comici". La gag è chiaramente uno sfogo dello stesso Allen e del suo pensiero, frustrato dai continui commenti di chi lo ritiene solo un autore comico.

Questo tipo di riflessione continua nelle pellicole successive, Zelig (1983), tragi-comica parodia idiosincratica di un documentario degli anni venti-trenta, Broadway Danny Rose (1984), caratterizzato dall'impiego di attori non professionisti, e La rosa purpurea del Cairo (1985), che in un'intervista con Tim Teeman al Times cita come uno dei suoi sei film meglio riusciti.[88] A partire dalla metà degli anni ottanta Allen inizia, quindi, a mescolare nelle sue opere aspetti romantici, comici e tragici.

Si susseguono in breve tempo Hannah e le sue sorelle (1986), vincitore di tre Oscar 1987 ("miglior sceneggiatura originale", "miglior attore non protagonista" a Michael Caine e "miglior attrice non protagonista" a Dianne Wiest), Radio Days (1987), nel quale recitano fianco a fianco Diane Keaton e Mia Farrow, Settembre (1987), altra pellicola di ispirazione felliniana ed bergmaniana, e Un'altra donna (1988), oltre al film collettivo New York Stories, insieme a Martin Scorsese e Francis Ford Coppola, dirigendo l'episodio Edipo relitto.

Nel 1989 Crimini e misfatti, il cui il tema centrale è l'ipocrisia borghese nella tradizione ebraica, ottiene un buon successo di pubblico e critica, e l'anno successivo esce Alice, del quale è protagonista incontrastata Mia Farrow. Al Festival di Berlino del 1992 viene presentato, con scarso successo, Ombre e nebbia, un omaggio in bianco e nero al cinema espressionista tedesco. Altri sue opere Mariti e mogli, il film più autobiografico e sincero,[113] e Pallottole su Broadway (1994).

Il ritorno ai toni leggeri[modifica | modifica sorgente]

La statua di Allen ad Oviedo, Spagna

Verso la metà degli anni novanta la sua produzione torna ad assumere toni più leggeri, pur mantenendo uno stile ricercato ed intelligente; nel 1995 esce La dea dell'amore, nel 1996 Allen dirige il suo primo musical, Tutti dicono I Love You. Nel 1997 è la volta di Harry a pezzi, altro film meta-cinematografico ispirato al capolavoro del regista svedese Ingmar Bergman Il posto delle fragole (1957).

Nel 1999 esce Accordi e disaccordi, presentato fuori concorso alla Mostra di Venezia, falso documentario dedicato al mondo del jazz degli anni trenta. Nel 2000 è la volta di Criminali da strapazzo, primo film girato per la DreamWorks SKG, che presenta un'inversione di tendenza: Allen inizia a concedere più interviste e sembra intenzionato a tornare alle origini del suo stile comico.[114]

Il dramma e la commedia[modifica | modifica sorgente]

Il ritorno alla ribalta avviene al Festival di Cannes 2005, dove presenta un film atipico per la sua filmografia, Match Point, con Jonathan Rhys-Meyers e Scarlett Johansson. Allen, questa volta solo sceneggiatore e regista, abbandona i toni della commedia per girare un dramma/thriller ambientato a Londra, lontano dalla sua New York, e cambia anche la colonna sonora: non più jazz, ma musica lirica. In un'intervista concessa a Premiere Magazine, Allen ha dichiarato di considerare Match Point il suo miglior film.

Segue una commedia, Scoop (2006) e dopo la pausa leggera, Sogni e delitti che segna un ritorno ai toni cupi e drammatici di Match Point. Il suo quarto film europeo, Vicky Cristina Barcelona, è ancora una commedia drammatica, questa volta a sfondo sentimentale, ambientata nella capitale catalana. Con Basta che funzioni (2009) Woody Allen torna a girare nell'amata New York, dopo diversi anni di assenza. Con Midnight in Paris e To Rome With Love, commedie romantiche uscite rispettivamente nel 2011 e 2012, utilizza come sfondo le città europee di Parigi e Roma concludendo l'ideologica trilogia iniziata con Vicky Cristina Barcelona. Nel 2013 unisce molte tematiche che ha sempre trattato mettendo in scena uno scontro fra borghesia e ceto medio nella commedia dai toni cupi Blue Jasmine con protagonista Cate Blanchett.

