Strumenti musicali elettronici

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Uno strumento musicale elettronico è uno strumento musicale che produce suoni a mezzo dell'elettronica. Tale strumento suona emettendo un segnale audio elettrico che pilota un altoparlante.

Uno strumento elettronico può avere un'interfaccia utente che consente di controllarne il suono, spesso aggiustando altezza, frequenza o durata di ogni nota. Tuttavia, è sempre più comune separare le funzioni di interfaccia utente e generazione del suono in un MIDI controller (dispositivo di input) e sintetizzatore, rispettivamente, con i due dispositivi comunicanti attraverso un linguaggio descrittivo di esecuzione musicale come MIDI o Open Sound Control.

Tutti gli strumenti musicali elettronici possono essere visti come un sottoinsieme di applicazioni per l'elaborazione del segnale audio. Gli strumenti musicali elettronici semplici sono a volte chiamati effetti audio; il confine tra effetti sonori e strumenti musicali reali è spesso confuso.

Il compositore e tecnico del suono francese Edgard Varèse creò una notevole varietà di suoni con corni elettronici, fischietti e nastri. Notevole il suo Poème électronique composto per il padiglione Phillips alla Expo 1958 di Bruxelles.

Gli strumenti musicali elettronici sono ora ampiamente utilizzati nella maggior parte dei generi musicali. Lo sviluppo di nuovi strumenti musicali elettronici, controller e sintetizzatori continua ad essere un settore altamente attivo nel campo della ricerca interdisciplinare. Esistono diversi convegni specialistici, in particolare la Conferenza internazionale sulle Nuove interfacce per l'espressione musicale. Questa conferenza ha lo scopo di segnalare il lavoro di avanguardia, nonché fornire una vetrina agli artisti che si esibiscono o creano musica con nuovi strumenti musicali elettronici, controller e sintetizzatori.

Primi strumenti elettronici[modifica | modifica wikitesto]

1leftarrow.pngVoce principale: Musica elettronica.

Emersione della tecnologia del suono elettronico[modifica | modifica wikitesto]

Diagramma di un clavicembalo elettrico

Nel XVIII secolo, musicisti e compositori adattarono una serie di strumenti acustici per sfruttare la novità dell'energia elettrica. Così, nel senso più ampio, il primo strumento musicale elettrificato è stato il Denis d'or, risalente al 1753, seguito a breve dal clavicembalo elettrico del francese Jean-Baptiste de Laborde nel 1761. L'antico strumento consisteva in uno strumento a tastiera di oltre 700 corde, elettrificate temporaneamente per migliorare la qualità sonora. Quest'ultimo era uno strumento a tastiera con plettri attivati a comando elettrico. Tuttavia, nessuno strumento utilizzava l'elettricità come sorgente sonora.

Il primo sintetizzatore elettronico fu inventato nel 1876 da Elisha Gray.[1][2] Il "Telegrafo musicale" è stato l'occasionale sottoprodotto della tecnologia del telefono quando Grey scoprì casualmente che poteva controllare il suono da un circuito elettromagnetico auto-vibrante e così inventò un semplice oscillatore. Il telegrafo musicale utilizzava canne in acciaio oscillate da elettromagneti e trasmesse su una linea telefonica. Grey costruì anche un semplice dispositivo altoparlante, in modelli successivi, che consisteva in un diaframma vibrante in un campo magnetico.

Una significativa invenzione, che successivamente avrebbe avuto un notevole influsso sullo sviluppo della musica elettronica, fu il triodo audion di Lee DeForest. Questo fu la prima valvola termoionica, inventata nel 1906, cheportò alla generazione e all'amplificazione di segnali elettrici, trasmissioni radio e al calcolo elettronico, tra le le altre cose.