Interessi e tematiche[modifica | modifica sorgente]

La psicoanalisi[modifica | modifica sorgente]

« E poi Freud – altro grande pessimista! Gesù, sono stato in analisi per anni. Non è successo niente. Il mio analista, per la frustrazione, cambiò attività. Aprì un self-service vegetariano. »
(Mickey Sachs/Woody Allen in Hannah e le sue sorelle)

Celebre per la sua immagine nevrotica, Allen ha passato più di trent'anni in psicoanalisi. Frequenta per la prima volta uno specialista nel 1959 poiché inizia a sentirsi malinconico senza capirne il motivo. Da allora la terapia diventa un appuntamento fisso ed irrinunciabile, in media una volta a settimana, tranne brevi periodi di pausa. In momenti più intensi, invece, Allen arriva a frequentare lo studio di psicologi addirittura tre volte a settimana.

Gran parte dei suoi film contengono riferimenti a questo suo problema o anche scene esplicite di psicoanalisi, ed è diventata una caratteristica essenziale del "personaggio" Allen. Persino il film d'animazione Z la formica, nel quale Allen doppia il protagonista Z, inizia con una classica scena di psicoanalisi.[115] Il regista ha dichiarato di aver concluso la terapia più o meno al tempo dell'inizio della sua relazione con Soon-Yi Previn, anche se ha dichiarato di soffrire ancora di claustrofobia ed agorafobia (paura degli spazi chiusi e di quelli troppo aperti). Fra le altre sue fobie, spesso ingigantite per l'effetto surreale dei suoi film, ma da lui anche confermate: è terrorizzato da insetti, cani, cervi, colori brillanti, strapiombi, dalla folla, dal cancro e dal sole.[116]

Il jazz e il clarinetto[modifica | modifica sorgente]

Woody Allen al clarinetto nel 2006
Woody Allen e la sua New Orleans Jazz Band nel 2003

Allen è un grandissimo fan e conoscitore della musica jazz, che spesso è una presenza prominente nelle colonne sonore delle sue opere, soprattutto quella classica americana degli anni trenta e anni quaranta.

Non a caso nel finale di Manhattan, nella scena nella quale Isaac Davis (interpretato dallo stesso Allen) elenca a se stesso, ed al pubblico della pellicola, le cose per cui vale veramente la pena vivere, accanto a Groucho Marx, Joe DiMaggio (nella versione originale si tratta in realtà di Willie Mays), il secondo movimento della sinfonia Jupiter di Mozart, i film svedesi, L'educazione sentimentale di Flaubert, Marlon Brando, Frank Sinatra, le "incredibili mele e pere" dipinte da Cézanne e i granchi da Sam Wo, mette il suo amato Louis Armstrong, e in particolare la sua celebre incisione di Potato Head Blues.

Accanto ad Armstrong, una presenza ricorrente nelle pellicole di Allen, il regista newyorchese ha usato autori classici del calibro di Irving Berlin (noto per non aver mai concesso a nessun altro regista, nemmeno a Federico Fellini, i diritti delle sue canzoni), Rodgers e Hammerstein, George Gershwin, le celebri orchestre di Tommy Dorsey e Glenn Miller e le performance di Fred Astaire e Ginger Rogers, che compaiono anche in uno spezzone de La rosa purpurea del Cairo nel quale ballano al ritmo di Cheek to Cheek; ma ha anche selezionato alcuni tra i migliori musicisti contemporanei, tra i quali Burt Bacharach (in Ciao Pussycat), Marvin Hamlisch (in Prendi i soldi e scappa e Il dittatore dello stato libero di Bananas) e Dick Hyman (in La rosa purpurea del Cairo e La dea dell'amore).