Fra i primi sintetizzatori vi furono il telharmonium di Thaddeus Cahill (prima del 1907), il theremin (1919), commercializzato dalla RCA, lo spherophone e il partiturophone di Jorg Mage (1924), il simile electronde di Taubmann (1933), l'onde Martenot di Maurice Martenot (1928) e il trautonium (1930). Il mellertion (1933) usava una scala non standardizzata, il dynaphone di Bertrand poteva produrre ottave e quinte perfette, mentre l'emicon era uno strumento statunitense, controllato da tastiera, costruito nel 1930 il tedesco hellertion combinava quattro strumenti per produrre accordi. Vennero prodotti anche tre strumenti russi, la Croix sonore di Oubouhof (1934), il microtonale electronic keybord oboe di Ivor Darreg (1937) ed il sintetizzatore ANS costruito dallo scienziato Evgeny Murzin dal 1937 al 1958. Solo due modelli di quest'ultimo vennero costruiti e l'unico esemplare superstite è attualmente conservato presso l'Università Lomonosov di Mosca. Venne usato per la sonorizzazione di molti film russi come Solaris, per la produzione di insoliti suoni "cosmici"[3][4]

Hugh Le Caine, John Hanert, Raymond Scott, il compositore Percy Grainger (con Burnett Cross) e altri costruirono una serie di controller elettronici di musica automatizzati tra la fine degli anni 1940 e l'inizio di quelli 1950. Nel 1959 Daphne Oram realizzò un nuovo metodo di sintesi, la tecnica "Oramics", guidata da disegni su una striscia di pellicola 35 millimetri, utilizzato per un certo numero di anni al BBC Radiophonic Workshop.[5] Questo laboratorio produsse il tema della serie televisiva Doctor Who, un pezzo, in gran parte creato da Delia Derbyshire, che più di ogni altro ha garantito la popolarità della musica elettronica nel Regno Unito.

Organo Hammond e Novachord[modifica | modifica wikitesto]

Novachord Hammond (1939)
Exquisite-kfind.png Per approfondire, vedi Organo Hammond e Novachord.

Nel 1929, Laurens Hammond fondò una fabbrica per la costruzione di strumenti musicali elettronici e cominciò a produrre l'Organo Hammond, basato sui principi del telharmonium, insieme ad altri sviluppi, tra cui le prime unità di riverbero.[6]

Il primo sintetizzatore ad essere commercializzato fu il Novachord, costruito dall'Hammond Organ Company dal 1938 al 1942. Era uno strumento polifonico a 72 tasti che utilizzava 12 oscillatori. Lo strumento implementava 163 valvole termoioniche e pesava oltre 200 chilogrammi.

Sintetizzatori analogici 1950-1980[modifica | modifica wikitesto]

1leftarrow.pngVoce principale: Sintetizzatore.

Gli strumenti elettronici più comunemente utilizzati sono i sintetizzatori, cosiddetti perché generano artificialmente suono utilizzando una varietà di tecniche. Tutti i primi circuiti di sintesi sonora erano basati su circuiti analogici, in particolare amplificatori a controllo di tensione, oscillatori e filtri. Un importante sviluppo tecnologico fu l'invenzione del sintetizzatore Clavivox, di Raymond Scott, nel 1956, in collaborazione con il con gruppo di Robert Moog.

Sintetizzatori modulari[modifica | modifica wikitesto]

La Radio Corporation of America (RCA) produsse dispositivi sperimentali di sintetizzazione della voce e della musica nel 1950. L'RCA Mark II Sound Synthesizer, ospitato presso il Columbia-Princeton Electronic Music Cener a New York venne progettato da Herbert Belar e Harry Olson alla RCA, con il contributo di Vladimir Ussachevsky e Peter Mauzey e installato presso la Columbia University nel 1957. Costituito da una serie di componenti di sintesi del suono interconnessi, era in grado di produrre solo musica programmata,[2] utilizzando un nastro di carta perforata con fori per controllare altezza delle fonti e filtri, simile a un pianoforte meccanico.

Robert Moog

Negli anni 1960 i sintetizzatori erano ancora generalmente confinati negli studi di registrazione a causa delle loro dimensioni. Essi erano di solito a composizione modulare, e le loro fonti di segnale separate erano collegate ai processori con cavi o altri mezzi e controllati da un dispositivo comune. Harald Bode, Don Buchla, Hugh Le Caine, Raymond Scott e Paul Ketoff furono tra i primi a costruire tali strumenti, tra la fine degli anni 1950 e l'inizio dei 1960. Buchla prodousse poi un sintetizzatore modulare commerciale, il Buchla Musica Easel.[7] Robert Moog, che era stato allievo di Peter Mauzey e uno degli ingegneri del RCA Mark II, creaò un sintetizzatore che poteva ragionevolmente essere utilizzato da musicisti, progettando i circuiti mentre era alla Columbia-Princeton. Il sintetizzatore Moog venne esposto, per la prima volta, al convegno della Audio Engineering Society nel 1964.[8] Richiedeva un'esperienza nel creare i suoni, ma era più piccolo e più intuitivo di quello che era stato realizzato prima, meno macchina e più strumento musicale. Moog stabilì le norme per il controllo dell'interfacciamento, usando una scala logaritmica di 1 volt per ottava per il controllo dell'altezza del suono e un segnale di attivazione separato. Questa standardizzazione permise che i sintetizzatori di diversi produttori potessero operare simultaneamente. Controllo di altezza era di solito eseguito sia con una tastiera tipo quella di un organo che di un sequencer producendo una serie cronometrata di tensioni di controllo. Verso la fine degli anni 1960 centinaia di registrazioni utilizzarono i sintetizzatori Moog. Subito dopo altri produttori iniziarono a costruire sintetizzatore commerciali e fra questi ARP Instruments, Inc., che iniziò con i sintetizzatori modulari prima di produrre strumenti integrati, e l'azienda britannica Electronic Music Studios (London) Ltd (SME).

Minimoog (1970, R.A.Moog)

Sintetizzatori integrati[modifica | modifica wikitesto]

Nel 1970, Moog progettò il Minimoog, un sintetizzatore integrato provvisto di tastiera. I circuiti analogici erano interconnessi con interruttori in una disposizione semplificata detta "normalizzazione". Anche se meno flessibile di un design modulare, la normalizzazione rese lo strumento più portatile e più facile da usare. Il Minimoog fu venduto in 12.000 unità[9] ulteriormente standardizzando la progettazione dei successivi sintetizzatori con la loro tastiera integrata, altezza e modulazione regolabile e flusso del segnale VCO-> VCA -> VCF. Divenne celebre per il suo suono "grasso" e per problemi di messa a punto. Componenti a stato solido miniaturizzati permisero ai sintetizzatori di diventare strumenti portatili autonomi che presto apparvero in esecuzioni dal vivo e rapidamente diventarono ampiamente utilizzati nella musica pop e musica classica elettronica.[10]

Sequential Circuits Prophet-5 (1977)

Polifonia[modifica | modifica wikitesto]

I primi sistetizzatori erano monofonici, producendo una sola nota alla volta. Fra i più popolari sintetizzatori monofonici vi erano il Minimoog e il Roland SH-101. Alcuni, come il Moog sonic Six, ARP Odyssey e EML 101, potrebbe produrre due suoni diversi quando venivano premuti due tasti. La polifonia (note simultanee multiple, che consentono l'esecuzione di accordi) era ottenibile solo con gli organi elettronici, in un primo momento. Le tastiere elettroniche popolari che combinavano circuiti di organi con l'elaborazione dei sintetizzatori, comprendevano l'ARP Omni, il Polymoog di Moog e l'Opus 3.