In alcuni casi, come per la colonna sonora de Il dormiglione, Allen stesso ha scritto le canzoni originali necessarie, interpretandole poi con la celebre Preservation Hall Jazz Band, o ha composto alcuni pezzi ispirandosi a grandi musicisti, non necessariamente jazzisti, come Sergej Prokofiev (per Amore e guerra, ambientato in Russia), Felix Mendelssohn (per Una commedia sexy in una notte di mezza estate), Kurt Weill (ispirandosi al suo Soldati e bombe per esigenze espressionistiche in Ombre e nebbia) o Frank Sinatra (ispirandosi a If You Are But a Dream per Radio Days). Tuttavia Allen non è solo un fan del jazz, ma lo ha sempre suonato sin dall'adolescenza per poter a sua volta esibirsi. All'età di quindici anni impara a suonare il clarinetto, esercitandosi giornalmente. I suoi primi spettacoli pubblici risalgono addirittura a partire dagli anni sessanta. Una delle sue prime performance televisive fu quella al The Dick Cavett Show il 20 ottobre 1971.[117]

Woody Allen e la sua New Orleans Jazz Band a partire dagli anni settanta suonano tutti i lunedì sera al Cafè Carlyle di Manhattan (fino al 1997 suonavano al Michael's Pub),[118] un piccolo locale sempre assiepato dai fan, soprattutto europei, tranne rari casi nei quali Allen è fuori città per la lavorazione dei suoi film. Il gruppo è specializzato in New Orleans jazz degli inizi del XX secolo, lo stile tipico, tra gli altri, di Louis Armstrong, ed ha pubblicato un CD originale, The Bunk Project (1993). Il gruppo ha intrapreso diversi tour, soprattutto in Europa, a proposito dei quali Allen, conscio della scarsità delle sue prestazioni musicali, affermò che il suo pubblico veniva per vederli e non per sentirli.

Il documentario Wild Man Blues (1997), diretto da Barbara Kopple, documenta un tour europeo del 1996 di Allen e il suo gruppo, così come la sua relazione con Soon-Yi Previn. La colonna sonora del documentario è interamente composta da brani interpretati dalla band, ed è stata pubblicata nel 1997. La sua passione lo ha portato a scegliere il suo nome d'arte da uno dei suoi idoli, il celebre clarinettista Woody Herman, ma anche a chiamare gli ultimi due figli adottati con la moglie Soon-Yi Previn, Bechet e Manzie, con i nomi di due dei suoi jazzisti preferiti, rispettivamente Sidney Bechet e Manzie Johnson.

New York, Parigi, Venezia[modifica | modifica sorgente]

Woody Allen al Festival di Cannes 2011

New York è senza dubbio la città che più viene associata a Woody Allen e alla sua opera, essendo la sua città natale, nonché il luogo dove ha sempre vissuto. A New York sono ambientati moltissimi suoi film, come il celeberrimo Manhattan. La comicità verbale di Allen è derivata da quella degli ambienti artistici ebraici newyorchesi; molti suoi racconti presentano termini dell'yiddish, la lingua degli ebrei dell'est europeo diffusa anche in queste zone della Grande Mela.[119] Non è possibile separare l'immagine del regista dalla sua città. La New York di Allen è quella degli intellettuali e delle classi medio-alte, non quella dei quartieri "bassi". Questo per il fatto che è quella da lui conosciuta di persona e non ha niente a vedere, come confermato da lui stesso, con una preferenza "classista".

A proposito, ha dichiarato in un'intervista, a una domanda sulle critiche ricevute sul fatto che si occuperebbe solo dei problemi della borghesia bianca della città: "Se è per questo la comunità ebraica mi accusa di parlare male degli ebrei e quella di colore stigmatizza il fatto che io non inserisco mai attori neri nelle mie pellicole… Io abito in una città ed in un certo ambiente ricco. Quello che mi diverte è raccontare quello che vedo. Tutti pensano che "i ricchi" non abbiano problemi, quando, invece, in ogni mio film dimostro come le persone abbienti hanno i problemi di tutti quando vengono a scontrarsi con le questioni di cuore o psicologiche.[120]"

L'amore per la sua città è stato rappresentato dal fatto che l'unica apparizione di Allen (tra l'altro fuori concorso, nel 2002) alla notte degli Oscar (cerimonia sempre disertata, anche quando era in gara e vinse) sia stata per sostenere, con un montaggio di clip newyorchesi tratti dai suoi film, la città, invitando il cinema a non abbandonarla dopo l'11 settembre. Il regista era presente il giorno degli attentati a Manhattan e si è detto "distrutto ma non sorpreso", e soprattutto orgoglioso, di come reagì la popolazione.[121]

Le altre città amate dal noto regista sono Parigi e soprattutto Venezia. Grande amante dell'Italia e della città lagunare, Allen ha contribuito economicamente alla ricostruzione del Gran Teatro La Fenice, distrutto da un incendio il 29 gennaio 1996 e riaperto il 14 dicembre 2003. Il 22 dicembre 1997 ha scelto Palazzo Cavalli-Franchetti per le sue terze nozze con Soon-Yi Previn. A proposito di Venezia ha dichiarato:

« Adoro la città, non mi piace la campagna. Fuori da New York ci sono solo due città al mondo dove mi sento a casa: una è Venezia, l'altra è Parigi. Sono venuto a Venezia per la prima volta a cinquant'anni e prima di arrivare, mentre stavo sull'aereo, ero preso dalle angosce: non mi piaceva molto l'idea di dovere andare in giro con una gondola oppure su una barca. Quando, però, mi sono trovato per la prima volta a solcare la laguna, il tempo melanconico, le emozioni del paesaggio, la gioia irrazionale che mi derivava dall'esserci me l'hanno fatta amare. So che è pazzesco, ma per qualche motivo che non so spiegare New York, Parigi e Venezia hanno per me un denominatore comune che me le fa sentire molto vicine. Io ho girato tutto il mondo e tutta l'Europa. Queste tre città, nel mio cuore, non hanno uguali. »

Il concetto di realtà-bellezza[modifica | modifica sorgente]

Fra le sue passioni vi è quella di seguire la squadra NBA della sua città, i New York Knicks, tanto che i piani di lavorazione sono basati anche sulle date e sugli orari delle partite, in modo che Allen possa finire in tempo le riprese della giornata e andare a vedere la partita. Inoltre, nutre una grande ammirazione per Ingmar Bergman, Anton Čechov, Groucho Marx e Louis Armstrong, arrivando a dire:

(EN)
« I've never felt Truth is Beauty, never. I've always felt that people can't take too much reality. I like being in Ingmar Bergman's world. Or in Louis Armstrong's world. Or in the world the New York Knicks. Because it's not this world. »
(IT)
« Non ho mai creduto che la bellezza fosse anche la verità, mai. Ho sempre creduto che la gente non possa sopportare troppo la realtà. Io amo vivere nel mondo di Ingmar Bergman. O in quello di Louis Armstrong. O in quello dei New York Knicks. Perché non si tratta di questo mondo. »
(Woody Allen, traduzione di Antonio Monda[122] Per la versione originale in lingua inglese: Woody Allen: interviews[123])

Premi e riconoscimenti[modifica | modifica sorgente]

Exquisite-kfind.png Per approfondire, vedi Lista di premi e riconoscimenti di Woody Allen.

Curiosità[modifica | modifica sorgente]

Nella sua carriera ha vinto ben 4 premi Oscar. Ma nessuno dei 4 premi è stato ritirato da lui personalmente.

Impatto culturale[modifica | modifica sorgente]

Secondo la vedova di Stanley Kubrick, Christiane, il regista aveva considerato Allen per il ruolo di Victor Ziegler nel suo ultimo film, Eyes Wide Shut, ruolo andato poi a Sidney Pollack.[124] Il film Io e Annie è giunto al 35º posto nella classifica 100 film della AFI del 2007[125] mentre in precedenza era al 31º posto[126].

Filmografia[modifica | modifica sorgente]

Exquisite-kfind.png Per approfondire, vedi Filmografia di Woody Allen.