Nel 1976 iniziarono ad apparire in commercio sintetizzatori polifonici abbordabili , in particolare lo Yamaha CS-50, CS-60 e CS-80, il Sequential Circuits Prophet-5 e il Four-Voice Oberheim. Questi rimanevano comunque complessi, pesanti e relativamente costosi. La registrazione delle impostazioni nella memoria digitale ha permesso l'inserimento e il richiamo dei suoni. Il primo sintetizzatore polifonico pratico, e il primo ad utilizzare un microprocessore come controller, è stato il Sequential Circuits Prophet-5 introdotto alla fine del 1977.[11] Per la prima volta, i musicisti avevano a disposizione un sintetizzatore polifonico pratico che poteva salvare tutte le impostazioni nella memoria del computer e richiamarle al semplice tocco di un pulsante. Il Profeta-5 divenne il paradigma di un nuovo standard, spingendo lentamente fuori i sintetizzatori modulari più complessi.

Nastro registratore[modifica | modifica wikitesto]

1leftarrow.pngVoci principali: Magnetofono, Musica concreta.

Nel 1935, un altro significativo sviluppo venne realizzato in Germania. L'Allgemeine Elektrizitäts Gesellschaft (AEG) mise in commercio il primo registratore a nastro, chiamato Magnetophon. Il nastro audio, aveva il vantaggio di essere abbastanza leggero, oltre ad avere una buona fedeltà audio, sostituì i registratori a filo molto più ingombranti.

Il termine "musica elettronica" (entrato in uso nel corso degli anni trenta) fece divenire il registratore come un elemento essenziale: "suoni prodotti elettronicamente registrati su nastro e disposti dal compositore in maniera da formare una composizione musicale")[12] Esso fu anche indispensabile per la musica concreta.

Il nastro diede origine ai primi campionamenti analogici, alle tastiere per la riproduzione di campioni, alla Chamberlin e al suo più famoso successore Mellotron, una tastiera polifonica elettromeccanica originariamente sviluppata e costruita a Birmingham, in Inghilterra, nei primi anni 1960.

Sequencer[modifica | modifica wikitesto]

1leftarrow.pngVoce principale: Sequencer.

Nel 1951 l'ex compositore jazz Raymond Scott inventò il primo sequencer, costituito da centinaia di interruttori che controllavano dei relè passo-passo, solenoidi, circuiti di tono e 16 oscillatori individuali.

Hardware hacking[modifica | modifica wikitesto]

1leftarrow.pngVoce principale: Circuit bending.

Fu nel periodo (1966–1967) che Reed Ghazala scoprì ed iniziò ad insegnare il "circuit bending"—l'applicazione di creativi cortocircuiti, creando sperimentali strumenti elettronici, esplorando gli elementi sonori più dal lato del timbro che da quello dell'altezza o del ritmo, influenzato dal concetto di musica aleatoria di John Cage.[13]

Gran parte di questa manipolazione dei circuiti, soprattutto dal punto di vista della distruzione, è stato lanciato da Louis e Bebe Barron nei primi anni 1950, come ad esempio nel loro lavoro con John Cage sul Williams Mix e soprattutto nella colonna sonora di Forbidden Planet.

Era digitale 1980-2000[modifica | modifica wikitesto]

Sintetizzatori digitali[modifica | modifica wikitesto]

I primi sintetizzatori digitali furono degli esperimenti accademici di sintesi sonora utilizzando un computer digitale. La sintesi FM venne sviluppata a questo scopo; come un metodo per generare digitalmente suoni complessi con il minor numero di operazioni di calcolo per campione audio. Nel 1983 la Yamaha introdusse il primo sintetizzatore digitale a se stante, il DX-7. Esso usava sintetizzazione a modulazione di frequenza (sintesi FM), sviluppato per la prima volta da John Chowning alla Stanford University durante i tardi anni 1960.[14] Chowning cedette il suo brevetto di sintesi FM alla Yamaha nel 1975.[15] In seguito la Yamaha mise sul mercato i primi sintetizzatori FM, il GS-1 e GS-2, che erano costosi e pesanti. Ne seguirono un paio di più piccoli, in versione preimpostata, il CE20 e il CE25 Combo Ensemble, destinati principalmente al mercato degli organi di casa e con le tastiere di quattro ottave.[16] La terza generazione di sintetizzatori digitali Yamaha di sintetizzatori digitali fu un successo commerciale; essa consisteva nel DX7 e DX9 (1983). Entrambi i modelli erano compatti, a prezzi ragionevoli, e dipendevano da circuiti integrati digitali personalizzati per produrre tonalità FM. Il DX7 è stato il primo sintetizzatore completamente digitale dedicato al mercato di massa.[17] Divenne uno strumento indispensabile per molti artisti musicali degli anni 1980, e la domanda di fornitura presto superò l'offerta.[18] Il DXT fu venduto in oltre 200,000 unità in soli tre anni.[19]