Opere teatrali[modifica | modifica sorgente]

Anno Titolo Crediti Prima rappresentazione
1960 From A to Z Soggetto (autore del libro omonimo) Plymouth Theatre
1966 Don't Drink the Water Sceneggiatore
1969 Provaci ancora, Sam (Play It Again, Sam) Sceneggiatore, attore (Allan Felix) Broadhurst Theatre[127]
1975 Dio (God) Sceneggiatore
1975 Morte (Death) Sceneggiatore
1981 La lampadina galleggiante (The Floating Light Bulb) Sceneggiatore Vivian Beaumont Theatre
1995 Central Park West Sceneggiatore Variety Arts Theatre
2003 Old Sybrook Sceneggiatore, Regista Atlantic Theatre Company
2003 Riverside Drive Sceneggiatore, Regista Atlantic Theatre Company
2004 A Second Hand Memory Sceneggiatore, Regista Atlantic Theater Company
2011 Honeymoon Motel Sceneggiatore Brooks Atkinson Theatre

Libri[modifica | modifica sorgente]

L'opera scritta di Woody Allen nasce dalla trascrizione dei suoi monologhi e da molti racconti che l'autore ha pubblicato su quotidiani nel corso degli anni, integrata con inediti.
La sua abilità sta nel cogliere, in brevi racconti, l'ordinaria follia del quotidiano, trasformando situazioni normali o strane in gioiellini surreali, cogliendo le contraddizioni degli Stati Uniti e della società globale.

A fine 2004 la Bompiani ha deciso di pubblicare una nuova traduzione completa e fedele dei tre classici di Woody Allen a cura di Daniele Luttazzi poiché le precedenti traduzioni, pubblicate 30 anni prima, erano una versione addomesticata per avvicinare il mondo surreale di Allen al pubblico italiano, abituato ad una comicità televisiva più leggera.[119]

  • Getting even, New York, Random House, 1971.
Saperla lunga, traduzione parziale di Alberto Episcopi e Cathy Berberian, Milano, Bompiani, 1973; con introduzione di Umberto Eco (Allen Woody: un everyman per happy few), Milano, Bompiani, 1995. ISBN 88-452-2536-4. Tra le parti mancanti, il racconto Memorie del sovrappeso.
Rivincite, a cura di Daniele Luttazzi, Milano, Bompiani, 2004. ISBN 88-452-3306-5.
  • Without Feathers, New York, Random House, 1975.
Citarsi addosso, traduzione parziale di Cathy Berberian e Doretta Gelmini, Milano, Bompiani, 1976. Tra le parti mancanti, il racconto Origini dello slang.
Senza piume, a cura di Daniele Luttazzi, Milano, Bompiani, 2004. ISBN 88-452-3305-7.
  • The Lunatic's Tale, in "New Republic", 23 aprile 1977.
Il racconto del pazzo. Single, per sempre single!, traduzione di Pier Francesco Paolini, Bologna, Capriccio, 1989. ISBN 88-7055-095-8.
  • Side effects, New York, Random House, 1980.
Effetti collaterali, traduzione parziale di Pier Francesco Paolini, Milano, Bompiani, 1981. Tra le parti mancanti, il racconto Confessioni di un ladro.
Effetti collaterali', a cura di Daniele Luttazzi, Milano, Bompiani, 2004. ISBN 88-452-3304-9.
  • The Floating Light Bulb, New York, Random House, 1982. [commedia in due atti]
La lampadina galleggiante, traduzione di Cosimo Urbano e Vittorio di Giuro, Milano Baldini & Castoldi, 1993. ISBN 88-85988-58-X.
  • Mere Anarchy, New York, Random House, 2007. [raccolta di racconti]
Pura anarchia, traduzione di Carlo Prosperi, Milano, Bompiani, 2007. ISBN 978-88-452-5919-7.

Sceneggiature edite[modifica | modifica sorgente]

Autobiografie e interviste[modifica | modifica sorgente]

  • Woody Allen on Woody Allen. In Conversation with Stig Björkman, London, Faber and Faber, 1994.
Woody su Allen, traduzione di Annalisa Cara e Giampiero Cara, Roma-Bari, Laterza, 1994. ISBN 88-420-4454-7.
Io, Woody e Allen. Un regista si racconta, traduzione di Annalisa Cara, Giampiero Cara e Lucio Carbonelli, Roma, Minimum fax, 2005. ISBN 88-7521-058-6.
  • Conversation avec Woody Allen. D'après les entretiens parus dans Le monde, con Jean-Michel Frodon, Paris, Plon, 2000.
Conversazione con Woody Allen, traduzione di Elda Volterrani, Torino, Einaudi, 2001. ISBN 88-06-15907-0.
  • Match points. 1998-2005. Conversazioni con Woody Allen, con Marco Spagnoli, Reggio Emilia, Aliberti, 2006. ISBN 88-7424-145-3.
  • Conversations with Woody Allen. His Films, The Movies, and Moviemaking, con Eric Lax, New York, Knopf, 2007.
Conversazioni su di me e tutto il resto, traduzione di Carlo Prosperi, Milano, Bompiani Overlook, 2008. ISBN 978-88-452-6137-4.