La serie DX non era facile da programmare, ma offriva un suono percussivo dettagliato che portò alla scomparsa del pianoforte Fender Rhodes elettromeccanico. Dopo il successo della sintesi FM, Yamaha firmò un contratto con la Stanford University nel 1989 per sviluppare la digital waveguide synthesis.[20]

Campionamenti[modifica | modifica wikitesto]

Il Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), il primo campionatore polifonico digitale, fu il precursore dei sintetizzatori di campioni musicali.[21] Progettato nel 1978 da Peter Vogel e Kim Ryrie, era basato su un doppio microprocessore per computer progettato da Tony Furse a Sydney, in Australia. Il Fairlight CMI diede ai musicisti la possibilità di modificare il volume, l'attacco, il decadimento, e di utilizzare gli effetti speciali come vibrato. Le forme d'onda dei campioni potevano essere visualizzate sullo schermo e modificate utilizzando una penna ottica.[22] Il Synclavier della New England Digital era realizzato con un sistema simile.[23] Jon Appleton (con Jones e Alonso) inventò il Dartmouth Digital Synthesizer, dopo divenuto il Synclavier della New England Digital Corp. Il Kurzweil K250, prodotto per la prima volta nel 1983,fu anch'esso un sintetizzatore polifonico di successo,[24] noto per la sua capacità di riprodurre diversi strumenti in modo sincrono e avere una tastiera sensibile alla velocità.[25]

Computer music[modifica | modifica wikitesto]

Un importante nuovo sviluppo fu l'avvento dei computer allo scopo di comporre musica, anziché manipolarla o creare suoni. Iannis Xenakis cominciò quella che viene chiamato musique stochastique, o musica stocastica, che è un metodo di composizione che si avvale di sistemi di probabilità matematiche. Diversi algoritmi di probabilità sono stati usati per creare un pezzo in un insieme di parametri. Xenakis usò carta millimetrata e un righello per aiutare a calcolare le traiettorie di velocità dei glissando per la sua composizione orchestrale Metastasi (1953-1954), ma poi si rivolse all'uso del computer per comporre pezzi come ST/4 per quartetto d'archi e ST/48 per orchestra (entrambi nel 1962).

L'impatto dei computer continuò nel 1956. Lejaren Hiller e Leonard Isaacson composero Iliac Suite per quartetto d'archi, la prima opera completa di composizione assistita da computer utilizzando algoritmi di composizione.[26]

Nel 1957 Max Mathews, alla Bell, scrisse le MUSIC-N series, una prima famiglia di programmi informatici per la generazione di forme d'onda audio digitali attraverso la sintesi diretta. Quindi Barry Vercoe scrisse MUSIC 11 basandosi su MUSIC IV-BF, un programma di sintesi musicale di nuova generazione (che poi evolvette nel csound, ancora ampiamente utilizzato).

A metà degli anni 1980, Miller Puckette all'IRCAM sviluppò un software grafico di elaborazione del segnale per 4X chiamato Max (da Max Mathews), e successivamente portato alla Macintosh (con Dave Zicarelli estendendolo a Opcode[27]) il controllo MIDI in tempo reale, portando la disponibilità di composizione algoritmica alla maggior parte dei compositori con modeste conoscenze di programmazione al computer.