Discografia[modifica | modifica sorgente]

Con la New Orleans Banjo Band:

Doppiatori italiani[modifica | modifica sorgente]

La voce ufficiale e "storica" di Woody Allen, che lo ha doppiato in tutti i suoi film, nonché negli spot pubblicitari ed interviste, è stata, fino alla scomparsa, quella dell'attore e comico Oreste Lionello, la cui voce è ormai comunemente identificata con l'immagine di Allen.[128] Le uniche eccezioni sono rappresentate da James Bond 007 - Casino Royale (1967, voce di Gianfranco Bellini), King Lear (1987, voce di Oliviero Dinelli) e Che fai, rubi? (1966, voce di Piero Tiberi) e il film tv I ragazzi irresistibili (1995, Giorgio Lopez). Dopo la morte di Lionello, il suo nuovo doppiatore è Leo Gullotta che lo ha doppiato a partire da To Rome with Love.

Nei film e nelle serie televisive in cui Allen presta la sua voce in qualità di doppiatore, è stato sostituito nelle versioni italiane da:

Lionello si è più volte dissociato dalle opinioni e dalle azioni di Woody Allen. Dopo lo scandalo della relazione con Soon-Yi Previn, dichiarò che non avrebbe più prestato la sua voce ad Allen, definendolo "un pedofilo", proposito poi ritirato. In occasione di un'intervista concessa da Allen a Paolo Bonolis all'interno della sua trasmissione Il senso della vita, Woody Allen dichiarò di essere ateo; Lionello, che doppiava l'intervista, registrata, volle prendere la parola per dissociarsi dai concetti espressi dal regista.[129]

Onorificenze[modifica | modifica sorgente]

Premio Principe delle Asturie per l'arte - nastrino per uniforme ordinaria Premio Principe delle Asturie per l'arte
— 2002

Note[modifica | modifica sorgente]

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  2. ^ Noel Botham, The Ultimate Book of Useless Information: A Few Thousand More Things You Might Need to Know (But Probably Don't), 2007.
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  4. ^ talvolta viene riportato Allen come primo nome
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  11. ^ Robert Benayoun, The films of Woody Allen, pag 21, Harmony Books, 1987, ISBN.
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  18. ^ Nancy Pogel, Woody Allen: Twayne's filmmakers series a biography, pag 26, Twayne, 1987, ISBN 978-0-8057-9297-3.
  19. ^ Enzo Biagi, Dizionario del Novecento: Gli uomini, le donne, i fatti, le parole che hanno segnato la nostra vita e quella del mondo
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  64. ^ Woody Allen, la difesa del figlio Moses
  65. ^ Happy brother-in-law's day!' Woody Allen's estranged son Ronan posts sarcastic Father's Day message on Twitter
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  78. ^ Il film ha incassato 14.792.779 di dollari (EN) Radio Days, Mojo Box Office. URL consultato il 10 settembre 2011.
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  80. ^ Il film ha incassato 1.562.749 di dollari (EN) Un'altra donna, Mojo Box Office. URL consultato il 10 settembre 2011.
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  82. ^ Il film ha incassato 10.555.619 di dollari (EN) Mariti e mogli, Mojo Box Office. URL consultato il 10 settembre 2011.
  83. ^ La critica osserva l'interpretazione grigia degli attori di fronte a quella vivida delle attrici. Morando Morandini, Laura Morandini, Mauro Tassi, Il Morandini 2010, Zanichelli Editore, 2010, p. 869, ISBN 978-88-08-301765.
  84. ^ Il film ha incassato 6.468.498 di dollari (EN) La dea dell'amore, Mojo Box Office. URL consultato il 10 settembre 2011.
  85. ^ Lietta Tornabuoni, '92 al cinema. pag 90., Baldini Castoldi Dalai, 1992, ISBN 978-88-85988-37-8.
  86. ^ Il film ha incassato 9.759.200 di dollari (EN) Tutti dicono I Love You, Mojo Box Office. URL consultato il 10 settembre 2011.
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  89. ^ Risorto come l'araba fenice afferma il Morandini. Morando Morandini, Laura Morandini, Mauro Tassi, Il Morandini 2010, Zanichelli Editore, 2010, p. 1422, ISBN 978-88-08-301765.
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  104. ^ Woody Allen critica Israele
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  106. ^ http://www.huffingtonpost.it/2013/10/16/woody-allen-ebrei_n_4106776.html Woody Allen: "Dietro le critiche politiche a Israele si nasconde l'antisemitismo
  107. ^ citato anche in: Franco Fontanini, Piccola antologia del pensiero breve, Liguori Editore, 2007. ISBN 978-88-207-4128-0
  108. ^ Il cinema di Woody Allen tra umorismo brillante e filosofia
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  110. ^ Considerato il primo accenno, la svolta, verso il dramma per Allen. In Morando Morandini, Laura Morandini, Mauro Tassi, Il Morandini 2010, Zanichelli Editore, 2010, p. 73, ISBN 978-88-08-301765.
  111. ^ Il Morandini afferma che è un «capolavoro dell'allenismo» Morando Morandini, Laura Morandini, Mauro Tassi, Il Morandini 2010, Zanichelli Editore, 2010, p. 739, ISBN 978-88-08-301765.
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  114. ^ Torna al suo spirito «corrosivo» mentre sembra aver fatto pace con il proprio animo. Commenti in Pino Farinotti, Rossella Farinotti, 2009, Newton Compton, Giancarlo Zappoli, Bartolomeo Corsini, ISBN 978-88-541-1555-2.
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  121. ^ Fiero della mia New York che ha reagito all'orrore, repubblica.it, 20 settembre 2001. URL consultato il 2 ottobre 2009.
  122. ^ Antonio Monda, La magnifica illusione: un viaggio nel cinema americano, pag 58, Fazi Editore, 2003, ISBN 978-88-8112-362-9.
  123. ^ Woody Allen, Robert E. Kapsis, Kathie Coblentz, Univ. Press of Mississippi, 2006, Woody Allen: interviews, pag 145, ISBN 978-1-57806-793-0.
  124. ^ Geoffrey Cocks, The wolf at the door: Stanley Kubrick, history, & the Holocaust, pag 29, Peter Lang, 2004, ISBN 978-0-8204-7115-0.
  125. ^ Classifica 2007 AFI 100 film
  126. ^ Classifica AFI 100 film
  127. ^ Woody Allen Biography (1935-), filmreference.com. URL consultato il 28 febbraio 2008.
  128. ^ Enrico Lancia, Roberto Poppi, Gremese Editore, 2003, Dizionario del cinema italiano. Gli attori. A - L, Volume 3. pag 321., ISBN 978-88-8440-213-4.
  129. ^ Da un articolo di Roberta Jannuzzi (RadioRadicale), Woody Allen: «Sono ateo». E il doppiatore si dissocia 10 gennaio 2006, presente sul [1]

Bibliografia[modifica | modifica sorgente]

Voci correlate[modifica | modifica sorgente]

Altri progetti[modifica | modifica sorgente]

Collegamenti esterni[modifica | modifica sorgente]

Predecessore Oscar al miglior regista Successore
John G. Avildsen
per Rocky
1978
per Io e Annie
Michael Cimino
per Il cacciatore
Predecessore Oscar alla migliore sceneggiatura originale Successore
Paddy Chayefsky
per Quinto potere
1978
per Io e Annie
Nancy Dowd, Waldo Salt e Robert C. Jones
per Tornando a casa
Predecessore Oscar alla migliore sceneggiatura originale Successore
William Kelley, Pamela Wallace e Earl W. Wallace
per Witness - Il testimone
1987
per Hannah e le sue sorelle
John Patrick Shanley
per Stregata dalla luna
Predecessore Oscar alla migliore sceneggiatura originale Successore
David Seidler
per Il discorso del re
2012
per Midnight in Paris
Quentin Tarantino per Django Unchained

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