MIDI[modifica | modifica wikitesto]

MIDI, una LAN per la musica, abilita il collegamento fra gli strumenti digitali elettronici

Nel 1980, un gruppo di musicisti e commercianti di musica si riunì per standardizzare l'interfaccia con cui i nuovi strumenti potevano comunicare istruzioni di controllo con altri strumenti e il microcomputer principale. Questo standard è stato soprannominato MIDI (Musical Instrument Digital Interface). Venne redatto un documento da Dave Smith del Sequential Circuits e proposto all'Audio Engineering Society nel 1981. Nel mese di agosto 1983, la specifica MIDI 1.0 venne finalizzata.

L'avvento della tecnologia MIDI consentì a un singolo tasto, pomello di controllo, movimento di pedale, o comando di un microcomputer, di attivare tutti i dispositivi in studio a distanza e in sincronia con ogni dispositivo in modo da rispondere alle condizioni predeterminate dal compositore.

Gli strumenti MIDI e i software dedicati hanno reso, i complessi controlli di sofisticati strumenti, accessibili a molti studi di registrazione e semplici utilizzatori. I suoni acustici sono vengono reintegrati in studio con campionamenti.

Moderni strumenti musicali elettronici[modifica | modifica wikitesto]

La crescente potenza e la diminuzione costante dei costi dell'elettronica di generazione del suono (e in particolare del personal computer), combinata con la standardizzazione dei linguaggi MIDI e Open Sound Control di descrizione della prestazione musicale, ha facilitato la separazione, negli strumenti musicali elettronici, fra controller e sintetizzatori musicali.

Di gran lunga il controller musicale più comune è la tastiera musicale. Altri controller sono il radiodrum Akai di EWI, le chitarre come Synthaxe, BodySynth, Buchla Thunder, il Continuum Fingerboard, la Roland Octapad, varie tastiere isomorfiche tra cui la Thummer e Kaossilator Pro, e kit come I-Cubex.

Reactable[modifica | modifica wikitesto]

Reactable
Exquisite-kfind.png Per approfondire, vedi Reactable.

Il Reactable è un tavolo traslucido rotondo con uno schermo interattivo retroilluminato. Inserendo blocchi chiamati tangibili sulla superficie del tavolo, mentre si interagisce con il display visivo attraverso i movimenti del dito, viene azionato un sintetizzatore modulare virtuale, creando musica o effetti sonori.

Percussa AudioCubes[modifica | modifica wikitesto]

Audiocubes

Gli AudioCubes sono cubi wireless autonomi alimentati da un sistema informatico interno e da una batteria ricaricabile. Hanno illuminazione RGB interna, e sono in grado di rilevare la posizione dell'uno rispetto agli altri, l'orientamento e la distanza. I cubi possono anche rilevare le distanze fra le mani dell'utente e le dita. Attraverso l'interazione con i cubi, può essere attivata una grande varietà di musica e suono. Gli AudioCubes trovano applicazioni nel sound design, produzione musicale, DJ e esibizioni live.

Kaossilator[modifica | modifica wikitesto]

Korg Kaossilator

Il Kaossilator e il Kaossilator Pro sono strumenti compatti in cui la posizione di un dito sul touchpad controlla le caratteristiche di due note; di solito l'altezza viene cambiata con un movimento sinistra-destra e la proprietà tonale, filtro o altri cambiamenti di parametri con un movimento alto-basso. Il touch pad può essere impostato su diverse scale musicali e chiavi. Lo strumento può registrare un ciclo sonoro, di lunghezza variabile, da ripetere, impostare qualsiasi tempo, e nuovi cicli di suono da miscelare a quelli esistenti. Ciò si presta alla danza, alla musica elettronica, ma è più limitato per le sequenze controllate di note, dato che il pad su un Kaossilator non è molto versatile.

Eigenharp[modifica | modifica wikitesto]

L'Eigenharp è un grande strumento che assomiglia ad un fagotto, che può essere interagito con tasti a sfioramento, un sequencer a tamburo e un boccaglio. L'elaborazione del suono è fatta su un computer separato.

AlphaSphere[modifica | modifica wikitesto]

L'AlphaSphere è uno strumento sferico che si compone di 48 pad tattili che rispondono alla pressione così come al tocco. Un software personalizzato consente ai pad di essere programmati individualmente o a gruppi in termini di funzione, nota, e parametri di pressione tra molte altre impostazioni. Il concetto principale dell'AlphaSphere è quello di aumentare il livello di espressioni disponibili per musicisti elettronici, consentendo lo stile esecutivo di uno strumento musicale.

Chip music[modifica | modifica wikitesto]

1leftarrow.pngVoce principale: Chiptune.

Chiptune, chipmusic, o chip music è musica scritta in formati sonori in cui molte delle tessiture sonore sono sintetizzate o in sequenza in tempo reale da un computer o console per videogiochi, a volte anche basata su sintesi di campioni e riproduzione di campioni basso numero di bit. Molti dispositivi musicali di chip presentano sintetizzatori che operano in tandem con la riproduzione del campione a bassa frequenza.

Cultura DIY[modifica | modifica wikitesto]

Fra la fine degli anni 1970 e l'inizio degli anni 1980, DIY (Fai da te) i disegni venivano pubblicati in riviste di hobby dell'elettronica (in particolare il synth Formant modulare, un clone DIY del sistema Moog, pubblicato da Elektor) e i kit erano forniti da aziende come Paia negli Stati Uniti, e Maplin Electronics nel Regno Unito.

Circuit bending[modifica | modifica wikitesto]

Probing for "bends" using a jeweler's screwdriver and alligator clips.{{Descrizione da tradurre}}

1leftarrow.pngVoci principali: #Hardware hacking, Chiptune.

Il circuit bending è la personalizzazione creativa dei circuiti all'interno di dispositivi elettronici come la bassa tensione, gli effetti per chitarra alimentata a batteria, i giocattoli per per bambini e piccoli sintetizzatori digitali per creare nuovi strumenti musicali o visivi e generatori di suono. Sottolineando la spontaneità e la casualità, le tecniche di circuit bending sono stati comunemente associati con la noise music, anche se molti altri musicisti contemporanei convenzionali e gruppi musicali sono stati conosciuti per sperimentare su strumenti "bent". Il circuit bending di solito comporta lo smontaggio della macchina e l'aggiunta di componenti quali interruttori e potenziometri che alterano il circuito. C'è stato un rinnovato interesse per il sintetizzatore analogico diventato una soluzione economica per molti musicisti sperimentali i quali lo utilizzano per creare i loro diversi generatori di suono. Oggi possono essere trovati molti schemi per la costruzione di generatori di rumore autocostruiti, come l'Atari Punk Console o il Dub Siren nonché modifiche semplici per i giocattoli dei bambini, come il famoso Speak & Spell spesso modificati da circuit bend.

Sintetizzatori modulari[modifica | modifica wikitesto]

Il sintetizzatore modulare è un tipo di sintetizzatore costituito da moduli intercambiabili separati. Questi sono disponibili come kit per costruttori fai da te e hobbisti. Sono disponibili anche kit per hobbisti con schede PCB nude e pannelli frontali per la vendita ad altri hobbisti.

Note[modifica | modifica wikitesto]

  1. ^ Electronic Musical Instrument 1870 - 1990, 2005. URL consultato il 9 aprile 2007.
  2. ^ a b Joel Chadabe, The Electronic Century Part I: Beginnings, Electronic Musician, febbraio 2000, pp. 74–89.
  3. ^ Mark Vail, Eugeniy Murzin's ANS — Additive Russian synthesizer, Keyboard Magazine, 1º novembre 2002, p. 120.
  4. ^ All the preceding instruments except those of Darreg and Murzin described in P. Scholes, The Oxford Companion to Music, 10th Ed. OUP, p.322
  5. ^ Peter Manning, Electronic and Computer Music, Oxford University Press US, 2004, pp. 129–132, ISBN 0-19-514484-8.
  6. ^ Russcol 1972, 70.
  7. ^ Mark Vail, Buchla Music Easel — Portable performance synthesizer, Keyboard Magazine, 1º ottobre 2003, p. 108.
  8. ^ Albert Glinsky, Theremin: Ether Music and Espionage, University of Illinois Press, 2000, p. 293, ISBN 0-252-02582-2.
  9. ^ 1970 Robert Moog Moog Music Minimoog Synthesizer, Mix Magazine, 1º settembre 2006. URL consultato il 10 aprile 2008.
  10. ^ Larisa Katherine Montanaro, A Singer’s Guide to Performing Works for Voice and Electronics, PhD thesis Doctor of Musical Arts, The University of Texas at Austin, maggio 2004.
    «Nel 1969, una versione portatile del Moog, chiamata Minimoog, divenne il sintetizzatore più utilizzato sia nella musica popolare che in quella classica elettronica».
  11. ^ Peter Wells, A Beginner's Guide to Digital Video, AVA Books (UK), 2004, p. 10, ISBN 2-88479-037-3.
  12. ^ "Electronic music": Dictionary.com Unabridged (v 1.1). Random House, Inc. (accesso 19 agosto 2007)
  13. ^ Alex Yabsley, Back to the 8 bit: A Study of Electronic Music Counter-culture, Dot.AY, 3 febbraio 2007.
    «Questo elemento di inserire errori è al centro del circuit bending, e prevede di creare suoni che non dovrebbero accadere e non dovrebbero essere sentiti (Gard, 2004). In termini di musicalità, come con la musica classica elettronica, che si occupa principalmente di timbro e guarda poco all'altezza e al ritmo in senso classico. .... alla stesso modo della musica aleatoria di Cage, l'arte del bending dipende dal caso, quando una persona si prepara non ha idea del risultato finale.».
  14. ^ Chowning, 1973
  15. ^ Charles Petzold, Riding the wave of sound synthesis: the origins of FM synthesis, PC Magazine, 29 novembre 1988, p. 232.
  16. ^ Yamaha GS1 & DX1, Sound On Sound, giugno 2001. URL consultato il 10 aprile 2008.
  17. ^ Richard B. Le Heron e James W. Harrington, New Economic Spaces: New Economic Geographies, Ashgate Publishing, 2005, p. 41, ISBN 0-7546-4450-2.
  18. ^ Three Yamaha products that reshaped the industry mark 20th anniversary, Music Trades, febbraio 2004, pp. 70–74. [collegamento interrotto]
  19. ^ Julian Colbeck, Keyfax The Omnibus Edition, Hal Leonard Corporation, giugno 1997, p. 208, ISBN 0-918371-08-2.
  20. ^ Jim Aikin, Software Synthesizers: The Definitive Guide to Virtual Musical Instruments, Backbeat Books, 2003, p. 4, ISBN 0-87930-752-8.
  21. ^ David Holloway, Fairlight's Peter Vogel, Keyboard Magazine, 1º luglio 2006, p. 104.
  22. ^ David Scott, Music computer - you draw sounds you want to hear, Popular Science, maggio 1984, p. 154.
  23. ^ 1979 Fairlight CMI, Mix Magazine, 1º settembre 2006. URL consultato il 30 maggio 2008.
  24. ^ David Battino, Kelli Richards, Stewart Copeland, The Art of Digital Music, Backbeat Books, 2005, p. 58, ISBN 0-87930-830-3.
  25. ^ M Porter, The Impact of the Kurzweil 250, Computers & Electronics, luglio 1984, pp. 42–43.
  26. ^ Schwartz 1975, 347.
  27. ^ Max at Opcode

Collegamenti esterni[modifica | modifica wikitesto]

DIY[modifica | modifica wikitesto]